Louise Bourgeois par Gérard Rondeau pour Le Monde

Louise Joséphine Bourgeois (1911-2010) est une peintre, dessinatrice, plasticienne et sculptrice franco-américaine née à Paris, dans une famille de  restaurateurs  de tapisseries anciennes. Suivant le côté où l’on se situe, l’artiste est considérée comme « franco-américaine »  ou comme « américaine née en France. Sans doute à juste titre, puisqu’elle vivait à New York depuis 1938 et qu’elle a obtenu la nationalité américaine en 1951.

Elle commence à dessiner à l’atelier de ses parents lorsque Richard Guino est absent. Elle suit les cours du Lycée Fénelon puis entre à la Sorbonne de 1932 à 1935 où elle étudie la géométrie. Elle s’en écarte s’oriente vers une carrière artistique et entre à  l’Ecole des Beaux-Arts, à l’Académie ainsi qu’à l’Ecole du Louvre. Elle a parmi ses professeurs les affichistes Paul Colin et Cassandre  et le peintre  Fernand Léger.

En 1937, elle rencontre l’historien d’art américain Robert Goldwater qu’elle épouse l’année suivante. Le couple s’installe alors à New York. Elle est en contact alors en contacts avec les artistes surréalistes qui ont fuit le nazisme. Elle côtoie le mouvement de l’expressionnisme abstrait, du minimalisme.

Tour à tour on a voulu la rattacher à divers courants artistiques, le body art, l’art monumental, le land art. On a  qualifiée son œuvre, de radicale, féministe, sexuellement orientée, psychologique, biologique, anthropomorphe.   En réalité elle a développé un langage tout à fait personnel qui oscille entre la figuration et l’abstraction.

Elle se consacre d’abord au dessin et à la peinture dans la mouvance de l’Ecole de New York.  Dès ses premiers dessins, peintures, gravures ses thèmes favoris sont présents, la féminité, la sexualité, la famille, l’adolescence, la solitude, la procréation, la naissance, la maternité.

Dans les années 1950 elle commence a réaliser des sculpture. Notamment la fameuse araignée qui  représente la mère. Parce que «  ma meilleure amie était ma mère, et qu’elle était aussi intelligente, patiente, propre et utile, raisonnable, indispensable qu’une araignée ». L’araignée est pour elle le symbole des tapisseries que réparait sa mère (toile de l’ araignée)et de tout ce qui s’y rapporte : aiguilles, fils. Il y a aussi le père « le phallus ».

 A part quelques rares expositions, notamment en 1945, il faudra attendre les années 1970 pour qu’elle soit révélée au public. C’est à ce moment qu’elle renouvelle son approche, avec des « sculptures installations » réalisées avec des matériaux et des objets très variés, parfois personnels, le bois, le métal, le tissus, le latex

Son travail figure dans les collections des grands musées du monde.  C’est en 1982-1983 que de MoMA lui consacre sa première exposition. En 1993 elle représente les Etats-Unis à la Biennale de Venise. C’est en 1995 qu’elle est présentée pour la première fois en France au Musée d’art moderne de Paris puis en 1998 à Bordeaux .En 2008 le Centre Pompidou  et la Tate modern lui ont consacré une importante rétrospective.

 

On trouve ses lithographies sur le site de  Procuniar et les musées qui possèdent certaines de ses œuvres sur artcyclopedia

A longueur de magazines et de journaux l’on nous montre les fameuses araignées qu’elle intitule Maman, comme ici à Beaubourg

Louise Bourgeois – Maman – Centre Pompidou

Mais il ne faut pas oublier que l’artiste à également réalisée une œuvre peinte et dessinée très importante tout au long de sa longue carrière. Voici ma petite sélection.

Louise Bourgeois – Red night 1946-1947 – Huile sur toile

Louise Bourgeois – Femme maison – 1946-1947 -Huile sur toile

Louise Bourgeois – Sans titre – 1960 – Aquarelle

Louise Bourgeois – Altered states – 1992 – Aquarelle

Louise Bourgeois – Spirale – 1994

Louise Bourgeois – Sans titre – 1997 – Aquarelle et crayon

Louise Bourgeois – Le chat en colère – 1999

Louise Bourgeois – Huit chambres – 2000 – Aquarelle et dessin

Louise Bourgeois – La nuit – 2001 – Lithographie

Louise Bourgeois – Série « extrème tension »

Louise Bourgeois – La rivière gentille – 2007 –  Technique mixte sur papier

Louise Bourgeois – Couples – 2007 – Gouache

Louise Bourgeois – Hommage à Beaudelaire – 2009

Giorgio Morandi

Giorgio Morandi ( 1890-1964) peintre italien est né à Bologne où il résidera toute sa vie.

Il poursuit des études artistiques à l’Ecole des Beaux-Arts de sa ville natale. Au début des années 1910, il découvre les fresques de Giotto, Piero della Francesca, Uccello ou Masaccio mais surtout l’œuvre de Cézanne.

