L’autre jour, au cours de l’un de ses stages, Marc Folly a présenté quelques unes de ses aquarelles reproduites à la giclée. Les participants n’avaient jamais entendu parlé de cette technique.

J’ai donc pensé qu’il était peut-être utile de rappeler qu’il y a un peu plus de cinq ans, j’avais consacré deux billets à l’ impression d’art numérique à la giclée et à l’ estampe numérique.

Et bien entendu pour ces impressions digitales l’on utilise de papiers dits papiers_numériques. La firme allemande Sihl l’un des papetiers propose son nouveau papier artistique aquarella 2 Mat avec effet d’aquarelle.

Dans son « information presse » il est dit « Qui n’a jamais admiré l’impression que deux couleurs se mélangent ?C’est l’ajout d’eau au cours du processus qui permet d’arriver à ce résultat … »

 Bien entendu Sihl n’est pas le seul fabricant, il y a notamment l’ Arches aquarelle Rag 310 gr de Canson, l’Archival Mate Paper d’Espon ou encore le Museum Etching d’ Hahnemühle

Les surréalistes  ont inventé ou utilisé un certain  nombre de techniques artistiques. J’ai déjà parlé du jeu du cadavre exquis . En voici quelques autres

Le dessin automatique (automatic drawing) est une variante de l’écriture automatique. Il a été développée par le peintre et dessinateur André Masson (1896-1987). Elle a été pratiquée par surréalistes Joan Miro, Salvador Dali, Max Ernst, Hans Arp. Dans les années 1940 les Automatistes groupe d’artistes canadiens créé par Paul-Emile Borduas utilisent la technique, puis plus tard Picasso, dans les années 1960.

L’artiste prend une feuille de papier. Il ferme les yeux ou met un bandeau.simplement. Il dessine librement guidé par son inconscient. Il trace des traits de droite à gauchen de haut en bas, des ovales des ronds. Il rouvre les yeux et en observant le résultat il verra apparaître l’ébauche d’une forme d’un sujet qu’il finalisera en le complétant, en y appliquant des couleurs. Cette pratique peut aussi maintenant utiliser la souris de l’ordinateur. Voici un site en anglais et une expérience en vidéo

Cette pratique peut aussi de nos jours être mise en oeuvre avec la souris d’un ordinateur

André Masson – Dessin automatique

Le collage utilisé essentiellement par Max Ernst. Il compose en moins d’un mois, à partir de revues  illustrées, en noir et blanc,  de la fin du 19^ème siècle, un ensemble de 182 collages. Ceux-ci sont publiés en cinq volumes d’avril à septembre 1934   : « Une semaine de bonté » ou les éléments capitaux

Max Ernst – Une semaine de bonté – Collage

Le frottage inventé en 1925 par Max Ernst (1891-1976). L’artiste laisse courir une mine de crayon à papier sur une feuille posée sur une surface quelconque (parquet ou autre texture). Cette technique fait apparaître des figures plus ou moins imaginaires

Max Ernst –  Foret et soleil  – 1931 – Frottage sur papier

Le grattage pratiqué par le peintre espagnol Estaban Francès. Cette technique consiste à gratter à la lame de rasoir des couches superposées de peinture de différentes couleurs, afin de faire surgir des formes plus ou moins transparentes et diaprées.

Esteban Frances – Alambradas – Grattage

Le fumage mis au point  en 1937 par Wolfang Paalen. Il utilise les traces de fumée produites par une bougie ou une lampe pétrole sur une feuille de papier ou une toile fraîchement peinte. La technique est aussi utilisée par Salvador Dali qui l’appelle sfumato

Wolfgang Paalen Orage magnétique

La décalcomanie utilisée dans l’art par Oscar Dominguez en 1936. L’artiste presse une feuille blanche sur une autre feuille enduite de gouache noire, et répète l’opération, de manière à reporter plusieurs fois les taches de peinture. L’image qui en résulte permet à l’artiste de libérer son imagination en interprétant à sa guise les formes obtenues. Max Ernst utilisera cette technique avec de la peinture à l’huile.

Oscar Dominguez – Décalcomanie

Je pense que dans une  approche créative ces techniques peuvent être expérimentées avec l’aquarelle et donner des résultats intéressants

La lithographie

La lithogravure est parfois confondue avec la lithographie. La première est une technique de gravure de la pierre en creux qui était utilisée dès l’antiquité pour décorer les monuments. Elle a été utilisée pour exécuter des estampes. Le support était l’ardoise et le dessin gravé en relief. Cette technique est vite tombée en désuétude.

La  lithographie du grec λίθος  lithos signifie dessin sur pierre. Il ne s’agit plus ici d’une technique de gravure en creux ou en relief. La composition n’est pas gravée, mais dessinée sur une pierre calcaire. Celle-ci a été préalablement grainée par ponçage pour pouvoir recevoir le dessin.

Contrairement aux techniques de gravure, la lithographie ne nécessite pas un  long apprentissage. L’artiste peut dessiner sur la pierre comme il a l’habitude de dessiner sur du papier, avec relativement peu de contraintes techniques. Il se sert alors d’un crayon ou d’une craie qui ont la particularité d’être très gras. Il peut aussi utiliser une plume avec de l’encre grasse. Pour obtenir des teintes, il peint des aplats à l’encre: on parle alors de lavis lithographiques. Les lithographies  en couleurs nécessitent l’usage de plusieurs pierres. Les pierres peuvent être réutilisées après impression, moyennant un polissage.

Ce procédé de transfert a été inventé en 1796 par le dramaturge autrichien Aloys Senefelder. C’est Louis-François Lejeune qui l’introduit en France. La technique devient très populaire après 1850 lorsque Godefroy Engelmann  invente la chromolithographie vite affublé du terme péjoratif « chromo »

Elle permet de réaliser des reproductions d’œuvres peintes mais aussi des créations originales. Henri de Toulouse Lautrec s’y intéressera. La lithographie est adaptée à  reproduction d’œuvres d’artistes aux techniques variées, et à des tirages en quantité limitée.

Le marché de la lithographie est beaucoup moins florissant qu’au XIXe siècle. L’avènement dans les années 1960 de l’offset a signé son déclin. Une dizaine d’ateliers parisiens continuent de la pratiquer, à l’ancienne en travaillant des papiers de qualité.

