Le portrait, longtemps associé à la représentation du pouvoir ou à la mémoire familiale, connaît une renaissance vibrante dans l’art contemporain africain. De Dakar à Johannesburg, les artistes du continent réinventent ce genre classique pour en faire un outil de revendication, de narration et de transformation.

Chez de nombreux artistes africains contemporains, le portrait dépasse la simple figuration. Il devient un espace de mémoire, un lieu de résistance face aux stéréotypes et aux récits coloniaux. Le portrait africain contemporain se distingue par une hybridation audacieuse des techniques et des influences. Les artistes :réécrivent l’histoire à travers leurs œuvres. Le portrait devient un acte politique, un geste

L’Afrique du Sud, avec son histoire complexe et ses défis actuels, offre un terrain idéal pour réinventer le portrait. Les artistes y voient un moyen de se réapproprier leur image, de questionner les normes, et de construire une identité plurielle. Le portrait contemporain sud-africain n’est pas qu’un genre pictural : c’est un acte de présence, de résistance et de création.

Les principaux portraitistes de l’Afrique subsaharienne sont notamment Eddy Kamuanga Ilunga (RDC) = Amoako Boafo = Wangechi Mutu (*) (Kenya/États-Unis) =Billie Zangewa (Malawi) = Laeila Adjovi (Bénin/Sénégal) et en Afrique du Sud avec Zanele Muholi = Lionel Smit ==Thenjiwe Niki Nkosi = Nelson Makamo = Mary Sibande =. Ayanda Mabulu = Mohau Modisakeng,

C’est donc le 100ème et dernier article de la série des portraits à travers les siècles. La prochaine série de billets sera consacré au paysage depuis les premières représentations jusqu’à notre époque. Dans les mediums traditionnels, mais aussi dans la photographie, au cinéma et aussi avec les moyens informatiques.

L’Inde, vaste mosaïque de langues, de religions, d’ethnies, de castes et de traditions, offre un terrain fertile et complexe pour l’art contemporain. Le portrait indien contemporain, en particulier, devient un espace de tension, de questionnement et de réinvention : entre mémoire, identité, pouvoir, représentation, modernité et globalisation. Pour comprendre le portrait contemporain, il faut d’abord mesurer les héritages qui le traversent.

L’École du Bengale (Bengal School) au début du 20ᵉ siècle, avec des artistes comme Abanindranath Tagore, cherchait à créer une esthétique indienne qui rompe avec les styles colonisateurs occidentaux. Elle réhabilitait les techniques traditionnelles, l’iconographie, les mythes locaux, les paysages, et privilégiait une esthétique plus douce, évocatrice, poétique.

Les arts populaires, l’art tribal et les arts ruraux constituent une mémoire vivante, souvent marginalisée, mais de plus en plus revisitée et valorisée. Ces arts offrent des motifs, des textures, des narrations qui nourrissent les pratiques contemporaines.

Le portrait contemporain en Inde ne peut pas être simplement une continuation du passé : il s’agit aussi d’affronter les transformations — sociales, culturelles, économiques, politiques — du pays moderne. Il permet de renverser le regard dominant, souvent héritier de l’orientalisme, de la colonisation ou de la caste. Il s’agit pour les artistes de rappeler des histoires effacées, des traditions menacées ou dévaluées, des identités minoritaires. Le portrait devient un acte de mémoire, parfois de réparation. Dans un pays où les inégalités, les castes et les privilèges pèsent encore lourd, la visibilité des marginalisés, des tribus, des castes inférieures est une forme de pouvoir.

Les grandes caractéristiques sont le mélange entre styles figuratif, abstrait, surréalisme, pop art, street art, art numérique. Les artistes mêlent les visages traditionnels ou mythologiques avec des éléments modernes : urbains, technologiques, médiatiques.

La pose, le costume, le décor, le type de regard (direct, détourné, frontal, introspectif) changent le rapport entre le sujet du portrait et le public. Les matériaux, peinture traditionnelle, miniature, techniques imprimées, photographie numérique, médias mixtes, installations vidéo, arts performatifs. Les artistes contemporains utilisent une panoplie d’outils pour subvertir ou revisiter les codes du portrait (éclairage, retouche, numérique, réalité augmentée, etc.).

Parmi les portraitistes reconnus il y a Akbar Padamsee = Anjolie Ela Menon = Arpita Singh = Shipra Bhattacharya = Vasundhara Tewari Broota = Gurcharan Singh = Sudhir Patwardhan = Aditya Pande = Uma Bardhan = Dhruvi Acharya = Treibor Mawlong = Nikhil Khinchi = Mousumi Mukherjee = Ekta Singha = Shakuntala Kulkarni = Bhupen Khakha = Anju Dodiya = Varunika Saraf = Amit Naik = Sushil Basu = Rakesh Suryawanshi = Ashish Kumar Patel = Trisuk Moharana

Après la Révolution de 1949, la peinture (et l’art en général) en Chine est fortement encadrée par l’idéologie, notamment via l’art dédié à la propagande socialiste. Après la mort de Mao et surtout après les réformes de Deng Xiaoping, à partir des années 80, s’ouvre une plus grande liberté d’expression artistique. Les artistes commencent à redéfinir les rapports avec la tradition, la modernité, la culture populaire, la consommation, la mémoire.

Beaucoup d’artistes contemporains jouent avec les techniques classiques chinoises (encre, pinceau, motifs, esthétiques de calligraphie ou de peinture de paysage) et les codes occidentaux (réalisme, hyperréalisme, pop, surréalisme, formats, usage de la couleur, critique sociale). Le portrait ne sert plus uniquement à représenter une personne — il interroge le collectif, la mémoire, la culture de l’image, la globalisation, le rôle des médias, la superficialité, la beauté, etc.

Les principales caractéristiques des portraits dans l’art contemporain chinois sont la Stylisation : yeux exagérés, visages très épurés, détachement, souvent sur fond sobre ou uniforme. Ainsi que l’utilisation de codes visuels modernes, comme la publicité, la mode, les médias de masse, pour explorer la beauté, le regard, la superficialité. Certains artistes visent à rendre presque photographique le détail du visage, de la peau, du regard. Cela peut être une façon de relier le spectateur à la matérialité, au temps, à la présence humaine. Ils utilisent souvent plusieurs médiums l’huile, encre, techniques mixtes, parfois photographie, collage, impression. Lesportraits peuvent évoquer la mémoire collective, le passé politique et les transformations sociétales. Certains portraits ont une composante d’ironie ou de dérangement — le visage parfait, la beauté glaçante, le regard vide — comme pour questionner ce qu’on voit, ce qu’on masque, ce qu’on imite.

Parmi les thèmes rencontré il y a l’évocation du souvenir familial, la révolution, les transformations sociales rapides. Beaucoup de portraits évoquent des “photos de famille” idéalisées ou des moments historiques.