En lisant dans des articles d’ Ardengo Soffici dans la revue d’avant-garde « Le Voce » il est très au fait de l’évolution de l’art de son temps.

Il est diplômé en 1913 et l’année suivante, est en contact avec les « Futuristes  italiens »  avec lesquels il expose à Rome à la Galerie Spovieri.

Il est vite réformé de l’Armée et il est engagé à l’Ecole élémentaire d’arts plastiques. Il y enseignera jusqu’en 1929.

  Après la guerre, il  s’éloigne vite du courant futuriste. Il adhère au groupe de Mario Broglio autour de la revue « Valori plastici » puis au mouvement « Strapaese ». Il est influencé par la « peinture métaphysique » de Giorgio de Chirico et Carlo Carrà. Comme beaucoup d’artistes et intellectuels, il espère un temps que la « révolution fasciste » va apporter un souffle de modernisme à la culture de son pays.

En 1930 il obtient la chaire des Techniques de gravure à l’Académie des Beaux-Arts de Bologne où il enseignera pendant 26 ans.

 La vie se déroule entre ses cours, sa peinture dans l’appartement qu’il occupe acec ses trois soeurs et quelques expositions internationales comme à la « Pittsburgh World Exhibition »

En 1939, à la Quadriennale de Rome Morandi reçoit un second prix de peinture. Lorsque la guerre éclate il se retire dans le village de Grizzana où il peint essentiellement des paysages.

En 1948 il reçoit le premier prix de la Biennale de Venise, puis plus tard de São Paulo. De nombreuses expositions lui sont consacrées à Rome, Londres, New York. Les musées italiens et américains possèdent ses œuvres.

Giorgio Morandi n’appartient à aucune école. L’influence de Cézanne auquel il emprunte la densité des couleurs et des formes est importante. Cependant il a une approche personnelle très forte. Il utilise une palette restreinte très travaillée avec d’innombrables couleurs et un dessin raffiné.

 Il a peint des paysages mais les natures mortes constituent le thème principal de ses œuvres. Les pots, les vases, les bouteilles, souvent les mêmes sont représentés suivant des angles sans cesse renouvelés, sur une table, une étagère.

Giorgio Morandi a rarement été présenté en France, si l’on excepte une exposition en 1997, au Musée Maillol et au Musée d’art moderne de la Ville de Paris au 4^ème trimestre 2001.

Voir ici la présentation par l’historien d’art  Hector Obalk sur une vidéo extraite d’une emmission de Thierry Ardison.

Une rétrospective de son œuvre a été présentée en 2008 au Met de New York et en 2009 au Museo Morandi de Bologne et à la Phillips Collection de Washington

On trouve sur artcyclopedia les œuvres de l’artiste présentes dans des musées du monde entier, également à la  Tate Modern  et aussi une vidéo de présentation de l’œuvre de Morandi

On trouvera ici quelques oeuvres de l’artiste

Giorgio Morandi – Nature morte – 1914

Giorgio Morandi – Nature morte avec une cafelière – Dessin – 1933

Giorgio Morandi – Nature morte – 1938

Girogio Morandi – Nature morte – 1941

Giorgio Morandi – Paysage – 1942

Giorgio Morandi – Nature morte – 1949

Giorgio Morandi – Nature morte – 1956

Giorgio Morandi – Bouquet – 1958

Giorgio Morandi – Paysage – 1962

Giorgio Morandi –  Narure morte – 1963

Giorgio Modandi – Nature morte – 1964

 

Jean-Pierre Pincemin

Jean-Pierre Pincemin 1944-2005  est un peintre et sculpteur français, autodidacte , né à Paris. Tourneur dans une usine de moteurs d’avions, il visite très régulièrement le musée du Louvre. Il s’intéresse aussi au jazz, à la musique sérielle, au cinéma expérimental. Au milieu des années 1960 le galeriste Jean Fournier l’encourage à peindre. Ses premières œuvres sont inspirées du monde industriel. Il multiplie ses recherches, de l’abstraction lyrique à l’action painting. Il est aussi critique d’art.

En 1969, il organise avec Claude Viallat, une exposition à l’École spéciale d’Architecture à Paris. Les artistes Noël Dolla , Bernard Pages  Marcel Alocco  et Patrick_Saytour  Louis Cane, Marc Devade, Daniel Dezeuze  et Viallat qui participent à cette exposition sont à l’origine du mouvement  Supports/Surfaces qu’il rejoint en 1971.

L’artiste abandonne un moment les pinceaux et utilise les matériaux les plus divers : planches, tôles, grillages carrés de toile trempés dans la peinture, comme dans la série des « Palissades et des Portails ». Dans les années 1970, il reprend les pinceaux et compose des toiles abstraites.