Voici une vidéo technique d’impression 1 et aussi « A la découverte de la lithographie

Parmi les artistes qui ont pratiqué la lithographie on peut citer, sans être exhaustif, au 19^ème siècle  Louis Marc Bacler d’Albe – Henri Bellery-Desfontaines –Karl Bodmer –Eugène Carrière – Jules Chéret – –Eugène Isabey– Pierre-Auguste Lamy –Henri de Toulouse Lautrec– Aimé de Lemud – Charles-André Malardot –Adolphe Maugendre – René Péan –Edme-Jean Pigal – – Théophile Alexandre Steinlen  

Et au 20^ème siècle notamment Pierre Alechinsky – Pierre Bonnard – Georges Braque – Marc Chagall – Edgar Degas – Jean Dubuffet -Max Ernst –  Foujita – Jasper Johns – Henri Matisse – Henri Michaux – Joan Miro – Alfons Mucha – Edvard Munch – Pablo Picasso – Odilon Redon – Pierre-Auguste Renoir – Auguste Rodin – Alfred Sisley – Pierre Soulages – Jacques Villon – Edouard Vuillard – Andy Warhol – Osip Zadkine –Zao Wou Ki

Et voici quelques exemples de lithographies

Chromo populaire allemand

Enki Bilal – Lithographie

Georges Braque – Charrue – Lithographie

Marc Chagall – Les mariés – Lithographie

Salvador Dali – Chretien – Lithographie

Max Ernst – Danseuses – Lithographie

Fragonard – Le coq – Lithographie

Toulouse Lautrec -Marcelle Lander  – Lithographie

Henri Matisse – Paula – Lithographie

Joan Miro – Bagnard – Lithographie sur toile Vichy

Pablo Picasso – Portrait de famille – Lithographie

Poliakoff – Composition – Lithographie

Jacques Villon – Fleurs – Lithographie

 

Source : Odile Gillmann

L’ eau forte est elle aussi un procédé de gravure en taille douce sur une plaque de métal, généralement en cuivre. Il s’agit d’une technique indirecte. En effet, l’aquafortiste se sert d’un mordant chimique, à l’origine l’acide nitrique et maintenant du perchlorure de fer. On donne également le nom d’eau-forte à l’estampe que l’on obtient. Cette technique permet une grande rapidité d’exécution.

Il existe plusieurs procédés d’eaux-fortes, notamment l’aquatinte, la gravure au lavis et la « manière crayon »

Sur une plaque de métal préalablement recouverte d’un vernis à graver, l’artiste exécute son dessin. A l’aide d’une pointe métallique il retire le vernis à certains endroits. La plaque est ensuite plongée dans un bain d’acide qui « mord » les zones à découvert et laisse intactes les parties protégées. Après nettoyage du vernis, avec un solvant comme le « White spirit » puis essuyage, la plaque est encrée, dans les creux, et mise sous presse.

La technique empruntée aux orfèvres arabes d’Andalousie est utilisée dès le 15^ème siècle par Urs Graf et Albrecht Dürer puis le siècle suivant par .Francesco Mazzola dit « Le Parmesan » ou  par l’Ecole de Fontainebleau avec Antonio da Trento. Elle est améliorée par le lorrain  Jacques Callot . A l’aide d’une échoppe il varie la grosseur du trait, avec des pleins et des déliés. Viendra ensuite Abraham Bosse

Parmi les utilisateurs de cette technique, on trouvera, au fil du temps Van dyck   Rembrandt  – Claude Lorrain, Ruysdael et Van Ostade puis Gabriel de Saint-Aubin–  Piranèse Watteau –  Boucher –  Tiepolo.

Au XIX^e siècle des grands peintres ont été aquafortistes, comme Seghers –  Goya Bresdin , Daubigny , Corot, Manet et aussi les impressionnistes comme Degas , Pissarro ou Mary Cassatt   et encore  Belgeonne – Renouard le Comte de Caylus sans oublier Félicien Rops – Picasso – Matisse

L’aquatinte  (aqua tinta)  est une technique dérivée de l’eau-forte, mise au point dans la seconde moitié du 18^ème au lieu de traits. Elle est issue de la technique de la gravure au lavis mise au point par Jean-Charles François et améliorée par  Jean-Baptiste Le Prince  qui utilise une résine de colophane. Elle permet d’obtenir un dessin formé de points avec des effets de teinte

Parmi les techniques de l’eau-forte il faut encore citer la « manière crayon »  mise au point par Ludwig Von Siegen qui permet d’obtenir des traits et des effets semblables à ceux d’un crayon. On utilise ici une molette rayée. Elle est supplantée par la lithographie.

Voici une petite sélection subjective d’oeuvres réalisées en eau-forte.

Abraham Bosse – Galerie du Palais – Eau-forte

Albrecht Durer – Saint-Jérôme dans sa cellule – Eau-forte

Urs Graff – Passion – Eau-forte

Antoine Van Dyck – Autoportrait – Eau-forte

Rembrandt – Jésus chassant les marchands du temple – Eau-forte

Francisco de Goya – Corrida – Eau-forte

Camille Pissaro – Autoportrait – Eau-forte

Vincent Van Gogh -Le Dr Gachet – l’homme à la pipe- Eau-forte

Félicien Rops –  Le père Muck – Eau-forte

Edouard Manet – Berthe Morisot – Eau-forte

Mary Cassatt – Mère et son enfant – Eau-forte

Henri Matisse – Portrait de Baudelaire

Pablo Picasso – La chute d’Icare – Eau-forte

 

De nos jours la taille douce n’est plus un moyen de reproduction « en nombre » comme dans les siècles passés. Cependant cette technique a séduit, par son rendu, un certain nombre d’artistes modernes ou contemporains. Certains pratiquent du reste plusieurs techniques et ils sont souvent peintres ou photographes

Voici les liens vers des sites ou des notices consacrés à des artistes connus et à d’autres qui le sont moins 