Avec l’ouverture,l’ urbanisation, les médias, la norme visuelle change; les artistes explorent ce que signifie “ressembler à quelqu’un”, “être beau”, “être vu” dans un monde très visuel. Le risque est d’estheticiser et de tomber dans la superficialité, jouer seulement avec le décor (vêtements, maquillage, pose, sans profondeur introspective. Surtout que les artistes jouent avec ces codes visuels répendus dans la société avec notamment les selfies.Et la demande internationale pour l’art chinois contemporain (et le marché de l’art local) peut pousser à produire ce qui se vend, ce qui plaît, ce qui impressionne visuellement, parfois au détriment du contenu. Certains puristes peuvent critiquer le mélange ou l’abandon d es techniques traditionnelles, ou au contraire que les portraits soient trop “occidentalisés”.

Certains portraits montrent l’individu isolé, détaché, dans un contexte urbain ou impersonnel, interrogeant le rapport du sujet à la société, à la modernité, au changement. Le portrait contemporain chinois affiche une grande virtuosité,avec un mélange d’art académique et d’expérimentation stylistiques enfin les artistes adoptent une posture métaphorique ou indirecte pour ne pas être censurés.

Voici quelques artistes contemporains importants dans le domaine du portrait en Chine :
Zhang Xiaogang = = Feng Zhengjle = Wen Wu = Su Xinping = Yang Na =Xinyi Cheng = Zheng Haozhong =Wong Wai Yin = Mei Zhang = Qihang Li = Bing Wang = Ting Liu = Mengru Zhou = Yuhan Liang = Lexkon Liu =Du Jingze= Chen Fei = Peng Si =Wu Zhengyan = =Lu Pingyuan

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Dans l’histoire de l’art, le portrait a souvent été l’instrument du pouvoir : symbole de prestige, affirmation d’une identité sociale, miroir d’un statut. Mais avec l’émergence de l’art activiste ou Artivisme au XXᵉ siècle, il s’est transformé en outil de résistance. Le visage n’est plus celui d’un souverain, mais d’un peuple, d’une victime, d’un militant — ou d’un corps collectif en quête de visibilité. Le portrait activiste interroge : qui a le droit d’être vu ? qui est effacé ?

Dans le mouvement de l’art activiste, le portrait n’est plus une simple image : c’est un territoire de lutte symbolique.Qu’il s’agisse de photographies monumentales, de peintures, d’affiches ou d’autoportraits numériques, le visage est le lieu où se joue la reconnaissance de l’humain, où se confrontent les pouvoirs du regard.L’art activiste transforme ainsi le portrait en acte de visibilité politique : voir, c’est déjà résister.

Dès les années 1960, l’image du visage devient une icône de contestation. L’exemple le plus célèbre est sans doute celui du portrait du Che Guevara, d’après la photographie d’Alberto Korda (1960), réinterprété par Jim Fitzpatrick en 1968. Ce visage stylisé, reproduit sur des murs et des drapeaux, devient un symbole universel de révolte.

Dans la même lignée, les effigies de Martin Luther King, Angela Davis ou Nelson Mandela ont été réappropriées dans le street art et la culture visuelle des mouvements civiques. Le portrait devient alors un signe de mémoire et d’inspiration, un rappel visuel de la dignité humaine face à l’oppression.

L’un des gestes fondateurs de l’art activiste est de rendre un visage à ceux qu’on efface. Le portrait devient une forme d’hommage, mais aussi de réappropriation du regard. L’artiste français JR en a fait une démarche planétaire : ses immenses collages photographiques — femmes d’Afrique, ouvriers indiens, réfugiés syriens — couvrent les façades des villes pour rendre visibles les visages anonymes.
De même, la photographe sud-africaine Zanele Muholi se définit comme visual activist. À travers ses autoportraits et ses séries consacrées aux personnes noires LGBTQIA+, Zanele Muholi construit une archive visuelle de la résistance, transformant chaque visage en acte de reconnaissance.

Aux États-Unis, Kehinde Wiley transpose des modèles afro-américains contemporains dans des compositions classiques empruntées à l’art européen. Par ce geste, il reconquiert la place des corps noirs dans l’histoire du portrait et renverse les codes du pouvoir pictural.

L’art activiste s’approprie aussi le portrait pour témoigner et accuser. Pendant la dictature argentine, les Mères de la place de Mai portaient les photographies de leurs enfants disparus lors de leurs marches silencieuses : des images devenues icônes d’une lutte pour la vérité. Le portrait agit ici comme preuve visuelle de l’absence, mémoire contre l’oubli.

Cette tradition se poursuit aujourd’hui dans les mouvements féministes et antiracistes : les manifestations en Amérique latine ou en Europe affichent les visages de femmes victimes de féminicides, ou de personnes mortes sous les violences policières. Des collectifs comme Forensic Architecture ou #SayTheirNames produisent et diffusent ces portraits dans des dispositifs visuels puissants — le visage devient un dossier vivant de justice.

L’autoportrait est un espace privilégié pour les luttes identitaires. Déjà au XXᵉ siècle, Frida Kahlo avait ouvert la voie en transformant son visage et son corps en théâtre politique du genre, de la douleur et de la liberté. Plus récemment, des artistes comme Cindy Sherman ou Amalia Ulman explorent la représentation de soi à l’ère numérique, questionnant les normes sociales et genrées de la visibilité.

Chez Zanele Muholi, l’autoportrait n’est plus un exercice narcissique, mais un acte militant d’auto-définition. En occupant l’espace visuel avec son propre visage, l’artiste revendique : « Je suis là, je me montre, je m’affirme. » Le collectif Guerrilla Girls, à l’inverse, choisit l’anonymat : leurs « autoportraits » masqués de têtes de gorilles questionnent la légitimité du regard artistique et dénoncent la sous-représentation des femmes et artistes racisées dans les institutions culturelles.

Dans l’art activiste, le portrait dépasse souvent la dimension individuelle. Il devient participatif : un moyen de construire une image commune. Les murales communautaires en Amérique latine (inspirées par Diego Rivera ou David Alfaro Siqueiro représentent des foules, des visages multiples formant une identité populaire et politique.

Aujourd’hui, des projets comme Inside Out de JR invitent des citoyens du monde entier à coller leur propre portrait dans l’espace public : chaque visage, agrandi et répété, devient une voix collective, un manifeste visuel d’inclusion et de solidarité.

Parmi les artistes de l’art activiste, outre ceux cités dans le corps du biller, il y a =Shepard Fairey= Shirin Neshat =. LaToya Ruby Frazier = .. Teresa Margolles = . Tania Bruguera = Ai Weiwei

Depuis des temps immémoriaux, le portrait se peignait à l’huile, sur toile, dans le silence d’un atelier. Le portrait, depuis la Renaissance, est un genre central dans l’histoire de l’art. Il matérialise l’identité, le statut social et la subjectivité du modèle.

Mais avec l’arrivée du Digital Art ou art numérique et du Net Art ou de l’art en réseau, la notion même de « visage » et de « présence » s’est métamorphosée. Aujourd’hui, il se code, se génère, s’affiche sur écran. Le visage humain, autrefois sanctuaire de l’identité, est devenu un flux de données, une image mobile, un écho algorithmique.

Ces nouvelles pratiques utilisent les outils numériques — logiciels de retouche, intelligence artificielle, réseaux sociaux, réalité augmentée — pour questionner la représentation, l’identité et la visibilité dans l’espace virtuel. Et dans ce contexte, la représentation du visage se réinvente : fluide, multiple, souvent dématérialisée. Le portrait n’est plus une image du corps — il est devenu le miroir de nos présences connectées. Bien avant les selfies et les filtres, certains artistes ont compris que l’ordinateur pouvait devenir pinceau.