En 1985, sous l’influence des avant-gardes allemande, italienne et américaine, il modifiera sa manière de peindre et sa conception de l’espace. Il réalise alors des sculptures polychromes à l’aide de morceaux de bois. L’année suivante il peint une série « L’année de l’inde » inspirée des miniatures indiennes. Il est aussi inspiré des enluminures, de la cartographie, des estampes chinoises. Le multiplicité de ses influences ne permet pas de le rattacher à aucune école ou courant. Il se considérait comme un artiste libre de toutes contraintes.

 En 1995, à Liège, il figure la création du monde sur un plafond de 200 m² à l’hospice du Balloir . La plupart de ses œuvres ne portent aucun titre.  Sur cette vidéo très brève l’on peut voir l’artiste. On peut aussi consulter un dossier pédagogique de  l’académie de Toulouse

 Et voici quelques œuvres de l’artiste

Jean-Pierre Pincemin – Assemblage de papiers découpés – 1969

Jean-Pierre Pincemin – Peinture – 1974

Jean-Pierre Pincemin – L’année de l’Inde – 1986

Jean-Pierre Pincemin –  Composition 146 – 1991

Jean-Pierre Pincemin – Aquatinte au sucre – 1994

Jean-Pierre Pincemin – Sans titre – Technique mixte – 1995

Jean-Pierre Pincemin – Sans titre – 1999 – 120×120

Jean-Pierre Pincemin – Arbre rouge – Huile sur papier marouflé – 2001

Jean-Pierre Pincemin – Sculpture polyforme – 1998

 

Le Musée de la Chartreuse après celui de Carcassonne présente jusqu’au 6 juin 2010 , avec la collaboration  Nicole Tamburini,  la première grande rétrospective consacrée au peintre français Achille Laugé (1861-1944). Il  suit les cours des  Beaux-arts de Toulouse il y rencontre Bourdelle, Henri Martin et Henri Marre . A vingt ans, il entre à Paris dans l’atelier de Cabanel puis dans celui de Jean-Paul Laurens.   Il retrouve Bourdelle et se lie à Maillol. Lassé de l’enseignement académique, il découvre les néo-impressionnistes. Rentré dans la région de Carcassonne, il applique la technique de la division des couleurs et le pointillisme  de Seurat, Signac ou Pissarro, mais en l’adaptant à sa propre sensibilité. Il utilise plusieurs médiums, l’huile, le pastel, l’aquarelle. Il emmène son matériel dans une « charrette-atelier »  pour peindre en plein air, sur le motif. Il peint aussi ce qu’il voit de la fenêtre de son atelier. Il aime la lumière, il peint des paysages simples, sereins souvent les mêmes, peints près de chez lui. Et puis aussi, des bouquets et des portraits.

 Il a aussi collaboré avec les Manufactures de tapis de Beauvais et des Gobelins. En 1894 il expose au Salon des Indépendants. Et aussi à Toulouse, où il est en bonne compagnie avec  les Nabis, notamment, Bonnard, Maurice Denis, Roussel, Sérusier, Toulouse-Lautrec, Félix Vallotton, Edouard Vuillard, il est pris  il est pris pour un plaisantin. Les Carcassonnais le considèrent au mieux pour un original, un barbouilleur, mais aussi un incapable ou un fou. Il est cependant soutenu par quelques connaisseurs, Jean Alboize, Directeur de la revue « L’Artiste » conservateur du Palais de Fontainebleau, Achille Rouquet, journaliste, Albert Sarraut. Le Salon d’automne   refuse ses œuvres aussi, à l’avenir il exposera chez des marchands,Achille Astre, Alvin-Beaumont, Berheim, G. Petit. Il n’eut pas beaucoup de  succès de son vivant. Les choses ont changées.  « Le calvaire de Couffoulens » datée de 1891, qu’il avait du vendre pour acheter son costume de mariage,  a été adjugée 430.000 €uros en 2001.

On trouvera un reportage sur l’expositon de Carcassonne ici

Voici quelques une des ses œuvres ( pas forcément présentées à Douai)

Achille Laugé – Genets en fleurs – Pastel

Achille Laugé – Amendiers en fleurs – Huile sur toile

Achille Laugé- Route de Cailhavel – Huile sur toile

Achille Laugé – Port – Huile sur toile

Achille Laugé – Péniche à la Roubine – Encre brune

Achille Laugé – Bouquet de roses – Huile sur toile

Achille Laugé – Portrait de femme – Huile sur toile

 

La Nativité a inspiré les peintres au cours des siècles. Il est certain que entre les douzième et seizième siècle que les représentations sont les plus nombreuses. Mais certains artistes de l’époque moderne comme Gauguin et Chagall ont donné leur interprétation.

On trouvera sur « The text this week » un certain nombre de renvoi vers les oeuvres qui représentent la Nativité, au cours des siècles.