 Henri-Georges-Adam – Dominique Aliadière Pierre Albuisson –Yves Alix–Maro Avati –  Christophe Anoot –Hervé Baille – George Ball –  André Barre –Adolphe Beaufrère – Max Beckmann—  Hélène Belin –   –Hans Bellmer– Pierre Béquet – Louis René Berge – Jean Bertholle – Marie-Antoine Bissière dit Louttre B  –Gérard Blanchard –Muirhead Bone ––Jacques Boullaire –Paul Adrien Bouroux –Maurice Breschand–Collet Bruno – Devorah Boxer.- Rosa Burdeos –  Claude Bureau – Jean-Claude Caffin –Elsa Catelin ––Alain Cazalis–  –Henry Cheffer –Asa Cheffetz –Jean-Pierre Colin –  René Cottet –Pierre Courtin –Lucien Coutaud – Albert Decaris – Xavier Degans –Jean Delpech –  Erik_Desmazières –Maria Desmée –  Francis Domenget –Eric Durant – Raoul Dufy  –Michel Eisenzopf –Christian d’Espic –– Claire Fanjul– Jean Feugereux –Marcel Fiorini –Albert Flocon –Jean-Claude Forez – Charles Forget –Pierre Forget –Jean Feugereux –Marcel Fiorini –Albert Flocon –––Olivier Fouchard– Eric Fourmestraux –Jean Frélaut –Johnny Friedlaender– Bernadette Genoud- Prachet –  –Catherine Gillet –Sandro Godel – Jean-Claude Gougeuil –Christine Guichard– Henri Goetz – Nathalie Grall– Jean-Marie Granier –Jean-Pierre Guay – –Cécile Guillame – –Hbron – John Heartfield  – Koji Ikuta –Claire Illouz –Atsuko Ishii –André Jacquemin –Guy Jahan – Brigitte Kernaléguen – Michel King ––  Anna Kurtycz  –Jean-Emile-Laboureur –Marie Laurencin –Ariane Laroux –André Lavergne –Claire Le Chatelier – –Max Leognany –Erik Levesque –Ève Luquet –Jeanne Malivel Alfred Manessier –Maoual –Yves Marchaux –Halina Mattheiem –Jean Metzinger –Philippe Mohlitz  – Dominique Moindraut –  Eiko Mori –Edward Munch – Anne-Catherine Nesa – Marek Olszynski –Gen Paul – Anne Paulus –  Brigitte Pazot – Denise Pelletier –  – Frédéric Penelle –Sylvia Perovic – Jean-Claude Picard – –Jean Picart Le Doux – Pablo Picasso ––Édouard Pignon –Ernest Pignon Ernest –Jean Plichart – Joëlle Pontseel –René Quillivic –Diana Quinby– Félix Rasumny –Martine Rassineux —Frédéric  Ravel –Cécile Reims ––Raymond Renefer–  Alfred Georges Regner – Allirand Dip Renaud– Martine Relyveld —Jean-Claude Reynal –Muriel Rigal– Eric-Robert Aymé – Jean-Baptiste Rodin –Hervé Sachy –Maristela Salvatori –  Anna Sartori –  –Théo Schmied –Damien Schovaert-Brossault–   Raoul Serres –– Sochos Solberg – Louis-Joseph Soulas –Jacqueline Souvré  – Jean-Pierre Tingaud —  Claude Tournon  –Pierre-Yves Trémois ––Raoul Ubac Roch Vandromme –Jean-Pierre Velly –Diô Viana –Christiane Vielle – Roger Vieillard – Jan C Vondrous – –Louis Vuillermoz —Thierry Wessel – Zao Wou-Ki –  Munire Yurdayuksel Voir aussi le Musée du Dessin et de l’Estampe originale de Gravelines

Voici une sélection tout à fait arbitraire de gravures en taille douce

Devorah Boxer – Métier à tisser

Raoul Dufy – L’amour

Claire Illouz – Coupelle

Marie Laurencin et ses deux chiens

Edward  Munch

Pablo Picasso – Portrait de Fernande Olivier

Ernest Pignon Ernest – Ce n’est pas pour ce monde

Cécile Reims – Visages d’Espagne

Eric Robert-Aymé – Utopie

Sochos Solberg – Tchin-Tchin

Roch Vandromme – Taureau couché à mi-corps

 

Geoffroy Tory – Etude des caractères typographiques de l’alphabet

La Bnf lui consacre du 6 avril au 4 juillet 2011 une exposition

au Musée national de la Renaissance au Château d’Écouen

J’ai dans le billet précédent répertorié les graveurs en taille douce d’Europe en dehors de la France du 15 ème ou 19 ème siècle.

J’aborde maintenant la liste, non exhaustive, encore qu’ils soient nombreux, des graveurs français «  en taille douce  ». Ils ont souvent du reste pratiqué plusieurs techniques en parallèle. Par ailleurs, ils sont rarement exclusivement graveurs, souvent ils sont peintres.