Dans les années 1960, Vera Molnár, Frieder Nake ou Harold Cohen programment des lignes de code pour générer des formes. Cohen, avec son logiciel AARON, fait surgir les premières figures humaines dessinées par une machine. Ce ne sont pas encore des portraits au sens classique, mais déjà des esquisses d’une nouvelle subjectivité : celle du dialogue entre humain et algorithme. Le visage, ici, n’est plus reproduit — il est calculé.

Lorsque le web apparaît dans les années 1990, le portrait quitte la toile picturale pour la toile numérique. Le Net Art ne se contente pas de montrer des visages : il les déplace dans l’espace du réseau. Olia Lialina, en 1996, invente un portrait en fragments, où l’intime se déploie dans des fenêtres hypertextuelles. Eva et Franco Mattes exposent leur vie en ligne dans Life Sharing (2000), brouillant les frontières entre l’œuvre et la surveillance.

Plus tard, Amalia Ulman, sur Instagram, compose un faux portrait d’influenceuse dans Excellences & Perfections (2014) : un autoportrait performatif, entre vérité et illusion. Et LaTurbo Avedon, artiste-avatar, n’existe qu’à travers des pixels — autoportrait pur d’une entité née du réseau.Le visage devient alors interface, reflet de ce que nous projetons dans la sphère numérique.

De nos jours, le portrait numérique ne se contente plus de retoucher le réel : il invente de nouveaux visages. Des artistes comme Mario Klingemann, Refik Anadol ou Anna Ridler collaborent avec les algorithmes pour explorer la mémoire visuelle des machines. Klingemann fait générer en temps réel des visages par un réseau neuronal. Refik Anadol lui, traduit des millions d’images en paysages de données colorés — de véritables portraits de mémoire collective. ’IA devient un miroir qui ne reflète plus le monde, mais nos désirs de représentation. Chaque visage généré est une fiction plausible, un double qui n’a jamais existé. C’est le règne du post-portrait : le portrait d’un être sans corps.

Dans les années 2010, les artistes s’approprient les codes du numérique quotidien : la webcam, le selfie, les filtres de beauté. Petra Cortright compose des autoportraits vidéos saturés de reflets et de glitchs, Jeremy Bailey joue l’artiste augmenté dans ses performances en réalité augmentée, et Lu Yang multiplie ses avatars dans des univers digitaux flamboyants.

Le visage devient un espace de performance, un lieu mouvant où se négocient genre, identité et virtualité.L’autoportrait numérique n’est plus une simple image de soi, mais une expérience d’être vu à travers la technologie. Les artistes utilisent Photoshop, Blender, ou Procreate pour recréer des visages hybrides ou imaginaires.

D’autres utilisent l’I.A.ou Intelligence artificielle, Des programmes comme GANs (Generative Adversarial Networks) produisent des visages hyperréalistes sans modèle humain, mais aussi les selfies, les avatars et deepfakes pour réfléchir à la construction de soi à travers les écrans. Obvious Collective crée ainsi « Edmond de Belamy »un portrait généré par IA vendu chez Christie’s,

Certain(e)s artistes vont plus loin encore : ils effacent le corps, ou le redéfinissent.Ed Atkins crée des avatars hyperréalistes capables d’émotion, tandis que Ian Cheng imagine des entités numériques autonomes.Hito Steyerl s’interroge sur la disparition du visage à l’ère des écrans de surveillance (How Not to Be Seen), et Jon Rafman explore les paysages virtuels de Google Street View à la recherche de silhouettes humaines fantomatiques. Ici, le portrait devient une présence sans chair, une empreinte dans le flux des images.

Une nouvelle scène mondiale poursuit cette exploration :Sofia Crespo crée des visages organiques, moitié humain moitié insecte.Serwah Attafuah, dans un style afro-futuriste, réinvente le portrait comme rituel numérique. Jake Elwes, avec Zizi – Queering the Dataset, brouille les frontières de genre dans les visages générés par IA. Sougwen Chung peint avec des robots ; Claire Silver collabore avec l’intelligence artificielle pour produire des portraits poétiques et métaphysiques.

Ces artistes ne cherchent plus à représenter le visage humain : ils inventent une nouvelle sensibilité visuelle, à la fois technologique et profondément intime.Du pinceau au pixel, du modèle à la donnée, le portrait est devenu un espace de mutation.Le Digital Art et le Net Art ont fait basculer la question de la ressemblance vers celle de la présence :comment être perçu dans un monde d’images sans fin ?

Dans cet univers fluide, le portrait devient moins un miroir qu’un signal, une trace mouvante dans la grande mémoire du réseau Et peut-être qu’au fond, chaque visage généré, chaque avatar, chaque selfie partagé, poursuit la même quête ancienne : celle de laisser une empreinte, d’exister à travers l’image.

Dans le contexte du marché de l’art numérique, même si le succès est mitigé, les NFT Non-Fungible Tokens redéfinissent la valeur du portrait.Des artistes comme Beeple, Pak ou Claire Silver créent des portraits numériques uniques, enregistrés sur la blockchain, qui deviennent des symboles d’identité et de rareté dans le monde virtuel.

Les Young British Artists ou YBAs désigne un groupe de jeunes ’artistes britanniques apparus à la fin des années 1980 et dans les années 1990, Ils se sont fait connaître par des expositions comme Freeze (1988) organisée par Damien Hirst, Ils furent soutenus par des collectionneurs comme Charles Saatchi qui organisa en 1997 à la Royal Academy of Arts de Londres l’exposition Sensation

Leur univers artistique se caractérise par le choc, l’expérimentation des matériaux, l’humour provocateur,

Chez les YBAs, le portrait et surtout l’auto-portrait n’est pas juste un genre académique classique : il est un moyen de remise en question, de provocation, de remise en jeu des identités, de la norme, du regard du spectateur.Plusieurs artistes utilisent leur propre image ou leur propre corps pour interroger leur identité, les attentes sociales, les stéréotypes. L’auto-portrait n’est pas seulement représentation mais geste critique. Les corps représentés sont souvent non idéalisés : volumineux, ambigus, blessés, exposés. On brise le tabou du corps « laid » ou dérangeant. On rejette le portrait glorieux.

Le portrait ne se contente pas de montrer, il provoque, il met mal à l’aise ou force à réfléchir. Le regard du sujet vers le spectateur, le corps exposé, l’inconfort, remettent en cause la distance habituelle. Beaucoup de portraits chez les YBAs sont des lieux de contestation des normes de genre, parfois des images d’androgynie, de transgression, d’ambiguïté. Le portrait véhicule les expériences du corps, y compris ce qui est caché ou tabou.

Les artistes valorisent les textures, les traces visibles, les empâtements, l’usage de couleurs de chair décalées Ils incluent des objets du quotidien, de la n nourriture, des vêtements usés, Ils usent de l’humour, du kitsch, parfois du vulgaire. Les critiques ont été divisés,Ce qui pour certains est libérateur et pertinent, pour d’autres cette approche est jugée gratuite et provocatrice.