Voici une courte sélection de ces représentations de la Nativité parfois appelée aussi dans le titre du tableau « Naissance de Jésus »

Giotto di Bondone – 1267-1337

Botticelli 1445-1510 – Nativité mystique

Nicolas Poussin 1594-1665

Philippe de Champaigne 1602-1674

Paul Gauguin – 1848-1903 – Te tamari no atua

Marc Chagall 1889-1945

Woonbo-kim-ki-chang -Corée 1914-2001

Nativité contemporaine -Mexique

Nativité moderne Afrique

Jean Puy

http://www.jean-puy.com/ 

Jean Puy  (1876-1960)  peintre figuratif  français est né à Roanne dans une famille d’industriels.Il choisit d’embrasser une carrière artistique. Il suit l’enseignement de Tony Tollet à l’Ecole des Beaux Arts de Lyon de 1895 à 1897. Il s’installe alors à Paris et fréquente l’académie Jullian puis les ateliers de Gustave Moreau et d’Eugène Carrière. Il se lie d’amitié avec Matisse, Marquet, Manguin et Camoin. Il expose en 1900 au Salon des Indépendants, puis au Salon d’Automne dès sa création en 1904. En 1905, bien qu’il peigne dans des couleurs claires,  il apparaît avec ses amis du Groupe Moreau dans « la cage aux fauves ». Ambroise Vollard a été avant que les deux hommes se brouillent, son marchand de tableaux. En 1919, il grave pour lui des illustrations du cycle d’Ubu à la guerre. Il ne participe que de loin au milieu artistique de la Capitale.

Jean Puy, peintre mais aussi plaisancier  préfère séjourner en Bretagne qu’il adore. Il l’a beaucoup peinte,  mais aussi la Savoie et la Méditerranée. Outre les paysages, il exécute des scènes de genre, des nus, quelques natures mortes.

Il a souvent été hésitant entre les tendances artistiques de son époque : impressionnistes, divisionnistes, les peintres de Pont-Aven, ses amis Matisse, Marquet, Bonnard. Il est donc difficile de lui reconnaître un style vraiment personnel. D’autant qu’au niveau de la technique, il varie :  les couleurs sont éclatantes et tout à coup sombres, les formes simplifiées ou très détaillées, la touche empâtée ou fine. En 1920 chez la Nrf son frère Michel, critique d’art avait publié un ouvrage avec des reproductions de ses peintures et dessins.

Pendant près d’un demi-siècle, l’œuvre de Jean Puy, est restée inconnnue du grand public. Des expositions l’ont fait sortri de son « purgatoire » en 1999 au Palazzo Bricherasio de Turin , l’année suivante de Barcelone c’est  “Les Années Fauves”. En 2005; le Musée Marmottan-Monet à Paris à consacré une exposition intitulée le « Fauve discret« . Enfin son arrière petite nièce  Suzanne Limouzi et Louis Fressonnet-Puy lui ont consacré un « catalogue raisonné » Actuellement les  œuvres de Jean Puy sont régulièrement en vente dans les galeries et maisons d’enchère comme Christie’s  où « Femme dans un intérieur » de 1903 a été adjugée 47.500 $ Ces œuvres dans des musées, notamment l’Hermitage, sont répertoriées par Artcyclopedia

Et voici quelques exemples  

Jean Puy – Femme dans un intérieur – 1903

Jean Puy – Petite faunesse dormant – 1906

Jean Puy – Le port de Collioure – 1913

Jean Puy – Odalisque lisant – 1926

 

Jean Puy – Le marché de Sanary – 1925

Jean Puy – La fenêtre de l’atelier – 1956

Joan Miro par Yousuf Karsh -1965.

Joan Miro Ferra (1893-1983) est un artiste peintre, sculpteur et céramiste espagnol né à  Barcelone. Il prend très jeune des cours de dessin. Lorsqu’il a 14 ans il entre à  l’école de commerce de Barcelone. Il est quelques temps employé aux écritures. Mais il suit les cours à l’école des Beaux-arts de la Longja. En 1912 il s’inscrit à l’Académie de Francesco Gali pour y étudier la peinture. Il y rencontre le céramiste Artigas, avec qui il travaillera plus tard, et le peintre Ricart. Il fréquente aussi l’Académie de dessin du Cercle Sant-Luc.

Il est souvent considéré comme l’un des principaux représentants du surréaliste.  Pourtant Miro à toujours rejeté une appartenance à un quelconque mouvement artistique. Son  l’œuvre est multiple, un peu «  touche à tout ». Lors de sa première exposition, il présenta certaines œuvres inspirées les unes par le cubisme, les  autres par le fauvisme. Il avait découvert ces tendances picturales,  à la faveur d’expositions organisées à Barcelone.

