Les mouvements artistiques de 1800 à aujourd'hui +Les arts visuels depuis l'Antiquité jusqu'à l'orée du 19ème siècle.LesTechniques, manifestations, artistes, biographies, répertoires , carnets de liens + et bien d'autres choses
L’approche néo-impressionniste ou pointillisme, aussi appelée divisionnisme ou cromo-luminarisme) est un mouvement artistique de la fin du XIXe siècle (1886-1900) théorisé par Paul Signac et porté par Georges Seurat comme chef de file. Contrairement aux impressionnistes qui peignaient de manière intuitive et spontanée, les néo-impressionnistes imposent une méthode scientifique, structurée et géométrique à la peinture.
Les artistes n’associent pas physiquement les pigments entre eux. Ils appliquent sur la toile des touches de couleurs pures. C’est l’œil et le cerveau du spectateur qui, en se plaçant à une distance suffisante, fusionnent les points colorés pour reconstituer les nuances, les volumes et les formes.
Les peintres,inspirés par les travaux scientifiques du chimiste Michel-Eugène Chevreul juxtaposent systématiquement des couleurs complémentaires, par exemple le bleu à côté de l’orange, le rouge à côté du vert. Ceci pour accentuer l’éclat et la luminosité de la toile.
Ce procédé de division de la lumière évite les tons terreux ou ternes propres aux mélanges physiques de pigments, offrant une vibrance lumineuse inédite.La touche de peinture se réduit à un minuscule point régulier chez les pointillistes stricts comme Georges Seurat. Chez d’autres divisionnistes comme Paul Signac , elle prend parfois la forme d’un petit trait ou d’un carré, s’apparentant à une mosaïque.
Le mouvement intègre des théories sur la portée psychologique des lignes (théorisées par Charles Henry). Des lignes ascendantes et des couleurs chaudes traduisent la joie, tandis que des lignes descendantes évoquent la tristesse.
Les contours ne sont plus dessinés mais suggérés par le contraste des points colorés. Les scènes (souvent des paysages marins ou des scènes de loisirs modernes) dégagent une atmosphère figée, presque intemporelle et géométrique, loin du dynamisme de l’impressionnisme.
Pour ne pas rompre l’harmonie optique, les peintres néo-impressionnistes peignaient fréquemment le cadre en utilisant la même technique de points et selon le principe des couleurs complémentaires, afin de faire vibrer les bordures du tableau.
Le mouvement nabi se situe à la croisée du paysage, du symbolisme et de l’art décoratif. Il naît à Paris vers 1888, autour de jeunes artistes fascinés par Paul Gauguin, ,les recherches synthétistes et les estampes japonaises.
Ils ne cherchent plus seulement à reproduire fidèlement la nature.ils simplifient les formes, libèrent la couleur et transforment le paysage en une composition presque musicale ou décorative.
Tous les Nabis ne sont pas principalement des paysagistes. Certains privilégient les scènes d’intérieur, le portrait, la figure humaine ou les décors. Mais plusieurs ont développé une œuvre paysagère importante.
Parmi eux Paul Sérusier1864-1927) sous les conseils de Gauguin, peint à Pont-Aven le Talisman, en 1888. Il transforme un paysage breton en une composition de couleurs presque abstraite. C’est l’œuvre fondatrice de l’esthétique nabi.
L’exposition Cezanne et nous(sans accent ) met en lumière l’immense influence de Paul Cezanne sur l’histoire de l’art, en faisant dialoguer 69 œuvres du maître avec 105 créations de 78 artistes majeurs de la fin du XIXe siècle à nos jours. Y figurent un certain nombre de photographes. Exposition est coproduite par le Grand Palais Rmn, le Centre Pompidou et l’établissement public du musée d’Orsay et du musée de l’Orangerie –
Cézanne cherchait à « traiter la nature par le cylindre, la sphère, le cône ». Les artistes qui l’ont suivi ont vu dans ses paysages et ses natures mortes une libération de la perspective traditionnelle. Cette géométrisation des formes est à l’origine du Cubisme de Braque et Picasso.
Pour Cézanne, la couleur n’était pas seulement décorative : elle créait le volume et la lumière par sa simple modulation juxtaposée. La juxtaposition de ses touches picturales a ouvert la voie aux explosions de couleurs pures des peintres fauves.
Ceci étant, de mon point de vue, je pense que pour capter le regard du public, les commissaires de l’exposition ont peut-être cédé à la tentation des rapprochements purement formels.