Tout au long de quatre siècles, ceux de l’âge d’or et les autres, classé par année de naissance, Geoffroy Tory   – Jean Duvet  –Jean Cousin  – Thomas de Leu  –Jacques Bellange –Daniel Rabel – François Perrier  – Jacques Callot – Claude Mellan – Balthasar Moncornet –Abraham Bosse –Jean Varin –Nicolas Robert  –Gilles Rousselet  –François Chauveau –Michel Dorigny  –Jean Le Pautre – Albert Flamen  –Israël Sylvestre –Robert Nanteuil  –Gabriel Pérelle  Adam Pérelle  –Girard Audran – Michel Mollart – Jean Mauger  –Gérard Edelinck  – Jacques Restout  – Louis Dorigny   Eustache Restout –  Nicolas Dorigny  – Pierre_Drevet – –Étienne Jehandier Desrochers  –Nicolas-Henri Tardieu  –François-Julien Barier  –Charles Dupuis –Jean-Baptiste Oudry –Anne Claude de Pestels –Pierre-Jean Mariette – Nicolas-Gabriel Dupuis – Pierre Imbert Drevet –Hubert François Gravelot –Jacques-Philippe Le Bas –Jean Baptiste Claude Chatelain  –Noël Hallé – Pierre-Simon Fournier  –Jean-Baptiste Marie Pierre – Jean-Joseph Balechou –Charles-Nicolas_Cochin –Joseph-Marie Vien  –Jean-Charles François –Carmontelle – Claude-Henri Watelet  –Étienne Ficquet –Charles Eisen – Charles-Germain de Saint-Aubin –Gilles Demarteau – Pierre Francois Basan – Noel Le Mire – Jean Ouvrier –Guillaume Nicolas Delahaye – Jacques Aliamet – Jacques Firmin Beauvarlet – Hubert Robert –Benoît-Louis Prévost – Jean-Pierre Houël – Simon Charles Miger –Augustin de Saint-Aubin – Louis-Marin Bonnet –  Jean-Jacques de Boissieu – Marin-Nicolas Jadoulle – Louis-Gabriel Monnier –Pierre-Etienne Falconet – Jean-Michel Moreau –François Godefroy – Antoine Borel  –François-Rolland Elluin  – Gérard van Spaendonck – Vivant Denon – Augustin Dupré – Charles Eschard – Michel-François Dandré-Bardon  –Philibert-Louis Debucourt  Charles Clément Balvay  – François-Nicolas Martinet – Alexandre-Gabriel Decamps – André Galle – Louis Léopold Boilly  Louis-Jean Allais – Jean-Jérôme Baugean  – Louis-Pierre Baltard  –Pierre Audouin –Louis-François Lejeune  –Pierre Bouillon – Eustache-Hyacinthe Langlois  – Auguste Gaspard Louis Desnoyers – Théodore Richomme  – François Forster  – Nicolas-Toussaint Charlet – Jean-Alexandre Allais –Léon Cogniet – Paul Letarouilly  – Jean-Denis Nargeot – Louis-Henri Brévière – Louis-Pierre Henriquel-Dupont  – Pierre-François Godard  – Nicolas Eustache Maurin – Charles Philipon  – Achille Devéria  Paul Gavarni  – Jean Achard  –Tony Johannot – Grandville– Auguste Raffet Espérance Langlois Honoré Daumier – Polyclès Langlois – Charles Blanc  –Charles Jacque –Léon Gaucherel  – Charles Marville – Charles-André Malardot – Aimé de Lemud  –Amédée Varin  –Alphonse Leroy – Charles Meryon  –Hector Giacomelli – –Rodolphe Bresdin –  Ovide Gautier –Pierre-Auguste Lamy  –Émile Frédéric Nicolle –Adolphe Bellevoye – Léopold Flameng  –  Félix Bracquemond   – Edgar Degas  – James Tissot  – Alphonse Legros  –Adolphe Lalauze – Jules-Clément Chaplain  –Odilon Redon  Edme-Jean Pigal – Léon Barillot – Jules Adeline  – Eugène Grasset – Pierre Georges Jeanniot –Eugène-André Champollion  –Henri Toussaint  –Auguste Lepère  – Jean-Louis Forain  –Adolphe Léon Willette –Paul Helleu  – George Auriol –Henri Bellery-Desfontaines –Jean Coraboeuf – Edgar Chahine – Charles Dufresne

Les graveurs cités ci-dessus non pas tous le même talent, mais pour la plupart ils mériteraient, que l’on s’attarde sur leurs oeuvres. Voici une bien modeste sélection, qui permet de voir l’évolution de l’art  de la gravure française à travers les siècles

Jacques Callot – Les deux pantalons

Abraham Bosse – Musiciens

Michel Dorigny – Hercules et Omphale

Pierre Drevet – Marie de Nemours

Charles-Nicolas Cochin – Bal masqué à Versailles

Dominique Vivant Denon – Autoportrait

Jean Achard – Bosquet d’arbres et arbre mort

Honoré Daumier – Collectionneurs de gravures

Emile Frédéric Nicolle – Chien dormant

Edgar Chahine – Intellectuels

 

Dans sa conférence « Résonance du burin créateur » Claude-Jean Darmon distingue plusieurs périodes dans la gravure au  burin. Du  15^ème au 17^ème siècle les artistes sont des créateurs. Par contre au cours des 18^ème et 19^ème siècle ils deviennent des « transcripteurs » des tableaux des peintres. Le burin original renaît au 20^ème siècle.

A l’origine ce sont les graveurs de l’Europe du Nord qui s’imposent. D’abord les allemands, puis ensuite les hollandais et les flamands et bientôt les français et les italiens.Il y a des maîtres comme Albrecht Durer et Lucas_de_Leyde et encore- Master F.V.B. – Heinrich Aldegrever — Rembrandt van Rijn – Andrea Mantegna. Jacopo degli Barbari.

Parmi les graveurs en taille douce, en dehors des français qui font l’objet d’un billet distinct,  l’on trouve, au cours des 15 ème  au 19 ème siècle, des allemands, hollandais, italiens, britanniques comme :

Jost Amman– – William Henry Bartlett – Francesco Bartolozzi – Barthel Beham –Hans Sebald Beham – Thomas Bewick – Boetius Bolswert– Thomas Shotter Boys – John Burnet –Giulio Campagnola– Remigio Cantagallina –Gian Jacopo Caraglio–J.F. Clemens– William Baxter Closson Hieronymus Cock – Timothy Cole –George Cooke – Adriaen Collaert –Dirck Volkertszoon Coornhert Cornelius Cort – Samuel Cousins – Theodor de Bry — Willem Jacobsz Delff – Amos Doolittle –Henry Farrer – Cornelis Galle– Philip Galle–Paul Gavarni –Giorgio Ghisi –Hendrick Goltzius –Urs Graf –Valentine Green –Johannes Hanias –John Harris William Harvey–Augustin Hirschvogel –Daniel Hopfer–Wenceslaus Hollar–Jacobus Houbraken–  – Jacob Matham – Peter Rushton Maverick  Peter Pelham – Giovanni Battista Piranesi –Francis Place — Antonio_Pollaiuolo –Paulus Pontius –José Guadalupe Posada – –Marc-Antonio Raimondi – Félicien Rops – –Prince Rupert –  Jan Sadeler – Jan Saenredam – Diana Scultori –  Israel Silvestre – Virgil Solis –Thomas Spencer –Veit_Stoss – –  Alexander van Brugsal  –Pieter van Der HeydenIsrahel van Meckenem – –Agostino Veneziano — Cornelis Vermeulen –George Vertue –Lucas Vorsterman — Robert White – Henry Wolf – Matthäus Zaisinger –

 Une vidéo  » De Durer à Mantegna :les-maitres de la gravure » me semble intéressante à visionner

Et voici quelques exemples de gravures. Dans l’absolu, il faudrait que je présente des œuvres de tous les artistes. Mais ce n’est pas mon propos, qui est simplement de susciter la curiosité et l’envie d’aller plus loin.

Pour agrandir les images il faut cliquer dessus

Albrecht Dürer Le chevalier, la mort et le Diable 1513.

Lucas de Leyde – Adam et Eve

Master FVB – Annonciation

Heinrich Aldegrever   Death of dives

Piero Benci Pollajuolo – La bateille des hommes nus

Rembrandt van Rijn – Autoportrait

Montegna –  Lutte de deux Tritons et de Néréides

Jacope de Barbari – La baigneuse

 

Les outils du graveur

La taille directe en creux ou taille-douce ou « intaglio » en anglais est la technique reine de la gravure. Elle consiste à creuser dans une plaque métallique généralement  en cuivre, avec un outil les lignes ou les points du dessin à reproduire. On utilise parfois du zinc, du laiton, du plastique ou du plexiglas. Il existe plusieurs techniques de gravure, au burin, à la pointe sèche, à la manière noire, à la manière de crayon ou  à la roulette.