En 1920 il s’installe à Paris où il passe  les hivers. Il y côtoie Pablo Picasso, le mouvement Dada, et les surréalistes. André Breton dira qu’il est « le plus surréaliste d’entre nous ». A la fin des années 1920, il montre un univers poétique, avec ses 100 « peintures de rêve » En 1926, il collabore avec Marx Ernst aux décors de « Roméo et Juliette » pour les Ballets russes de Diaghilev. Il a  aussi une période « anti-peinture » où  il réalise  des tableaux-collages, avec les matériaux les plus divers

Dans les années 1930, il expose à Paris et New York, rencontre Kandinsky. Pendant la guerre civile espagnole, Miro peint ce qu’il appelle ses « peintures sauvages ». En 1937, il réalise une peinture murale pour le pavillon de l’Espagne, à l’Exposition Universelle de Paris. Dès 1941, le Museum of modern art de New York présente  une  rétrospective de son œuvre. En 1941-42 ,  la France est occupée et il se réfugie en Espagne. Il travaille alors avec le céramiste Josep Lorens Artigas. En 1946,  l’ « Institute of Contemporary Art » de Boston organise l’exposition des « quatre espagnols »  consacrée à Dalí, Gris, Picasso et Miró. Ce n’est pourtant qu’en 1947 qu’il se rend pour la première fois aux Etats-Unis. Il réalise un panneau mural, pour un grand hôtel de Cincinnati. La même année, il participe à l’Exposition internationale du surréalisme organisée à la Galerie Maeght à Paris.

En 1956, il s’établit définitivement aux Baléares, à Palma de Majorque. C’est à cette époque qu’il réalise les peintures murales du siège de l’Unesco à Paris.  Il réalise des sculptures monumentales colorées, à la Fondation Maeght, à l’aéroport de Barcelone, au parvis de la Défense, à  Chicago, Houston, Palma.

Sa production graphique est très importante, tant par sa qualité que par sa quantité. Il illustre des livres d’art. Il est un insatiable expérimentateur de techniques : dessin, gouache, aquarelle, pochoir, lithographie, eau-forte, gravure, xylographie, sérigraphie, gravure au ciment ou au carbure de silicium (carborundum) Ses lithographies lui permettent de démocratiser son œuvre en la rendant accessible à un large public. Il réalise aussi de nombreuses céramiques.

Les plus grands musées du monde lui consacrent des rétrospectives. Le Moma, le musée d’art moderne de Paris, la Tate de Londres, la Kunsthaus de Zurich, puis Tokyo et Kyoto, la fondation Maeght à St Paul de Vence, Madrid et Majorque   En 1972 il crée la Fondation Joan Miro à laquelle il fait don de 5000 dessins et aquarelles.

Chez  Christie’s à Londres ou New York certaines de ces œuvres  comme, « Le coq » une œuvre en  gouache et aquarelle réalisée en 1940,« La caresse des étoiles » « Etoile Bleue » dont été adjugées à plus de 11.000.000 d’euros

Il y a sur site du Centre Pompidou un dossier pédagogique et Curiosphere consacrés à Miro   et encore Joan Miro Art

On trouve ses œuvres sur les sites d’Olga’s Gallery  et d’Artcyclopedia ou encore Famous artists Gallery Des lithographies sur Amorosart   et à la galerie Fillion  Des reproductions sur All posters  Enfin Mirobolant  le site d’une passionnée

 Une vidéo

 

Et une courte sélection d’oeuvres

Joan Miro – Portrait de Heriberto Casany – Huile sur toile – 1918

Joan Miro – Le fou du roi – huile et fusain – 1926

Joan Miro – Figure – Pastel – 1934

Joan Miro – Le coq – Gouache et aquarelle – 1940

Joan Miro -L’aube parfumée par la pluie d’or – Aquarelle – 1954

Joan Miro -Les Géants – Aquateinte – 1960

Joan Miro – Sans titre – Lithogravure – 1971

Je rappelle l’expostion actuelle  Miro et Tériade

Hugo Pratt

Hugo Pratt ( 1927-1995) dessinateur italien, est avec Hergé et quelques autres, l’un des grands noms de la bande dessinée. Né à Venise, il suit en 1941 ses parents en Abyssinie colonisée  par Mussolini. Enrôlé dans l’armée du Duce, il rejoint les alliés. A la fin de la guerre il lance la revue « L’As de pique », influencée par les comics américains. Il s’installe en Argentine et  travaille aux séries « Sergent Kirk » et « Ann de la Jungle ». A son retour en Europe en 1967 parait  dans Pif « La Ballade de la mer salée ».Le personnage de Corto Maltese, marin, anarchiste et romantique y fait ses débuts. Dans les années 1970, il fait du cinéma, d’autres aventures comme Jesuit Joe et poursuit sa série culte avec par exemple « Corto en Sibérie » Dans les années 1980, des expositions lui sont consacrées .En 2005 a été publié chez Casterman,  « Périples imaginaires  » dont le tome I est consacré à ses aquarelles de 1965  à 1995

C’est justement l’aquarelle originale qui a servi à l’illustration de couverture de l’album « Corto Maltese en Sibérie » (Hugo Pratt, 1973)  qui a été adjugée lors des enchères instrumentées les 20 et 21 novembre 2009 par Eric Leroy de l’étude de commissaires-priseurs Artcurial –Briest-Poulain-F.Tajan   pour un montant de 247.840 €. Il s’agit d’une œuvre à l’encre de Chine, feutre noir, gouache noire et aquarelles de couleurs, encadrée de 64 x 49,5 cm estimée entre 90 000 – 120 000 €. Pourquoi pas ?