On place une toile de Cézanne avec des touches carrées vertes à côté d’une œuvre abstraite contemporaine présentant des motifs similaires. Ce parallélisme visuel est souvent une coïncidence de composition. Aussi, intégrer des artistes pop, minimalistes ou hyper-contemporains relève souvent d’une surinterprétation. Il n’empêchè que l’exercice s’il n’est pas toujours pertinent, il est intéressant.
À l’occasion du bicentenaire de l’invention de la photographie, par Nicéphore Niépce; la Bourse de Commerce – Pinault Collection réunit près de 700 œuvres de plus de 70 artistes. Le titre « Remember Me » est emprunté à l’œuvre de Barbara Kruger, dont l’installation investit la rotonde et les vitrines de la Bourse de commerce.
Le musée du Palais des Beaux-Arts de Lille propose l’exposition Voyage à l’anglaise : William Turner (1775-1851) et les artistes du Grand Tour du 20 novembre 2026 au 22 mars 2027
Si l’on excepte les expositions Turner et la couleur à l’Hôtel de Caumont à Aix-en-Provence en 2016 et Turner le Sublime héritage à Monaco en 2024, le paysagiste britannique est peu présent aux cimaises françaises.
Joseph Mallord William Turner (1775–1851 est né à Londres d’un père barbier, Turner manifeste un talent exceptionnel dès son enfance en vendant ses dessins dans la boutique paternelle. A 14 ans en 1789 il entre à la Royal Academy of Arts En 1802 il en devient membre puis plus tard président.
Turner artiste majeur peint à l’huile et à l’aquarelle. Comme les peintres britannique qui font le Grand Tour, pendant une grande partie de sa vie il va arpenter son pays natal ainsi que la France,l’ Italie, la Suisse, l’Allemagne. Surnommé le « peintre de la lumière », son travail novateur sur l’atmosphère, la couleur et la dissolution des formes en fait le principal précurseur de l’impressionnisme et de la modernité.
Une petite centaine d’œuvres de William Turner (1775-1851) et de ses contemporains anglais montrent comment leurs pérégrinations en Europe à transformé luer façon de traduire le paysage britannique. Aussi sensibles qu’éblouissantes, leurs œuvres donnent à voir un rapport nouveau à la nature. Dans un style tout à fait nouveau, elles préfigurent le romantisme et anticipent la révolution impressionniste.
Mary Cassatt (1844–1926) est une figure majeure de l’impressionnisme, célèbre pour son rôle de pionnière en tant que femme et artiste américaine ayant fait l’essentiel de sa carrière en France.
Issue d’une famille aisée de Pennsylvanie, elle s’installe définitivement à Paris en 1874 après avoir voyagé en Europe pour étudier la peinture. Rejetée par le Salon officiel, elle est remarquée par Edgar Degas, qui l’invite à rejoindre le groupe des impressionnistes. Elle devient la seule artiste américaine à exposer activement avec eux dès 1879 à la 4ème exposition_impressionniste
Elle passe plus de cinquante ans en France, vivant à Paris puis dans son château de Beaufresne, dans l’Oise, où elle s’éteint en 1926.
Contrairement à ses confrères masculins qui peignent les cafés et les boulevards, Cassatt explore la sphère privée et domestique à laquelle les femmes de l’époque sont cantonnées. Elle est mondialement connue pour ses portraits de mères et d’enfants.
Loin de la mièvrerie, elle y apporte un regard moderne, capturant la tendresse, la complicité et la vérité des gestes du quotidien. Suite à une exposition d’estampes japonaises à Paris en 1890, elle révolutionne sa technique en créant des gravures aux lignes pures et aux aplats de couleurs très audacieux.
Mary Cassatt a joué un rôle crucial de conseillère auprès de riches collectionneurs américains comme son amie Louisine Havemeyer. C’est grâce à elle que les musées américains possèdent aujourd’hui d’incroyables collections de chefs-d’œuvre impressionnistes français.
Le titre de l’exposition fait référence à l’indépendance assumée de l’ artiste, féministe avant l’heure. Elle a rejeté, comme ses amis impressionnistes les règles strictes du Salon officiel français et de l’art académique . Contrairement aux femmes de la haute bourgeoisie de son époque, Mary Cassatt a tenu à vivre pleinement et confortablement du produit de sa peinture., en gérant elle-même son atelier, son personnel et son château dans l’Oise. Elle a refusé le mariage et les contraintes domestiques imposées aux femmes pour se consacrer exclusivement à son art. Sa liberté personnelle s’est doublée d’un activisme politique concret. À la fin de sa vie, elle s’est activement engagée en faveur du suffrage des femmes, allant jusqu’à organiser en 1915 une grande exposition à New York chez Knoedler and C° pour collecter des fonds afin de soutenir cette manifestation.