La gravure au burin , le « beau métier » se développe à partir des outils de l’orfèvre, au cours du 15^ème siècle. Dans  cette technique le buriniste utilise . . . un burin. C’est une lame d’acier de section carrée ou rectangulaire, coupée en biseau, montée sur un manche en bois. Il creuse un sillon en « V » en poussant la lame. Et dégage des copeaux. Il obtient des tailles nettes, sans rebord, d’une finesse et d’une profondeur variables. Le travail au burin est long et minutieux. L’artiste doit mesurer son geste : la pression exercée sur l’outil, son inclinaison, une erreur est difficilement réparable. La maîtrise de cette technique  nécessite à long apprentissage. Outre les burins , le graveur un ébarboir, un brunissoir et une loupe

Les nuances de valeur sont obtenues par la modulation de l’épaisseur du trait et la densité des trames Le resserrement des traits donne l’impression de volume et la variété du graphisme crée les effets de matière. Une taille profonde donne à l’impression un noir dense, alors qu’une éraflure donne du gris. L’un des inconvénients de cette technique est que contrairement à la gravure sur bois le texte n’est pas imprimé en même temps que l’illustration

La gravure à la pointe sèche  consiste à tailler directement dans la plaque de métal à l’aide d’une tige d’acier aiguisée. Cette pointe ne creuse pas un sillon net, mais raye et laboure le métal de façon plus irrégulière. La pointe sèche laisse sur les bords du trait des barbes de métal, qui retiennent l’encre et donnent un aspect velouté à l’impression. Cette technique ne permet d’obtenir qu’une trentaine d’épreuve. Elle est souvent utilisée en appoint

Dans la technique de la manière noire aussi appelée mezzotinto l’artiste utilise d’abord le « Berceau » puis le grattoir et le brunisseur. En pressant plus ou moins fort, le graveur atténue ou fait disparaître les grains de la plaque.

La manière de crayon ou à la roulette est un procédé de gravure imitant le trait crayonné. Les premiers graveurs utilisaient  des tiges à trois pointes et des matoirs pour obtenir un trait à l’aspect granuleux  et des matoirs et des roulettes dentées pour rendre les hachures.

 Dans de prochains articles je parcourrai le monde des «taille-douciers » à travers les siècles. Voici une petite documentation sur l‘atelier du graveur . On peut visiter l’atelier de  l’un d’eux René Tazé et aussi voir une vidéo de démonstration proposée par le Centre international des estampes et du livre – Urdla

Outils de la gravure sur bois

La Gravure sur bois – ou Xylographie en anglais, wood engraving ou woodcut, fait partie des techniques d’impression dites en relief. Une image est imprimée sur une feuille de papier à partir du motif dégagé d’un bloc de bois.

Le graveur esquisse son dessin sur un bloc de bois. Le contour du dessin est creusé au canif, au burin, au ciseau ou à la gouge. Tout ce qui est gravé apparaîtra en blanc à l’impression.

Lorsque la taille est terminée, le dessin initial apparaît en relief sur le support de bois, d’où le nom de taille d’épargne

La méthode était utilisée en Chine depuis le 6^ème siècle. Mais elle n’a pas été  importée en occident où elle se développe parallèlement au 15ème siècle. Les motifs sont tout d’abord religieux, puis représentent des signes astrologiques, des proverbes, des maximes morales. Les gravures sont largement diffusées par des colporteurs et « montreurs d’images.

Le plus ancien bois gravé est le Bois Protat qui remonte aux années 1370-1380. On citera comme graveur célèbre Albrecht Durer (1471-1528) ou Marcantonio Raimondi Anton Wœnsam

A partir du XVIIe siècle elle est concurrencée par les techniques de gravure sur cuivre, burin puis eau-forte, qui offrent une plus grande finesse de traits et des possibilités beaucoup plus étendues.

C’est au début du 19^ème siècle Thomas Bewick modernise la technique en utilisant les outils de la gravure sur cuivre suivant le procédé dit du « bois debout » On utilise la gravure sur bois pour les illustrations d’art, les paysages, les copies de tableaux. A la suite du graveur anglais Charles_Thompson que l’imprimeur Firmin_Didot a fait venir en France, apparaît une  génération de graveurs français avec notamment Louis-Henri_Brevière –Hippolyte Lavoignat –Héliodore Pisan –François Pannemaker –Jacques-Adrien Lavieille Tony Johannot – Jacques Adrien Lavieille A l’étranger on peut aussi citer Thomas Bewick

La gravure sur bois a été supplantée à la fin du 19^ème siècle par les procédés dérivés de la photographie.

La gravure sur bois est dès lors utilisée comme discipline artistique. On peut citer notamment, Auguste Lepère – Félix Vallotton – Anders G Aldrin – Pierre Aubert – Georg Baselitz  Jacques Beltrand – –Charles Emile Egle – Jean Chièze –Paul-Émile Colin –André Derain –André Deslignères –Raoul Dufy –Démétrios Galanis –Paul Gauguin – Eric Gill – Georges Gimel –Roger-Maurice Grillon –Paul Hermann – Jacques Hnizdovsky –Anselm Kiefer – –Aristide Maillol –Frans Masereel –Edvard Munch –Paul Nash –Emil Nolde –Henri Paillard –Henri Rivière – Theo Schmied   –Anders Zorn sans oublier Henri Matisse à qui je vais consacrer un prochain article

Tout au long du 20^ème siècle s’est développée la  linogravure utilise le linoléum dont le faible coût en a fait un succédané idéal du bois. Le linoléum offre l’avantage d’être une matière souple, plus tendre, donc plus facile à tailler que le bois. On peut faire des tirages en couleurs avec plusieurs linos imprimés l’un après l’autre sur la même feuille.