Hugo Pratt -Corto Maltese en Sibérie

Ce n’est pas le record, puisque la même étude Artcurial avait adjugé une aquarelle de Corto Maltese, « Le Etiopiche (l’éthiopien) » en mars 2008 à 300.830 €.

Hugo Pratt – Le Etiopiche

Voici la vidéo de cette enchère historique

 

Les  trois principaux artistes peintres qui ont fait partie du Bloomsbury sont : Vanessa Bell, Roger Fry et Ducan Grant. Une exposition « Conversation anglaise » leur est consacrée  à  la Piscine – Musée d’art et d’Industrie de Roubaix.

Vanessa Bell – autoportrait

Vanessa Bell (1879-1961) peintre et décoratrice née à Londres est la fille de l’écrivain Leslie Stephen et la sœur ainée de l’écrivaine Virginia Woolf. Elle suit les cours de la Royal academy School où elle étudie auprès de John Singer Sargent.

http://www.johnsingersargent.org/

Elle a eu une vie sentimentale tumultueuse. On lui prête de nombreuses liaisons masculines et féminines. D’abord mariée avec Clive Bell, avec qui elle a eu  deux enfants, ils se séparèrent en 1913. Elle a un temps une liaison avec Roger Fry.  Elle vécu ensuite avec Ducan Grant dont elle eu une fille en 1918. Vanessa travaille alors avec son compagnon, les « arts décoratifs » dans leur ferme de Charleston.

http://www.charleston.org.uk/   et  http://www.youtube.com/watch?v=8uw49axuvXA

Vanessa Bell a peint des portraits aux formes simplifiées et aux couleurs éclatantes et aussi des œuvres abstraites. Dans les années 1930 elle séjourne régulièrement à Cassis.  Elle a enseigné quelque temps à l’Euston Road School fondée par William Coldstream et Victor Pasmore.

On trouve les œuvres de Vanessa Bell, exposées dans les musées du Monde, sur Artcyclopedia et aussi sur la site de la Tate

http://www.artcyclopedia.com/artists/bell_vanessa.html

http://www.tate.org.uk/servlet/ArtistWorks?cgroupid=999999961&artistid=731&page=1

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Roger Fry – Autoportrait

Roger Eliot Fry (1836-1934) peintre anglais et critique d’art est né à Londres. Il a étudié les  sciences naturelles à Cambridge. Il enseigne d’abord l’histoire de l’art à la Slade School art. Il passe plusieurs années comme conservateur au Moma de New York. A son retour à Londres en 1910 il organise à la Grafton Gallery,  consacre une exposition à Manet et aux « post-impressionnistes » Il écrit des essais sur la peinture française contemporaine. En 1933, il  devient titulaire à l’université de Cambridge de  la chaire d’enseignement des beaux arts. Il meurt l’année suivante des suites d’une chute à son domicile.

http://fr.wikipedia.org/wiki/Roger_Fry

On trouve les œuvres de Roger Fry qui sont exposées dans les musées du Monde sur Artcyclopedia

http://www.artcyclopedia.com/artists/fry_roger.html

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Ducan Grant – auto portrait

Ducan James Corrowr Grant (1885-1978) est un peintre écossais né à Rothiemurchus. Il a vécu en Inde jusqu’à l’âge de 9 ans. Il a étudié à la Slade art school. . Très jeune il voyage en Italie en Turquie. Il étudie à Pairs avec Jean-Emile Banche, il y côtoie Picasso, Matisse et Derain. Après un succès initial, il a vite connu la désaffection du public qui jugeait ses œuvres trop modernes. Il ne se souciait pas de la mode il « obéissait à son propre œil et à son imagination.  Il a réalisé de nombreuses décorations d’intérieurs et de lieux publics. Il a pratiqué la céramique, la gravure et l’estampe, illustré des livres, des décors de théâtre et de ballets. Il a travaillé tant à l’huile, qu’au pastel et à l’aquarelle et il était très bon dessinateur. Ce n’est pas un théoricien mais un instinctif. Son coté un peu « touche à tout » a nuit à son identité artistique. Mais c’est aussi ce qui fait sa richesse, que l’on découvre.

il a été le compagnon de Vanessa Bell et a eu beaucoup de liaisons masculines, notamment avec l’économiste John Maynard Keynes.