Grace aux prêts de la National Portrait Gallery de Londres, du Museum of Fine Arts de Boston, et des collections nationales, Orsay présente une rétrospective chronologique de quatre-vingt œuvres.Avec notamment Fillette dans un fauteuil bleu, l‘entrée de la jeune fille au banjo. Sont également présenté ses séries de gravures en couleur.
L’accrochage s’affranchit du cliché restrictif de la « peintre des mères et des enfants » pour montrer comment elle a saisi avec force l’intimité, la vie sociale et l’autonomie des femmes de son époque, comme par exemple à l’Opéra
Gustave Fayet est issu d’une riche famille de viticulteurs de Béziers. Peintre lui-même comme son père et son oncle, il a joué un rôle pionnier dans la reconnaissance des avant-gardes et le rapprochement entre patrimoine et art contemporain. Presque toute sa vie, il a mené de front la direction d’un important domaine viticole, une activité financière et un parcours artistique reconnu et bien entendu celle de collectionneur. Le musée des Beaux-Arts de Béziers lui est dédié
Il a été en effet l’un des tout premiers à collectionner des œuvres majeures de Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cézanne Henri Matisse. Il était proche de Paul Gauguin et d’Odilon Redon. D’abord peintre, il a réalisé, dans les styles Art nouveau puis Art déco des céramiques, a peint à l’aquarelle sur buvard des motifs pour des tapis, des tissus, des papiers peints.
Il y a aussi des toiles de Cézanne, Degas, Matisse, Bonnard ou Toulouse-Lautrec et Odilon Redon Enfin tout un étage présent plus de 360 créations de Gustave Fayet : ses étonnantes aquarelles sur papier buvard qu’il transformait en motifs textiles ou papiers peints,ses céramiques et grès émaillés. Dans une grande salle sont accrochés ses tapis immenses dominés par la rosace de Richard Burgsthal, venue de l’ abbaye de Font froide.
Mes recherches autour des paysagistes post-impressionnistes de la fin du XIXe siècle et au début du XXe, s’achève aux Antipodes. avec les artistes australiens et néo-zélandais
Ces peintres paysagistes cherchent à se dégager des traditions picturales européennes pour représenter des territoires dont la lumière, les couleurs et les formes leur paraissent singulières.
En Australie, les peintres de la Heidelberg School ont déjà contribué à l’émergence d’une peinture nationale, attentive à la lumière du bush, aux plaines et aux abords des villes. Mais cette école est avant tout associée à l’impressionnisme australien.
En Nouvelle-Zélande, les artistes qui découvrent Cézanne, Gauguin et les autres maîtres post-impressionnistes vont progressivement simplifier les formes, renforcer les couleurs et construire des paysages moins descriptifs, plus personnels.
Peut-on pour autant parler de paysagistes post-impressionnistes australiens et néo-zélandais ? Oui, à condition de distinguer les influences stylistiques, les filiations artistiques et les classifications historiques.Le noyau australien est particulièrement intéressant pour comprendre le passage de la peinture de plein air vers une construction plus personnelle du paysage.
Généralement l’on s’intéresse aux peintre d’Amérique du Nord mais peu à ceux de l’Amérique latine. Or un certain nombre de paysagistes ont évolué vers un « post-impressionnisme tardif », tout en conservant une représentation relativement traditionnelle du paysage.
Comme aux Etats-unis, les peintres canadiens se sont emparé de l’approche française post-impressionniste, tout en l’acclimatant aux spécificités de paysage de leur pays
Aux États-Unis les peintres qui ont assimilé les recherches européennes sans appartenir à un mouvement organisé. Certains sont influencés par Paul Cézanne, d’autres reprennent l’approche quasi-scientifique d’un Georges Seurat. Tous ont eu a cœur d’interpréter les paysages des grands espaces américains.
le numéro 70 débute comme d’habitude par l’actualité des salons.
Puis commencent les rencontres d’artistes avec les fleurs de l’américaine Jeannie Vodden = les portraits du suisse Reto Salzer, qui vit en Nouvelle-Zélande = les scènes ordinaires de l’italien Guiliano Boscaini = les paysages portuaires et urbains du brésilien André Kano
Et aussi l’album consacré l’américain Rance Jones et à ses portraits en situation à Cuba. Ainsi que l’analyse d’un paysage de l’irlandais Grahame Booth
Avec un peu de retard je développe ici le numéro 189 de P.D.A. Ildébute comme à chaque livraison par la Vie des Arts et l’actualité des musées.