Voici quelques exemples de gravures sur bois

 

Albrecht Dürer – Lanquesnet – Gravure sur bois

Georg Baselitz- Grande nuit – Xylographie

Jean Chièze – Rue de Marseille – Gravure sur bois

Paul Gauguin – Noa Noa V –  Gravure sur bois

Edward Munch – Le cri – Gravure sur bois

Amselm Kiefer –  Grabe – Gravure sur bois- collage et peinture

Paul Nash – The pound – Gravure sur bois

Emil Nold – Le prophète – Gravure sur bois

Andres Zorn – Ommibus – Gravure sur bois

Gravure du 15 ème siècle – Gravure de mode

Estampe japonaise et estampe chinoise

Les termes « gravure » et « estampe » sont  employés indifféremment dans le langage courant.

La gravure suppose une incision, une entaille, un creusement, à l’aide d’un instrument tranchant ou d’un mordant, d’un élément imprimant en bois ou en métal, en relief ou en creux destiné  à la reproduction d’une image ou d’un texte par impression ou par frappage.

Le terme estampe  s’applique à tout procédé d’impression sur papier ou autre support à partir d’un procédé impliquant une pression appliquée conjointement sur ce papier et la matière qui supporte le motif à reproduire. La Bnf dans la présentation du Département_des estampes, dit que « le Cabinet des Estampes a été constitué en 1667, lorsque la bibliothèque du Roi acquiert 120 000 gravures rassemblées par Michel de Marolles » On parle aussi parfois de « multiples »

La taille en relief ou taille d’épargne,  consiste à éliminer, sur le support,  les parties non imprimables,par un procédé mécanique ou chimique. Les parties restantes, qui représentent le dessin, sont encrées suivant le principe du «  tampon encreur » On parle de xylogravure lorsque la  planche est en bois. Le support peut aussi être en métal, en pierre, en verre, en argile, en linoléum, en résines synthétiques. 

La taille en creux ou taille-douce, consiste à creuser dans une plaque métallique généralement  en cuivre, avec un outil ou un acide, les lignes ou les points du dessin à reproduire. On utilise parfois du zinc ou du laiton. Suivant les procédés l’on parle de pointe-sèche, de burin, d’eau-forte de vernis mou, d’aquatinte, de matière noire (mezzotinto), d’héliogravure, de photogravure, de typo gravure, de photo aquatinte

L’impression à plat à l’aide d’un support en pierre qui n’est pas creusé. Le principe utilisé est celui de la répulsion réciproque entre l’eau et la matière grasse de l’encre. On trouve comme procédés, la lithographie, la sérigraphie, la phototypie et l’offset.

Dans des prochains articles je me propose de développer ces différents procédés de gravure.

Copiste au Musée du Louvre

A l’origine le copiste est un professionnel chargé de la reproduction de documents écrits. On pense aux scribes de l’Egypte antique et aux moines du Moyen-Âge évoqués dans « Le nom de la rose » par Umberto Eco.

Je veux parler ici de la copie d’art en peinture. La plupart des artistes  classiques ont commencé leur carrière en copiant les grands maîtres. La pratique de la copie est toujours considérée comme une étape de l’apprentissage de l’artiste. A Paris ce sont essentiellement au Louvre et à Orsay que l’on rencontre les copistes.

Le musée du Louvre indique qu’il  a environ 150 copistes accrédités. Ils sont français dans 70 % des cas. Parmi les étrangers on trouve les asiatiques et surtout les américains, artistes, enseignants, étudiants. Les 2/3 des copistes sont des femmes.

Un tiers est constitué par des professionnels qui commercialisent leur production. Géréralement, il ne s’agit pas une activité exclusive. Beaucoup peignent des œuvres personnelles ou exercent une profession souvent proche du milieu artistique. La copie d’un tableau de Rubens, Fragonard, Delacroix ou d’autres grands maîtres peut demander un mois de travail. On cite des prix de vente de l’ordre de 2.000 €uros.Voici des photos de quelques copistes du Louvre réalisées par Eric Sander

 

Pour qu’une copie puisse être vendue, il faut que l’original soit dans le domaine public, c’est-à-dire que l’auteur soit décédé depuis plus de soixante dix ans. Ce sont les décorateurs, l’hôtellerie de luxe et les propriétaires d’œuvres de grande valeur qu’ils gardent « au coffre » qui constitue la clientèle des copistes

Les copistes ne peuvent travailler dans les musées nationaux  que lors des matinées d’ouverture au public, à raison d’un peintre par salle. Les laissez-passer sont délivrés  pour une durée de  trois mois. La toile vierge est estampillée par le Bureau des Copistes

En France la copie des œuvres est règlementée. L’article 41 du décret n° 1255 du 11 mars 1957 qui régit la propriété littéraire et artistique prévoit que la copie doit être « au minimum d’une taille supérieure ou inférieure de 1/5 de la hauteur et de la largeur de l’original. » De nombreux pays ont adopté une législation pour protéger les droits d’auteur. En dehors des musées nationaux la taille de la copie est libre, y compris à l’identique. Une mention permanente et définitive doit toujours signaler qu’il s’agit d’une copie

Peu de musées ont une mis en place des dispositifs d’accueil des copistes. Aussi, de nombreux artistes exécutent les copies à partir de reproductions et  non d’après les originaux.  Comme dans d’autres domaines, pas seulement artistiques, l’on rencontre l’excellence et la médiocrité.

Enfin, il ne faut bien entendu pas confondre copie et faux. Les faux sont rarement des copies fidèles. Ils sont plutôt exécutés « à la manière de… » Patrick Laycock les débusque avec son Brussels Art Labo.Voir aussi Art Fakes

Il n’y a pas d’organisation qui regroupe l l’ensemble des copistes. « L’association des Copistes des Musées Français – ACMF » malgré son nom fédérateur ne regroupe que quatre copistes Michel Champion – Daniel Dublet   Jean-Marc Gillet Paul Mante

Voici les sites de quelques autres copistes à Paris ou en régions

Jean-Guy Bègue –  Denis Bermont –Anne-Sophie Bonno André Bouchez–

Yves Brief – Bruneau Carcel – Elise Chaigneau –Brigitte Chapou –Amal & Antoine Dagher

Guillaume de Fougères Mary de Guingand   Marie Pierre Feyt

– A Gilles   J.C. Hirn  –Beth Anna Hynum – Tomoko Iozaki

 David Moreau  

André Oculy  Rita Revil – Sandrine Rey –

Patrick et Catherine Richert ––Mary Baird Smith –Sorrel Smith

 – Alexandra Tarasevitch – –  Bernard Thovex

Quelques organisations commerciales font travailler des copistes comme Maestro –Art Copie Deco – l’atelier des copistes – Mon tableau – L’art du faux Il y a aussi à deux pas du musée du Louvre Simil’art une galerie spécialisée qui propose des copies de tableaux de Maîtres

Un ouvrage parle de  L’atelier du copiste Les impressionnistes  par André Fisch que l’on voit ici  exécutant une copie de la belle Ferronnière de Léonard de Vinci.  On voit d’autres copistes en cours d’exécution dans un reportage de France24

L’Express et  Leader post  nous parle du Village d’art de Dafen dans le sud de la Chine où l’on fait avec les copies des Grands Maîtres à la chaîne, un. Véritable business de l’art.   En voici quelques illustrations avec  Paintings Pal – Dafen Art on line – China Nantian oll painting Oil painting Dafen – Painting-store

Je participe cette semaine au Centre d’arts plastiques et visuels de Lille,  à un stage de modèle vivant.