On trouvera ses œuvres sur les sites d’Artcyclopedia et de la Tate

http://www.artcyclopedia.com/artists/grant_duncan.html

http://www.tate.org.uk/servlet/ArtistWorks?cgroupid=999999961&artistid=1203&page=1

Vanessa Bell, Roger Fry et Duncan Grant ont fondé à Fitzroy Square, Omega Workshops, un atelier d’art et d’artisanat situé à Fiteroy square à Londres.

http://www.tate.org.uk/archivejourneys/bloomsburyhtml/art_omega.htm

Et aussi la récente exposition à la Courtauld Gallery : Beyond bloomsbury : Desing of The Omege Workshops 1913-19

http://www.courtauld.ac.uk/GALLERY/exhibitiolans/2009/omega/bloomsbury.shtml

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Je rappelle qu’une exposition qui leur est consacrée s’ouvrira à la Piscine de Roubaix le 21 novembre 2009. Elle durera jusqu’au 28 février 2010

http://masmoulin.blog.lemonde.fr/2009/11/07/conversation-anglaise-le-groupe-de-blomsbury-a-la-piscine-de-roubaix-du-21-novembre-2009-au-28-fevrier-2010/

Johan Mitchell

Joan Mitchell (1925‐1992) est considérée comme l’une des plus grandes femmes peintres américaines du XXe siècle. L’artiste est née à Chicago où son père est un médecin très  réputé qui peint des aquarelles sur le motif. Elle est très vite attirée par les arts. Elle s’inscrit en 1944 au « Smith College » puis à « Art Institute of Chicago ». Elle en sort « Bachelor of Arts degree » en 1947. Elle complète cette formation par un Master of Fine Arts. Elle étudiaeaussi avec à New York avec Hans Hofmann.

http://www.hanshofmann.org/

Elle voyage en France, en Espagne et en Italie. A ses débuts elle est influencée par Vincent Van Gogh, Paul Cézanne, Wassily Kandinsky. Et plus tard, mais elle ne voulait pas le reconnaître, par Claude Monet. Elle participe dans les années 1950 à la « New York School ». Elle y rencontre Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline. On rattache son œuvre au mouvement expressionniste abstrait de seconde génération  

Elle  passera l’essentiel de sa carrière en France où rejoint en 1959, son compagnon, Jean-Paul Riopelle, peintre et sculpteur canadien

http://www.artsimages.com/bioriopelle.htm

En 1967, elle achète une maison à Vétheuil, tout près de Giverny cher à Monet. Elle l’occupera jusqu’à sa mort en 1992. Elle a donc vécu 33 ans en Franc.

Dès cette époque, les tableaux qu’elle réalise sont souvent de grandes dimensions, très expressifs, lumineux, dynamiques, avec beaucoup de références à la Nature

Les plus grands musées d’art moderne du monde présentent ses œuvres. Une œuvre « Salut Sally » de 1970 a été récemment adjugée 2.586.000 €.

La Joan Mitchell foundation attribue, chaque année depuis 1994, une bourse à un artiste peintre ou sculpteur

 http://www.joanmitchellfoundation.org/

Avec le soutien de Terra America Art, le musée des impressionnistes de Giverny, lui consacré récemment, une rétrospective, en collaboration avec la Kunsthalle d’Emden et le Palazzo Magnani de Reggio Emilia

http://www.terraamericanart.org/

http://www.museedesimpressionnismesgiverny.com/Expositions/Joan-Mitchell.html

On trouvera une grande partie de ses œuvres en consultant Artcyclopedia .

http://www.artcyclopedia.com/artists/mitchell_joan.html

Voici une vidéo

http://www.youtube.com/watch?v=W6L8lFoCMS0

et quelques exemples de son œuvre

Johan Mitchell – Sans titre 1958

Johan Mitchell – Salut Tom –  1979

Johan Mitchell – La grande vallée -série de 1983-1984

Johan MItchell – Sans titre -1987

Johan Mitchell – Sud  – 1990

James Ensor (1860-1949)

James Sidney Edward Ensor, peintre et graveur  belge, est né, en 1860, à Ostende en Flandre occidentale. C’est dans cette ville que son père anglais, a rencontré sa femme ostendaise de souche. Toute sa jeunesse le jeune garçon a côtoyé, dans la boutique familiale, des coquillages, des chinoiseries, des verroteries, des masques, des animaux empaillés. C’est là qu’il a nourri son univers peuplé de rêves et de cauchemars.

Il reçoit une première initiation à l’académie de sa ville natale. De 1877 à 1880, il suit les cours de l’Académie des Beaux Arts de Bruxelles, dont il n’apprécie guère l’ambiance. Il rencontre dans la capitale belge, des condisciples comme Khnopff, Finch, Hanon ou Th. Van Rysselberghe. Il fait de multiples croquis et esquisses d’après Bruegel, Rembrandt, Goya, Callot, Turner, Manet ou Daumier. Il y a aussi Jérome Bosch avec lequel l’on ne peut s’empécher de faire le rapprochement.

http://www.zetudiants.net/IMG/jpg/triptyque.jpg

Jérome Bosch – » Le jardin des délices »