Les principaux artistes de cette mouvance ont été Jenny Saville =Sarah Lucas = Tracey Emin =.Sam Taylor-Wood =.Gillian Wearing=. Angus Fairhurst= Damien Hirst =Marcus Harvey = Gary Hume = Gavin Turk =Chris Ofili

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À la fin des années 1970, alors que l’art conceptuel et le minimalisme semblaient avoir réduit la peinture à une idée, un groupe d’artistes italiens entreprend un retour radical à la sensualité du geste, à la mémoire de l’image et à la subjectivité du regard.C’est la Trans-avant-garde — Transavanguardia, ou New image selon le terme forgé par le critique Achille Bonito Oliva
Loin de prôner un retour nostalgique au passé, ce mouvement se veut une traversée libre de l’histoire de l’art : un passage “au-delà de l’avant-garde”, où la figure, la couleur et l’émotion reprennent leurs droits. Le portrait, en particulier, devient un lieu d’expérimentation privilégié pour redécouvrir la puissance de la peinture incarnée.

Entre 1978 et 1982, Oliva réunit autour de lui cinq peintres majeurs : Sandro Chia, Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Mimmo Paladino, Nicola De Maria.Tous rejettent la froideur analytique de l’art conceptuel au profit d’un langage subjectif, mythologique et narratif. Et Le portrait est un lieu de réconciliation. Il n’est pas le simple retour à une tradition académique. Il devient une figure de l’identité en métamorphose, à la fois intime et archétypale..

Le portrait, dans cette perspective, n’est plus un genre stable mais un champ d’énergie, où l’histoire de l’art, la mémoire personnelle et le mythe se rencontrent. La Trans-avant-garde ramène la matière picturale au centre de la réflexion. La pâte épaisse, les couleurs vives, les gestes expressifs donnent au visage une présence charnelle, presque tactile.Le portrait devient une expérience de la peinture elle-même : non plus reproduction d’un modèle, mais incarnation du processus créatif.

Outre les initiateurs, Sandro Chia =Enzo Cucchi = Francesco Clemente =Mimmo Paladino =Nicola De Maria il a aussi Carlo Maria Mariani =Luigi Ontani = =Nunzio Miano =Ernesto Tatafiore

Dans les années 1970-1980, au moment où la société occidentale est saturée d’images médiatiques et publicitaires, un courant d’artistes , essentiellement américains — que la critique a nommé Appropriation Art — entreprend de « voler » ou plutôt de recontextualiser des images préexistantes. Le portrait, omniprésent dans l’histoire de l’art comme dans la culture de masse, devient alors l’un de leurs terrains privilégiés.

Traditionnellement, le portrait visait l’individualité, la singularité d’un sujet. L’Appropriation Art s’attaque précisément à cette idée. Qu’advient-il de l’identité quand son image circule partout, copiée, multipliée, standardisée ? En reproduisant des visages célèbres ou anonymes, les artistes interrogent la perte d’aura et l’impossible unicité du portrait à l’ère de la reproduction mécanique.

L’Appropriation Art a donc redéfini le portrait : il ne s’agit plus de représenter une essence individuelle, mais d’exposer la manière dont les images façonnent nos identités. Le portrait devient critique, réflexif, souvent ironique. Il révèle moins « qui » est quelqu’un que « comment » la société produit des visages et des figures reconnaissables. Certain(e)s de ces artistes vont ensuite se tourner vers le simulationnisme

Les principaux tenants de ce mouvement ont été Cindy Sherman =Sherrie Levine = Richard Prince = Barbara Kruger = Louise Lawler = Mike Bidlo = Elaine Sturtevant= Allan McCollum =David Salle

Le néo-expressionnisme, apparu à la fin des années 1970 et dominé dans les années 1980, a marqué un retour spectaculaire à la figuration après les décennies d’abstraction et de conceptualisme. Le portrait, au cœur de cette réinvention picturale, devient un espace d’intensité émotionnelle, de distorsion expressive et de confrontation avec l’identité humaine.Ce courant, se développe simultanément en Allemagne, en Italie et aux États-Unis.

Il se caractérise par une peinture gestuelle et violente, aux couleurs crues et aux formes déformées, Ainsi qu’une volonté de renouer avec l’histoire de l’art. Et une attitude critique vis-à-vis du monde contemporain, marquée par la mémoire de la guerre, la société de consommation et les crises identitaires.

Dans ce contexte, le portrait devient un lieu de tension entre figuration et subjectivité, où l’individu est représenté non comme un modèle idéalisé, mais comme une présence fragmentée et vulnérable. Les artistes privilégient les empâtements,une gestuelle rapide, la superposition de couches qui traduisent l’urgence expressive. Leurs œuvres sont truffées de références historiques et mythique.

Loin de l’idéalisation, ces portraits interrogent la violence de l’histoire, la fragilité de l’identité et l’angoisse moderne.

Les figures majeures du portrait néo-expressionniste sont en Allemagne = =Wolfgang Ludwig Cihlarz alias Salomé =Rainer Fetting =Helmut Middendorf= Georg Baselitz = =Jörg Immendorff =Markus Lüpertz = A. R. Penck @ = En Italie Francesco Clemente =Sandro Chia =Enzo Cucchi =Mimmo Paladino = Nicola De Maria @= Aux États-Unis = Susan Rothenberg =Leon Golub =George Condo. Jean-Michel Basquiat Keith Haring Eric Fischl Kevin Larmee David Salle Julian Schnabel @ En France Jean-Charles Blais Rémi Blanchard François Boisrond James-Jacques Brown Robert Combas Hervé Di Rosa Gérard Garouste Jacques Grinberg @ Et aussi Marlene Dumas = Glenn Brown = Martin Disler = Miquel Barceló =Jorge Rando = Ahmed Al Safi

Née en France au début des années 1980, la Figuration libre est un mouvement artistique qui revendique une peinture libérée des codes académiques et institutionnels. À rebours du minimalisme, de l’art conceptuel et des avant-gardes formalistes qui dominaient alors la scène internationale,

S’ils s’inspirent des bandes dessinées, graffitis, cultures urbaines, musiques populaires et arts dits « mineurs », le portrait occupe une place singulière dans leur production : non pas comme une quête d’imitation réaliste, mais comme une surface d’énergie où l’identité est réinventée.

La Figuration libre détourne le portrait de sa tradition occidentale – celle du réalisme, de la ressemblance et du prestige social. Ces artistes préfèrent un portrait hybride, expressif, saturé de couleurs, qui emprunte à la caricature et au dessin spontané. On est plus proche de la culture visuelle partagée (affiches, BD, graffitis, musique punk ou rock) que du portrait d’apparat.

Dans ce sens, le portrait chez la Figuration libre est moins une célébration individuelle qu’un reflet collectif : celui d’une génération qui affirme sa liberté créatrice, en marge des codes officiels de l’art.