Pour démontrer le passage de la vue « en trois dimensions  » à sa traduction en deux dimensions, la professeur Karina Waschko, a fait réaliser « made home » une sorte de variante de la machine à dessiner d’Albrecht Dürer.

En regardant, avec un oeuil par un œilleton et en fermant l’autre l’oeuil, l’on peut, à l’aide d’un feutre, sur une plaque transparente, disposée devant un objet ou personnage, le dessiner en deux dimensions. Cela s’applique aussi bien au mannequin d’exercice qu’au modèle vivant ou encore à un lieu, un paysage.

J’avais déjà vu dans des livres consacrés à l’apprentissage du dessin, des illustrations  de la machine de Dürer. J’ai voulu en savoir un peu plus sur la perpective centrale et les dispositifs pour la restituer

 Albrecht Dürer (1471-1528) graveur et peintre de talent a aussi écrit, à la fin de sa vie des ouvrages théoriques et techniques. Le plus célèbre est son « Traité des proportions du corps humain » Il a aussi écrit en allemand, un traité sur les applications mathématiques dans le rendu des proportions et de la perspective  « Underweysung der Messung mit dem Zirckel und Richtscheyt » – « Instructions pour mesurer à la règle et au compas  » paru en 1525.

Ce Traité de géométrie est aussi un guide à l’intention des artistes. « Il est évident que si les peintres allemands sont loin de manquer de talent tant dans l’emploi de la couleur que du point de vue de leur dextérité manuelle, ils ont encore beaucoup à gagner sur le chapitre des mesures et de la perspective. Il y a donc lieu d’espérer que s’ils se penchent sur l’étude de ces problèmes et que s’ils améliorent leur talent grâce à de nouvelles connaissances, et leurs connaissances grâce à leur talent, le moment venu ils ne permettront aux artistes d’aucune nation de se montrer meilleur qu’eux »

La « machine perspective » de Dürer appelée aussi  « perspectographe » ou encore fenêtre ou portillon de Dürer, est un dispositif destiné à transposer les formes d’un objet tridimensionnel dans un plan, de façon à en obtenir le dessin.

Voir également un dossier d ‘Espace des Sciences sur la perspective. Et encore , réalisée par  le plasticien Edouard Sautai une application en plein air dans le Gâtinais

Et aussi les expériences sur les machines mathématiques de l’Université de Modène et »Prendre l’aire » des pages conscrées à une exposition du Cabinet de dessins du Conservatoire des Arts et Métiers

Fenêtre de Dürer – Utilisation en plein air

On trouvera un panorama des « machines à dessiner » sur acmi.net avec sa traduction par Google et aussi un historique ici .Par ailleurs, le Stanford Institute for Reading and Learning a élaboré un dossier sur la perspective. On y voit l’invention de Dürer ainsi qu’une reconstitution présentée en 2005 par le Virginia Museum of Fine Arts de Richmond aux Etats-Unis.

Recreation of a Renaissaince perspective device

from a Virginia Museum of Fine Arts 2005 exhibit

Pantographe

Le « diagraphe pantographe Gavard » est un dispositif ancien de reproduction des tableaux. Il utilise la  complémentarité du diagraphe et du  pantographe

Le diagraphe est un instrument d’optique utilisant le principe de la chambre claire (ou camera lucida) mis au point par William Hyde Wollaston en 1804 et perfectionné l’ingénieur et polytechnicien Jacques Dominique Gavard  (1794-1871)

Le pantographe est un appareil permettant de copier mécaniquement un dessin quelconque en le réduisant ou en l’agrandissant à volonté.   Il est de conception bien plus ancienne puisqu’il fut utilisé à la fin du XVIe siècle par le peintre Georges de Dillingen puis par le jésuite Christophe Scheiner au siècle suivant. Il a été perfectionné par Langlois en 1743. Il est constitué de règles de dimensions variables articulées sur des points fixes. Voir  ici

Voici quelques exemples de reproductions faites avec ce procédé Bataille de Jemappes Gavard  sur Culture fr

Bataille de navires devant Malaga – Procédé Gavard

Bataille de Jemmapes – Procédé Gavard

Le Douanier Rousseau semble-t-il, utilisait un pantographe pour dessiner les bêtes sauvages qui peuplaient ses forêts tropicales

Atelier de phototypie chez  Alinari

La phototypie encore appelée photocollographie,  Héliotypie , Albertypie , en anglais Collotype Collotipia en italien ou encore Lichtdruck (impression par la lumière) en allemand, est un procédé de reproduction utilisé à la fin du 19^ème et au début du 20^ème siècle. Certains imprimeurs comme Albert Bergeret à Nancy prodisaient leurs cartes postales de cette façon.

Cette technique d’impression permet de reproduire des images en demi-teintes non tramées, de grande qualité. Elle utilise la  propriété qu’a la  gélatine bichromatée de se modifier lorsqu’elle est exposée à une lumière  ultra-violette. Les parties exposées à la lumière au travers du négatif photographique seront encrées. Dans les parties où la gélatine n’a pas été modifiée, l’encre sera repoussée. L’application s’effectue sur une plaque de verre.

J’ai évoqué une autre de la gélatine bichromatée à propos des Pictorialistes.