Puis viennent les articles consacrés aux artistes avec l’américain, peintre des fleurs Eric Wert. On poursuit avec la rencontre du peintre animalier britannique Conor Smith qui utilise le Scratchboard ou la carte à gratter en français = avec la québecoise Patricia Bellerose qui peint le mouvement de l’orchestre, mais pas seulement.
L’histoire du post-impressionnisme ne s’est évidemment pas arrêtée aux frontières françaises. Mais lorsqu’on quitte la France, la notion devient plus complexe : dans les pays nordiques, le post-impressionnisme se mêle au symbolisme, au synthétisme, au romantisme national et aux premiers mouvements modernistes.C’est précisément ce qui rend cette peinture passionnante mais parfois difficile à répertorier.
À la fin du XIXe siècle, de nombreux artistes scandinaves séjournent à Paris, à Grez-sur-Loing, à Pont-Aven ou à Copenhague. Ils découvrent Monet et les impressionnistes, mais aussi, progressivement, Gauguin, Van Gogh, Cézanne et le synthétisme. De retour dans le Nord, ils ne se contentent pas de reproduire les nouvelles recettes françaises : ils les confrontent à une nature très différente — côtes rocheuses, forêts, neige, longues nuits, lumière rasante et crépuscules.
En Suède la colonie-d’artistes de Varberg ou Varbergsskolan. est le grand foyer post-impressionniste nordique. Les peintres Nils Kreuger , Karl Nordström et Richard Bergh en sont les meneurs incontestés. De retour de France entre 1893 et 1896, ils y développent une nouvelle conception propre du paysage qui va bientôt se libérer du post-impressionnisme.Les formes sont simplifiées, les contours accentués, les détails supprimés et les surfaces colorées deviennent plus autonomes. La nature n’est plus seulement observée : elle devient porteuse d’une émotion. On peut ajouter les très parisiens Anders Zorn et Carl Larsson
Les artistes norvégiens vont vite passer du post-impressionnisme et rencontree le symbolisme. Pour Harald Sohlberg, la nature n’est plus seulement une réalité optique.Elle devient mystère, silence, émotion et vision intérieure. Par contre Thorvald Erichsen ami de Pierre Bonnard est présenté comme le peintre post-impressionniste norvégien, par excellence . On y adjoindra les noms de Christian Krohg = , Kitty Lange Kielland = Harriet Backer
Le finlandais Pekka Halonen, ami de Paul Gauguin, tout à fait dans la mouvance post-impressionniste, va de retour dans son pays créer une forme originale de paysages.La neige, les bouleaux, les forêts et les lacs deviennent des éléments presque abstraits.Le paysage finlandais est construit par grandes masses, rythmes et contrastes de couleurs.
En Islande le grand peintre est Jóhannes Sveinsson Kjarval. Plus qu’un post-impressionniste classique, il se rattacne au modernisme nordique, avec des affinités expressionnistes et symbolistes
Nils Kreuger – Vieux chêne
– Karl Nordström – Storm clouds
Peder Severin Kroyer – The Beach SkagenJens Ferdinand Willumse – Seescape
En Allemagne et en Autriche, le passage de l’impressionnisme à la modernité s’effectue plutôt par glissements successifs :plein air → impressionnisme → Jugendstil =Sécession viennoise =Berliner Secession.→ post-impressionnisme → expressionnisme. Il est assez subjectif de définir quand se situe l’abandon de l’impressionnisme et où commence en Allemagne et en Autriche,réellement le post-impressionnisme
Il y a les post-impressionnistes véritables.
En Allemagne on y classera : =Otto Modersohn & = Fritz Overbeck =les fondateurs de la Colonie de Worpspwede Le groupe fondé autour de la peinture de plein air et de la recherche d’un rapport direct avec la nature. Les paysages de landes, de marais, de bouleaux et de ciels du nord allemand constituent son univers. On y rattache en notamment ::Fritz Baer =Otto Pippel = Fritz von Wille
Plusieurs ont appartenu à la colonie de Dachau . C’était est l’un des grands centres allemands de peinture de plein air. Ces membres constituent une transition entre le post-impressionnisme,l’ abstraction et l’expressionnisme.