Les artistes associés à ce courant – Robert Combas ==Rémi Blanchard= François Boisrond = Louis Jammes = Richard Di Rosa =  Hervé Di Rosa =Ben Vautier =Catherine Viollet = Speedy Graphito =Nina Childress =Jean-Charles Blais on y adjoint souvent les américains Keith Haring = Jean-Michel Basquiat =Kenny Scharf

La Figuration narrative apparaît en France dans les années 1960, en réaction à la fois à l’abstraction encore dominante et au Pop Art américain.Le terme s’impose lors de l’exposition « Mythologies quotidiennes » en 1964 au Musée d’Art moderne de la Ville de Paris.

Le portrait dans la Figuration narrative n’est pas comme dans la Nouvelle figuration psychologique mais médiatisé et symbolique. Ce n’est pas une quête intérieure : il est miroir de la société et de ses images. Il montre comment : l’individu est réduit à une image, l’identité se construit par les médias et la consommation, le portrait devient un outil critique face à la manipulation visuelle.Ainsi, les artistes révèlent la perte de singularité dans un monde saturé d’images.

Les artistes veulent raconter le monde contemporain à travers des images inspirées de la bande dessinée, de la photographie, de la publicité et des médias. Ceci dans le contexte de la montée de la société de consommation, influence massive des images télévisuelles et photographiques,tensions politiques avec la guerre du Vietnam, la guerre d’Algérie,la guerre froide, Mai 68. Les artistes veulent dénoncer la guerre, l’aliénation médiatique, la consommation. L’art devient une arme visuelle pour parler de la société.

Les images sont claires, lisibles, souvent proches de la BD ou du cinéma. Les artistes utilisent des couleurs vives, des aplats, des procédés empruntés à l’imprimerie et à la photographie. Certains artistes qui ont participé à la mouvance de la Nouvelle figuration ont ensuite participé au mouvement de la Figuration narrative. Certaines œuvres étaient collectives.

Les principaux tenants de ce courant ont été Gérard Fromanger =Jacques Monory Erró =Hervé Télémaque =Bernard Buffet =Antonio Saura =Jean Hélion = Gilles Aillau= Peter Klasen= Henri Cueco= Eduardo Arroyo =Valerio Adami

Après la Seconde Guerre mondiale, la scène artistique est dominée par l’abstraction lyrique et l’art informel, centrés sur la matière, le geste et l’expression pure. À partir de la fin des années 1950, plusieurs artistes ressentent le besoin de réintroduire la figure humaine dans la peinture.Cette tendance prend le nom de Nouvelle figuration : elle ne revient pas à un réalisme académique, mais propose une figuration déformée, expressive et critique, en dialogue avec la modernité.

Le contexte est marqué par :la guerre froide et l’angoisse nucléaire,=l’urbanisation accélérée et la société de consommation naissante,=un sentiment d’aliénation et de solitude dans le monde moderne.

La figure humaine est au centre, mais fragmentée, déformée, torturée. Le portrait est un miroir de l’intériorité plus qu’une ressemblance fidèle.On trouve une dimension existentielle, influencée par l’expressionnisme et le surréalisme.La peinture privilégie la matière, les gestes violents, les couleurs crues.L’objectif n’est pas de flatter mais de révéler la vérité crue de l’homme moderne.

Le portrait devient le lieu de l’exploration psychologique et existentielle. Il n’est pas une célébration de l’individu, mais une mise à nu. Il révèle :la fragilité de l’homme moderne, l’angoisse existentielle après la guerre, le refus de l’idéalisation. En ce sens, le portrait devient un instrument de vérité, qui questionne : qu’est-ce que l’homme dans un monde instable et déshumanisé ? Le portrait n’y est plus un simple exercice de ressemblance, mais un outil critique et existentiel, qui reflète la crise de l’homme au milieu du XXᵉ siècle.

Parmi les artistes dont certains viennent du mouvement CoBra, ont appartenu à cette mouvance et ont réalisé des portraits il y a eu notamment =Eduardo Arroyo =Bernard Rancillac = Peter Klasen= Georg Baselitz = Erro = Francis Bacon = Jean Dubuffet =Jean Hélion = Bernard Buffet ? Karel Appel, Antonio Saura

Le Nouveau Réalisme est un mouvement artistique fondé en 1960 autour du critique Pierre Restany et de l’artiste Yves Klein, Il a regroupé des créateurs français et européens qui cherchaient à « prendre le réel tel qu’il est ». En opposition à l’abstraction lyrique et à l’Expressionnisme abstrait, ils se tournent vers le monde urbain, industriel et médiatique.

Le portrait, genre classique de l’art occidental, y subit une véritable mutation, parfois jusqu’à la dissolution de la figure humaine. En effet le portrait, depuis la Renaissance, visait à fixer les traits et l’identité d’un individu.

Or, les Nouveaux Réalistes contestent cette approche en intégrant des fragments du quotidien – affiches lacérées, objets usés, silhouettes mécaniques – qui transforment la figure humaine en signe ou en empreinte. . Les artistes constatent la disparition de l’individu dans la société de consommation, la prolifération des images standardisées,l’empreinte corporelle ou matérielle comme substitut au visage.Le Nouveau Réalisme n’a pas eu de « portraitistes » au sens classique, mais plusieurs artistes du mouvement ont travaillé la figure humaine ou le visage, chacun à sa manière.

Parmi les artistes qui s’ye sont intéressé ; avec la restriction évoquée, il y a eu Yves Klein et ses empreintes corporelles, les « antropométries » = Jacques Villeglé et Mimmo Rotella et les décollements et recomposition d’affiches lacérées = Martial Raysse qui réinvente le portrait féminin dans un idéal standardisé de beauté. =Gérard Deschamps réutilise textiles, bikinis ou jouets pour des figures féminines stéréotypées, Il a eu également Raymond Hains =Niki de Saint Phalle =Jean Tinguely =Daniel Spoerri : Christo =François Dufrêne

Le Pop Art, né au milieu des années 1950 en Grande-Bretagne avant de s’épanouir dans les années 1960 aux États-Unis, a profondément renouvelé l’approche du portrait. Face à une société de consommation marquée par la publicité, le cinéma et les médias de masse, les artistes pop ont transformé la représentation des visages en véritables icônes visuelles, jouant à la fois sur la célébrité, la répétition et la couleur.

Contrairement aux traditions académiques où le portrait exaltait la singularité d’un individu, le Pop Art tend à en réduire l’unicité. L’usage de procédés mécaniques (sérigraphie, reproduction photographique, aplats de couleurs industrielles) efface les particularités pour transformer les visages en images reproductibles, proches de la publicité.

La célébrité devient un sujet central : chanteurs, acteurs, politiciens et figures populaires remplacent les élites aristocratiques d’antan. Le portrait pop est moins un témoignage psychologique qu’un signe de reconnaissance sociale et médiatique. Le même visage répété efface l’individu et révèle l’artificialité de son image publique. Le modèle devient produit, son portrait étant consommé comme une affiche ou une publicité. Ces œuvres soulignent la force des médias à imposer des visages dans la mémoire collective.