Le procédé a été élaboré en 1856  par Alphonse Poitevin  et amélioré vers 1870 par Joseph Albert,  il servira de base à Karl Klietsch pour mettre au point l’héliogravure. On trouve des éléments  historiques et  techniques  sur le site de « Mémoire photographique champenoise » et aussi sur celui très complet de  Michel Momal ou encore le Druckhaus

Cette technique minutieuse a été abandonnée de nos jours  pour les usages en nombre. Elle n’est plus pratiquée que dans le domaine artistique, par quelques d’ateliers la perpétuent comme :Benrido   de Kyoto –   Alinari et l’Atelier du livre d’art et de l’estampe de l’ Imprimerie Nationale (voir rubrique 7.1) Cette technique est enseignée à la Bristol school média and design. of art. Une collection de reproductions d’art est proposée chez Lichtdruck   Item éditions et chez Collotype Printset

Voici quelques exemples de reproductions  réalisée suivant la technique de la phototypie 

Personnages syriens – Photopypie 1873

Théatre de Neufchatel – Phototypie

Chemin de fer des Pléïades – Phototypie

Papillons E.A.Seguy – Phototypie

Aquarelle de Pierre Vignal –  Phototypie 1923

Karin Szekessy – Lilie – Phototypie

Jean Bazaine – Phototypie

Castellane – Jean-Marc Chevallier – Phototypie – 1999

Le terme général d’estampe désigne depuis toujours,  une œuvre originale  conçue et mise en œuvre par un artiste. Celui-ci réalise la matrice puis fait imprimer un nombre limité d’exemplaires numérotés qu’il authentifie par sa signature.

Au fil des siècles les techniques ont évoluées.  La  taille-douce ou gravure en creux sur métal : au burin, à la pointe sèche, eau-forte, aquatinte, etc. La gravure en relief sur bois ou sur lino. Les pro- Les procédés à plat : lithographie, sérigraphie, pochoir, monotype, etc.

Depuis les années 1980 ont vu le jour les procédés informatiques. La matrice est ici essentiellement numérique et l’impression peut combiner les techniques d’impression numériques ou traditionnelles. Un certain nombre d’institutions au Canada, en France et au Japon désignent cette nouvelle pratique sous le vocable « estampe numérique » On parle aussi d’estampe digitale, d’imprimé numérique, d’impression numérique, d’œuvre numérique, de tirage analogique, de tirage numérique, d’infographie d’art, d’estampe infographique originale, d’épreuve numérique, d’estampe virtuelle.

On trouvera sur le site de « l’estampe au carré » deux fichiers sur un essai de la définition de l’estampe

http://www.xn--estampesaucarr-okb.com/

Ainsi qu’un glossaire, en anglais, sur les termes de l’art numérique et de l’estampe établi par un groupement américain, le DAPTTF

http://www.dpandi.com/DAPTTF/index.html

L’artiste trouve à sa disposition des logiciels de dessin, de peinture, de traitement de l’image, des tablettes graphiques, des scanneurs et bien entendu d’ordinateurs de plus en plus performants. Par ailleurs les qualités des encres semblent assurer une conservation de longue durée.

Compte tenu de l’immatérialité de l’œuvre originale sur un simple fichier informatique, se pose le problème de l’authentification des copies. Certains artistes ne veulent plus parler d’estampe mais de « moyens nouveaux d’expression » Louise Poissant chercheuse en arts médiatique à l’Université du Québec pense que de toute façon, « tous les arts se redéfinissent devant le numérique »

http://www.experts.uqam.ca/pages/poissant.louise.htm

Le site Canadien présente des productions d’artistes

http://www.sagamie.com/edition/index1.html

Et le Dpandi, déjà cité, un répertoire d’artistes essentiellement nord-américains

http://www.dpandi.com/resources/artists/index.html#tradartists

Enfin la Bibliothèque Nationale de France – BNF qui pérennise le vocable, donne des liens dans son signet « l’estampe numérique »

http://signets.bnf.fr/Html/categories/c_760estampe_num.html

L’un d’eux renvoie à la 4ème exposition internationale  d’estampes numérique d’Ottawa qui s’est tenue au début de cette année On y trouve les œuvres primées

http://www.numartexpo.ca/selections2009/index.htm

Ainsi que les sites d’organisations en France

http://graver.maintenant.free.fr/

http://www.manifestampe.org/index.php

 Le mot giclée évoque le liquide qui gicle, jaillit avec force. Il a été associé à l’impression d’art par Jack  Duganne, un des pionniers des impressions d’art sur imprimantes à jet d’encre grand format, au début des années 1990.

En effet dans ce dispositif d’impression, des fines gouttelettes d’encre sont diffusées sur le support. Cependant, les  encres à l’époque ne permettaient pas une tenue suffisante dans le temps et avaient tendance à se dégrader.

Aujourd’hui la giclée définit la reproduction numérique de très haute qualité,  d’une œuvre en série limitée. Elle nécessite une collaboration entre le studio et l’artiste, comme pour les lithographies. C’est ce qui permet de respecter les subtilités et les nuances de l’original.

Dans un premier temps sont réalisés des prises de vues numériques de l’œuvre à reproduire. On utilise des appareils photographiques de très haute définition (~40 millions de pixels). Les fichiers d’images sont visionnés sur ordinateur et des corrections de chromie, de lumière, de contraste, pourront, en accord avec l’artiste, être apportées .

L’étape suivante consiste à imprimer en haute résolution de « 1440 dpi ». On utilise des imprimantes numériques « grand format » Epson, HP, Océ, Roland, etc. Chaque impression est lancée une à une  puis contrôlée une par une. Les reproductions en tirage limité, sont numérotées et signées par l’artiste. Les encres actuelles sontrésistantes à la lumière et à l’eau.

Tout comme les lithographies signées des périodes antérieures, des galeries et des grands musées comme le Louvre à Paris, le British Museum à Londres ou le Metropolitain Museum de New York présentent des œuvres à la giclée. Les originals peint à l’huile ou à l’acrylique peuvent être « reportée » sur toile de lin.

Les aquarelles elles sont reproduites sur du papier aquarelle Arches, Somerset, Hahnemühle. Le québecquois «  Giclart » travaille pour les aquarellistes canadiens, Suzanne Valiquette, Josée Perrault, Pierre Tougas, Roland Palmerts, Gilles Archambault, Diane Boilard, Yvon Chartier, Nicole Grisé.

Il y a d’autres ateliers, comme « Grand format numérique,  Artopix, Lebanonart

Des artistes proposent leurs œuvres ainsi reproduites, comme Christophe Cardot, William Wayne, Fabio Braghi ou encore Marc Folly

Dans un prochain article, je vais évoquer l’estampe numérique qui utilise les mêmes moyens d’impression mais où la conception de l’oeuvre originale peut se faire directement sur l’ordinateur.