À la fin des années 1970, alors que l’art conceptuel et le minimalisme semblaient avoir réduit la peinture à une idée, un groupe d’artistes italiens entreprend un retour radical à la sensualité du geste, à la mémoire de l’image et à la subjectivité du regard.C’est la Trans-avant-garde — Transavanguardia, ou New image selon le terme forgé par le critique Achille Bonito Oliva
Loin de prôner un retour nostalgique au passé, ce mouvement se veut une traversée libre de l’histoire de l’art : un passage “au-delà de l’avant-garde”, où la figure, la couleur et l’émotion reprennent leurs droits. Le portrait, en particulier, devient un lieu d’expérimentation privilégié pour redécouvrir la puissance de la peinture incarnée.

Entre 1978 et 1982, Oliva réunit autour de lui cinq peintres majeurs : Sandro Chia, Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Mimmo Paladino, Nicola De Maria.Tous rejettent la froideur analytique de l’art conceptuel au profit d’un langage subjectif, mythologique et narratif. Et Le portrait est un lieu de réconciliation. Il n’est pas le simple retour à une tradition académique. Il devient une figure de l’identité en métamorphose, à la fois intime et archétypale..

Le portrait, dans cette perspective, n’est plus un genre stable mais un champ d’énergie, où l’histoire de l’art, la mémoire personnelle et le mythe se rencontrent. La Trans-avant-garde ramène la matière picturale au centre de la réflexion. La pâte épaisse, les couleurs vives, les gestes expressifs donnent au visage une présence charnelle, presque tactile.Le portrait devient une expérience de la peinture elle-même : non plus reproduction d’un modèle, mais incarnation du processus créatif.

Outre les initiateurs, Sandro Chia =Enzo Cucchi = Francesco Clemente =Mimmo Paladino =Nicola De Maria il a aussi Carlo Maria Mariani =Luigi Ontani = =Nunzio Miano =Ernesto Tatafiore

Dans les années 1970-1980, au moment où la société occidentale est saturée d’images médiatiques et publicitaires, un courant d’artistes , essentiellement américains — que la critique a nommé Appropriation Art — entreprend de « voler » ou plutôt de recontextualiser des images préexistantes. Le portrait, omniprésent dans l’histoire de l’art comme dans la culture de masse, devient alors l’un de leurs terrains privilégiés.

Traditionnellement, le portrait visait l’individualité, la singularité d’un sujet. L’Appropriation Art s’attaque précisément à cette idée. Qu’advient-il de l’identité quand son image circule partout, copiée, multipliée, standardisée ? En reproduisant des visages célèbres ou anonymes, les artistes interrogent la perte d’aura et l’impossible unicité du portrait à l’ère de la reproduction mécanique.

L’Appropriation Art a donc redéfini le portrait : il ne s’agit plus de représenter une essence individuelle, mais d’exposer la manière dont les images façonnent nos identités. Le portrait devient critique, réflexif, souvent ironique. Il révèle moins « qui » est quelqu’un que « comment » la société produit des visages et des figures reconnaissables. Certain(e)s de ces artistes vont ensuite se tourner vers le simulationnisme

Les principaux tenants de ce mouvement ont été Cindy Sherman =Sherrie Levine = Richard Prince = Barbara Kruger = Louise Lawler = Mike Bidlo = Elaine Sturtevant= Allan McCollum =David Salle