Parmi les artistes qui ont appartenu à cette mouvance il y a bien entendu Andy Warho, C’est sans doute l’artiste le plus emblématique de cette approche. Ses séries de portraits de Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor ou Mao Zedong transforment les figures connues en images fétiches. Mais il y a aussi Roy Lichtenstein qui réduit le visage à une surface graphique codée. Ou encore Richard Hamilton,et ses collages qui mêlent visages de stars et objets de consommation ou encore Tom Wesselmann

Moins connus du public français il y a eu également James Rosenquist. Tom Wesselmann =Robert Indiana– Mel Ramos= Peter Blake =Patrick Caulfield= Guðmundur Guðmundsson, dit Erró =Valerio Adami et parmi les femmes Pauline Boty = Evelyne Axell =Marjorie Strider

Le néo-surréalisme est une continuité ou plutôt une réactivation du surréalisme historique. On peut le considérer comme un héritage transformé, qui renaît surtout après 1945 et se prolonge dans la seconde moitié du XXᵉ siècle.

La caractéristique essentielle du néo-surréalisme est la fidélité à l’imaginaire surréaliste : rêve, inconscient, métamorphoses, hybridations. Par contre, alors que le surréalisme classique s’appuyait beaucoup sur Freud, le néo-surréalisme explore davantage le fantastique, la science-fiction, l’étrange. Il y a aussi les influences nouvelles de la bande dessinée,de la culture pop, de la publicité et, plus récemment, de l’art numérique.

Les artistes ont une vision plus spectaculaire et narrative : là où les premiers surréalistes étaient souvent cryptiques, les néo-surréalistes tendent à créer des images oniriques plus accessibles et visuellement frappantes.

On trouve dans les années 1945 , dans cette mouvance des artistes de divers horizons qui ont prolongé l’exploration du visage et de la figure humaine : Hans Ruedi. Giger (Suisse) =Paul Delvaux (Belgique= Jean-Louis Fabiola (Haïti/USA) – =Octavio Ocampo (Mexique) =Vladimir Kush (Russie/USA) =Gérard Di-Maccio (France/Italie)

Dans les années 1960 et au-delà,des émules de Dalí, Magritte ou Ernst, mais avec une dimension souvent plus psychologique, onirique ou symbolique on trouve quelques portraitistes néo-surréalistes comma Dino Valls (Espagne).Victor Safonkin (Russie) =Anne Faith Nicholls (États-Unis) == Maya Kulenovic (Bosnie-Canada) =Naoto Hattori (Japon) =Oleg Shupliak (Ukraine) = Mark Ryden (États-Unis) – Ray Caesar (Canada) = Sean Landers = George Grie

Le mouvement surréaliste, né officiellement en 1924 avec le Manifeste du surréalisme d’André Breton, a profondément bouleversé les codes de la représentation. Si le portrait, en Occident, avait longtemps cherché à restituer la ressemblance physique, le surréalisme en propose une tout autre lecture : il ne s’agit plus de peindre un visage fidèle aux traits du modèle, mais d’exprimer son inconscient, ses désirs enfouis et ses rêves.

Le portrait surréaliste puise ses sources dans le dadaïsme, dont il reprend l’esprit de provocation et de libération de la logique. Un certain nombre d’artistes ont appartenu au mouvement Dada avent d’être surréalistes, Il s’inspire aussi du symbolisme et son goût pour l’évocation onirique. Mais aussi à la psychanalyse freudienne, qui offre aux artistes un vocabulaire des rêves, de l’inconscient et des associations libres.

Ces influences amènent le portrait surréaliste à déconstruire le visage, à le transformer en paysage, à le fragmenter ou à le fondre dans des objets inattendus. Le portrait surréaliste ne se limite pas à la peinture. Il se déploie dans la photographie avec Man Ray = ainsi qu’avec les collages de Max Ernst ou Hannah Höch et plus tardivement Jiří Kolář, Sans oublier l’écriture automatique et le dessin spontané, avec notamment les cadavres exquis.

Un certain nombre d’artistes surréalistes ont réalisé des portraits, Il l’on fait en peinture,en dessins, en collages, en photographie . Certains d’entre eux n’étaient pas à l’origine du Mouvement,

Parmi les artistes français et ceux par le monde, qui ont réalisé des portraits surréalistes , il a eu notamment =Eileen Agarr =Hans Bellmer=Victor Brauner=Claude Cahun =Leonora Carrington = Giorgio de Chirico Salvador Dalí =Marcel Duchamp=Max Ernst =Leonor Fini=Wilhelm Freddie=Frida Kahlo == Matta=Wifredo Lam=Lee Miller =René Magritte =Francis Picabia =Alice Rahon =Man Ray =Grete Stern = Yves Tanguy=Dorothea Tanning =Toyen = Remedios Varo= Marek Wlodarski et aussi les Artistes du groupe égyptien Art et Liberté de Georges Henein, avec Ramsès Younane, = Antoine Malliarakis= Skunder Boghossian

Le mouvement dada, né à Zurich en 1916 dans le contexte de la Première Guerre mondiale, s’est construit sur une volonté de rupture radicale avec l’art traditionnel et les valeurs bourgeoises. Le portrait, genre classique par excellence, n’échappa pas à cette entreprise de subversion. Au lieu d’exalter l’individu, le portrait dada le fragmente, le détourne, voire l’anéantit, au profit d’une vision critique et ironique de l’identité.

Le portrait dada se distingue par l’usage systématique du collage et du photomontage. Les artistes dadaïstes découpent et recomposent des fragments de photographies issues de journaux et de magazines. Le visage n’est plus représenté de façon unifiée, mais éclaté, hybridé avec des objets mécaniques, des typographies ou des morceaux de corps étrangers.

Ces portraits fragmentés traduisent une méfiance envers l’idée d’un sujet stable : l’individu moderne est traversé par la machine, la propagande et les images de masse. Dans l’esprit dada, le portrait se fait volontiers machine. Loin de glorifier le modèle, ces portraits déshumanisent pour mieux critiquer la société industrielle et militarisée de l’après-guerre.Le portrait Dada a inspiré directement le surréalisme, puis les expérimentations néo-dada et pop art, où l’identité devient collage de signes, objet de consommation ou simulacre médiatique.

Parmi les membres du mouvement Dada qui ont réalisé des portraits, il y avait A Zurich : Emmy Hennings = Hugo Ball = Sophie Taeuber-Arp = à Berlin : Hannah Höch –Raoul Hausmann =John Heartfield – =George Grosz –= à Paris : Marcel Duchamp =Francis Picabia =Man Ray et aussi Marcel Janco = Max Ernst

Le cubisme apparaît à Paris vers 1907, autour de Pablo Picasso et Georges Braque, rapidement rejoints par d’autres artistes .Ce mouvement a bouleversé l’histoire de l’art en proposant une nouvelle manière de représenter la réalité. Le portrait cubiste, en particulier, témoigne d’une révolution esthétique : il ne cherche plus à imiter fidèlement l’apparence du modèle, mais à traduire sa structure et son essence à travers des formes géométriques, des plans fragmentés et une multiplicité de points de vue.

L’influence majeure est celle de Paul Cézanne, qui affirmait vouloir « traiter la nature par le cylindre, la sphère et le cône ». Mais aussi les arts dits « primitifs » avec les sculptures africaines et océaniques. Il faut également noter la publication en 1907 par Henri Bergson, de L’évolution_créatrice qui a influencé certains cubistes comme Pablo Picasso.

Le portrait cubiste se distingue par la déconstruction des formes.Le visage et le corps ne sont plus représentés de manière réaliste. Ils sont fragmentés en facettes géométriques, qui rappellent un cristal ou un objet démonté. Le cubisme cherche à représenter simultanément plusieurs perspectives. Un visage peut ainsi montrer l’œil de profil et le nez de face, dans une même image. L’identité du portraituré n’est pas effacée : on reconnaît souvent les traits essentiels. Mais ce n’est plus l’apparence photographique qui compte, c’est la manière dont l’artiste exprime l’essence, la mémoire ou la présence intérieure du modèle.

Dans la phase dite analytique (1909-1912), la palette est souvent sobre (ocres, gris, bruns) afin de se concentrer sur la structure.Dans la phase synthétique (à partir de 1912), les couleurs deviennent plus vives et l’on intègre du collage de papier journal, de morceaux de tapisserie, d’étiquettes.

Parmi les peintres cubistes, un certain nombre d’entre eux ont peint des portraits, outre Pablo Picasso et Georges Braque des artistes comme Juan Gris = Fernand Léger Mais aussi Albert Gleizess –Jean Metzinger– Robert Delaunay=Sonia Delaunay – =Marie Laurencin –=Francis Picabia –André Lhote =Roger de La Fresnaye = Henri Laurens

Parmi les cubistes étrangers il y avait également le finlandais Léopold Survage= le méxicain Diego Rivera = l’italien Gino Severini =l’espagnole María Blanchard= la Cubo-futuriste russe Lyubov Popova

.Quand on évoque l’expressionnisme, l’Allemagne vient immédiatement à l’esprit, avec Die Brücke et Der Blaue Reiter. Pourtant, le courant expressionniste ne s’est jamais limité aux frontières germaniques. De Vienne à Oslo, de Paris à Moscou, le portrait expressionniste a trouvé des interprètes originaux qui ont su réinventer la figure humaine en l’arrachant au réalisme et à l’idéalisation. Certains ont d’abord appartenu à la mouvance post-impressionnisme ou à l’éphémère mouvement fauviste.

L’expressionnisme hors d’Allemagne a donc donné au portrait une dimension universelle : non plus miroir du monde extérieur, mais révélateur d’une vérité intérieure. Les visages se transforment en champs de bataille émotionnels. L’influence de cette approche se retrouve jusque dans l’art d’après-guerre comme avec Francis Bacon et continue d’inspirer les artistes contemporains qui cherchent à représenter l’humain dans sa vulnérabilité.

Parmi les portraitistes expressionnistes il y a eu
En Europe :
Les autrichiens Oskar_Kokoschka = Egon Schiele – =Richard Gerstl =Herbert Boeckl
Les français Othon Friesz = Georges Rouault
et ceux de l’École de Paris Chaïm Soutine = Léon Indenbaum =Pinchus Krémègne =Marie Vorobieff-Stebelska alias Marevna
le suisse Amedeo Modigliani = L’italien Mario Sironi= L’espagnol Hermen Anglada Camarasa
Les polonais Stanisław Ignacy Witkiewicz =Léon Chwistek =
les hongrois Béla Czóbel =Tivadar Kosztka Csontváry= l
Les russes Alexandre Yakovlev = Martiros Saryanle = Boris Grigoriev =
=Les scandinaves Edvard Munch = Jens Søndergaard = Hilding Linnqvist=Le tchèque Emil Filla
Et outre Atlantique :
Les mexicains Diego Rivera =José Clemente Orozco =David Alfaro Siqueiros
l’américain Horace Pippin

Au début du XXᵉ siècle, l’Expressionnisme bouleverse l’art occidental en privilégiant l’intensité de l’émotion sur la fidélité réaliste. Dans ce contexte, le portrait devient un terrain d’expérimentation privilégié : il ne s’agit plus de reproduire les traits exacts d’un modèle, mais de révéler son être intérieur, sa tension psychologique, parfois même l’angoisse de toute une époque.

Contrairement au portrait académique ou impressionniste, le portrait expressionniste déforme, exagère, amplifie. Les artistes n’hésitent pas à allonger les visages, accentuer les contrastes chromatiques, faire éclater la matière picturale. Le but : atteindre une vérité plus profonde, celle des émotions.

Dans le portrait expressionniste, le visage est souvent un champ de forces contradictoires :la ligne brisée traduit l’inquiétude, la nervosité ;les couleurs acides expriment l’intensité des sentiments, entre violence et exaltation, le regard fixe ou halluciné renvoie à une quête spirituelle ou à l’angoisse existentielle.Le portrait expressionniste ne vise pas la ressemblance mais l’intensité. Cette approche influencera l’art moderne bien au-delà des années 1910-1920, jusqu’à Francis Bacon ou encore les mouvements néo-expressionnistes de la seconde moitié du XXᵉ siècle.

Les deux grands foyers de l’expressionnisme ont été à Dresde autour de Die Brückeet à Munich autour de Der blaue Reiter qui accordent une place essentielle au portrait.

Parmi les peintres expressionnistes allemands on peut citer comme portraitistes Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel= Karl Schmidt-Rottluff= Vassily Kandinsky = Alexej von Jawlensky =Max Beckmann, –=Otto Dix, – =George Grosz–=Lovis Corinth =Emil Nolde.

Un certain nombre d’artistes hors d’Allemagne peuvent être rattaché au mouvement expressionniste. Ils font l’objet d’un second billet référencé 79/..

Au tournant du XXᵉ siècle, un groupe de peintres français, que la critique baptisa ironiquement « Fauves » bouleversa l’art du portrait. Leur approche radicale, née autour de 1905, rejetait le naturalisme au profit d’une expression exaltée par la couleur pure, les contrastes violents et une simplification des formes.

Le Fauvisme trouve ses origines dans le Salon d’Automne de 1905, où un critique, Louis Vauxcelles, fut frappé par l’audace chromatique d’Henri Matisse, André Derain, Maurice de Vlaminck et leurs compagnons. Si leurs paysages sont souvent cités comme emblèmes du mouvement, le portrait occupe une place tout aussi significative : il devient un terrain d’expérimentation où la ressemblance est secondaire face à la puissance expressive. Bien que de courte durée le Fauvisme a largement influencé les mouvements avant-gardistes qui ont suivis.

Le portrait chez les Fauves, se caractérise par l’usage de couleurs arbitraires et non-naturelles. Les visages peuvent être verts, bleus, rouges ou mauves, non pour choquer gratuitement, mais pour traduire une émotion ou une impression lumineuse.Les volumes sont réduits, les ombres parfois absentes, remplacées par des juxtapositions de tons saturés.Les lignes dont fermes et cernées, parfois inspirées du cloisonnisme.L’espace est souvent comprimé, au profit d’une frontalité qui accentue l’impact du visage.Malgré la distorsion et la stylisation, le portrait conserve une force expressive qui capte la personnalité ou l’humeur du modèle.

Parmi les peintres du mouvement fauviste qui ont réalisé des portraits il y a eu Henri Matisse=André Derain =Maurice de Vlaminck= Kees van Dongen =Raoul Dufy =Charles Camoin =Othon Friesz = Albert Marquet=Louis Valtat=Jean Puy=Henri Manguin –=Georges Rouault =
Mais aussi =Émilie Charmy =August Macke = Ernst Ludwig Kirchner=Alexej von Jawlensky ==Oskar Moll.Beaucoup de ses artistes ont par la suite participé à d’autres groupement d’artistes.

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À la fin du XIXᵉ siècle, le postimpressionnisme voit émerger une pluralité d’approches picturales cherchant à dépasser la spontanéité et la lumière vibrante de l’impressionnisme. Parmi elles, le pointillisme et le divisionnisme se distinguent par une méthode scientifique de décomposition des couleurs, appliquée aussi bien aux paysages qu’aux portraits. Le critique d’art Félix Fénéon a parlé de mouvement néo-impressionnisme

Le pointillisme, théorisé par Georges Seurat et pratiqué par son cercle, repose sur la juxtaposition de petites touches ou points purs, permettant à l’œil de reconstituer la couleur par mélange optique.Le divisionnisme, théorisé par Paul Signac, (*) terme plus courant en Italie et en Suisse, privilégie une division méthodique des tons en fines touches allongées, souvent influencée par les théories de Michel-Eugène Chevreul et d’Ogden Rood sur les contrastes simultanés.

Si cette approche est souvent associée au paysage urbain ou maritime, elle trouve dans le portrait un terrain d’expérimentation où la rigueur optique rencontre l’expressivité humaine.. On trouve dans ces portraits une touche fragmentée avec des points ronds ou tdes traits allongés, appliqués sans mélange préalable sur la palette. Des couleurs pures et complémentaires : modèlent le visage en modulant les valeurs, sans recours au clair-obscur traditionnel. Une Lumière vibrante : l’éclairage semble venir de l’intérieur même de la matière picturale. La précision optique donne paradoxalement une atmosphère onirique, presque suspendue.

Parmi les artistes qui ont privilégié cette approche il y a eu les français Georges Seurat(1859-1891)=Paul Signac(1863-1935) : =Henri-Edmond Cross1856-1910) Théo van Rysselberghe (1862-1926) =Maximilien Luce (1858-1941) =Henri Delavallée (1862-1943) Léo Gausson (1860-1944) –Charles Angrand(1854-1926) –Louis HayetL (1864-1940 et le d’abord impressionniste =Camille Pissarro (1830-1903) et un peu oubliée Lucie Cousturier (1876-1925)

Les italiens Giovanni Segantini (1858-1899) père d’Alberto =Giuseppe Pellizza da Volpedo (1868-1907)=Gaetano Previati (1852-1920)=Angelo Morbelli (1853-1919) =Plinio Nomellini (1866-1943)=Vittore Grubicy de Dragon (1851-1920) =Carlo Fornara (1871-1968)

Les suisses=Giovanni Giacometti (père d‘Alberto ) Cuno Amiet =Félix Vallotton (1865-1925) =Hans Emmenegger (1866-1940) = Théophile Steinlen (1859-1923) =le belge Georges Lemmen- et aussi le néerlandais Jan Toorop (1858-1928,

À la fin du XIXᵉ siècle, le groupe des Nabis – fondé en 1888 autour notamment de Paul Sérusier et Maurice Denis se donne pour mission de renouveler l’art en réaction au naturalisme dominant. Influencés par le synthétisme de Gauguin et l’esthétique japonisante, les Nabis cherchent à intégrer la peinture dans un art décoratif global, tout en explorant des voies plus intimes, notamment à travers le portrait.

Contrairement aux portraitistes académiques, les Nabis s’éloignent de la ressemblance photographique. Ils privilégient les aplats décoratifs, les contours simplifiés,une palette souvent. Le portrait devient prétexte à traduire l’atmosphère, l’intériorité, parfois la mélancolie du modèle.Le personnage n’est pas isolée mais fondu dans un environnement ornemental.

Le portrait nabi, loin d’être marginal, a marqué une transition entre l’art du XIXᵉ siècle et les modernismes du XXᵉ. On y retrouve l’influence du japonisme avc une composition asymétrique, e des aplats de couleurs, Mais aussi la recherche d’un sens au-delà de la simple apparence etune simplification des formes et accent mis sur la couleur.

Outre Pierre Bonnard et Édouard Vuillard auxquels j’ai consacré de billets individuels d’autres Nabis ou proches du mouveement se sont essayé au portrait, notamment Maurice Denis = Félix Vallotton =Gabriel Ibels = Georges Lacombe = Paul-Élie Ranson = Ker-Xavier Roussel
=Paul Sérusier = mais aussi Roderic_O’Conor Meijer_de_Haan = =József Rippl-Rónai= Jan Verkade

Pierre Bonnard (1867-1947).) reste une figure singulière dans le panorama de l’art français de la fin du XIXᵉ et du début du XXᵉ siècle. Souvent classé dans le courant post-impressionniste, il fut également l’un des membres fondateurs du groupe des Nabis, aux côtés d’Édouard Vuillard, Maurice Denis et Paul Sérusier. Si Bonnard est aujourd’hui surtout célébré pour ses intérieurs baignés de lumière et ses compositions aux tonalités vibrantes, son œuvre de portraitiste offre un regard rare et intimiste sur ses contemporains et sur lui-même.

Formé à l’Académie Julian puis à l’École des Beaux-Arts de Paris, Bonnard découvre rapidement l’art japonais qui influence profondément sa composition et son sens du cadrage. Chez lui, le portrait n’est pas une stricte transcription physiognomonique : il devient une construction picturale, où le modèle est intégré à un univers chromatique et décoratif.À la différence d’un Cézanne ou d’un Van Gogh, Bonnard n’exprime pas la psychologie par la déformation ou la gestuelle du pinceau, mais par la fusion du sujet avec la lumière et la couleur environnantes.

Les portraits de Bonnard se distinguent par une dimension narrative : l’être représenté n’est pas isolé, mais inscrit dans un espace familier.Ses modèles – amis, proches, mais surtout Marthe de Méligny, sa compagne et muse – apparaissent dans des intérieurs, au bord d’une table, devant une fenêtre, parfois absorbés dans leurs pensées. Bonnard peint moins « un portrait » que l’atmosphère de la présence, brouillant la frontière entre scène de genre et effigie personnelle.

Dans ses portraits, Bonnard utilise la couleur comme langage émotionnel. Les tons dorés, mauves ou orangés ne sont jamais réalistes : ils traduisent la sensation, l’intimité, la chaleur d’un moment.Son pinceau fragmenté, héritier de l’impressionnisme, se mêle à une construction d’ensemble plus décorative, héritée de son passé nabi. Cette double influence lui permet de capter à la fois l’instant fugitif et la permanence de la mémoire.

Bonnard fut parfois critiqué par ses contemporains plus modernistes, qui voyaient en lui un peintre « retardataire » face aux audaces cubistes ou fauves. Pourtant, son approche du portrait reste unique : il ne cherche ni l’ héroïsation académique, ni l’expérimentation radicale, mais une poésie domestique, où le sujet et son environnement forment un tout indissociable.Aujourd’hui, ses portraits sont reconnus comme des témoignages sensibles d’une époque, mais aussi comme des explorations intemporelles de la lumière, de la couleur et de l’intimité humaine.