Sa formation académique achevée, il rentre à Ostende où il   résidera pratiquement toute sa vie. Les œuvres de ses débuts sont réalistes. Il peint, dans une matière empâtée, dans des couleurs sombres, des autoportraits, des marines, des intérieurs bourgeois. Elles sont fraîchement accueillies. Les sujets sont jugés trop prosaïques. Par ailleurs, son affranchissement de la technique pictural et incomprise. Il est refusé aux salons d’Anvers et Bruxelles. C’est à cette époque qu’il participe,  à la création du groupe d’avant-garde dit « Les XX. »

http://users.skynet.be/pierre.bachy/libre_esthetique-XX.html

Il entame une un cycle de dessins « Les auréoles du Christ ou les sensibilités de la lumière ». Il aborde les thèmes du masque et du squelette. Bien entendu le Carnaval d’Ostende l’a inspiré. C’est sa vision symbolique du Monde. C’est aussi une façon de se venger du public. Il dira que « Les masques me plaisaient aussi parce qu’ils froissaient le public qui m’avait si mal accueilli. » Il peint notamment en 1889 «  l’entrée du Christ à Bruxelles ». Il expose aux Salons de la Libre Esthétique qui a succédé aux XX.

L’utilisation de couleurs pures , la lumière, et les schématisations qu’il opère,  d’une manière très originale, en avance sur son temps, préfigurent «  l’expressionnisme » Il expose à Paris, sans grand succès se qui renforce sa misanthropie. Avec l’arrivée du siècle, son inspiration fléchie, il se répète et ralentit sa production.

Dans la décennie 1910 Anvers et Rotterdam organisent une rétrospective des ses œuvres. Les musées royaux de Belgique achètent des toiles. En 1929, c’est la consécration. Il est obtient la nationalité belge, et anobli. Et enfin  les Beaux-arts de Bruxelles organisent une grande rétrospective. En 1933, il est sacré « Prince des peintres ». Il finira sa vie couvert d’honneurs tardifs.

Ses œuvres sont présentent dans de nombreux musées, à travers le Monde. Lors de la grande vente Yves Saint-Laurent – Pierre Bergé, organisée l’an passé par Christie’s, « Au conservatoire » a été attribuée pour 577.000 €.

On trouvera des compléments d’informations sur « Wikipedia » et « Art-deco »

http://fr.wikipedia.org/wiki/James_Ensor

http://pagesperso-orange.fr/art-deco.France/ensor.htm

Une analyse de l’œuvre, des informations sur la cote de l’artiste sur « art-mémoire »

http://www.art-memoires.com/ensor_f1.htm

Un article très intéressant sur Ensor et la symbolique des masques et de la mascarade sur le site de « lotus »

http://users.skynet.be/lotus/art/ensor0-fr.htm

Une vidéo en  anglais de la retrospective que lui a consacré le MOMA de New York à l’été, et qui vient d’ouvrir au musée d’Orsay

Une page sur le site « lettres-histoire » qui centralise près de 200 oeuvres du peintre, dans l’ordre chronologique de 1876 à 1939

 http://lettres-histoire.info/lhg/Art/XXe_James_Ensor.htm

Et enfin, les œuvres présentes dans les musées du Monde, sur « Artcyclopedia »

http://www.artcyclopedia.com/artists/ensor_james.html

Et voici quelques oeuvres

James Ensor – « Vue de la plaine flamande » – 1876

James Ensor -La femme au chale rouge -1880

James Ensor – « Entrée du Christ à Bruxelles » – 1889

Cliquer sur l’image pour l’agrandir

James Ensor -« Vieille femme aux masques » – 1889

James Ensor – « L’intrigue » – 1890

James Ensor – « Squelettes se disputant un harang-saur » – 1891

James Ensor – « Les bons juges »- 1891

James Ensor – » Au concervatoire » – 1902

(cf. Vente Saint-Laurent / Pierre Bergé)

James Ensor – « Ensor dans son atelier ou Ensor a l’harmonium » – 1933

James Ensor « Bien faire et laisser rire » – 1939

Gaston Chaissac par Robert Doisneau

Gaston Chaissac est né en 1910, à Avallon, dans une famille pauvre. Son père  cordonnier déserte vite le foyer. Il quitte l’école à 13 ans et travaille comme apprenti bourrelier, cuisinier, etc.

En 1936, il rencontre à Paris des voisins de son frère les peintres allemands Otto Freundlich et Jeanne Kosnik-Kloss.

http://www.ville-pontoise.fr/content/heading528/content4073.html

 Le couple dirige une école d’art l’initie à la peinture, l’encourage et le conseille. Il y côtoie dans leur bibliothèque les œuvres de  Picasso, ami de son hôte, de Kandinsky, de Braque, de Max Ernst. C’est le début de sa carrière artistique. Il expose en 1939. Cependant, atteint de tuberculose, jusqu’en 1942  il fait des séjours dans plusieurs sanatorium.

En 1942, il travaille à Saint-Rémy de Provence chez un bourrelier. Il rencontre le peintre Albert Gleizes et travaille dans son atelier

http://www.fondationgleizes.fr/albert-gleizes.html

Et aussi André Lhote

http://www.art-et-histoire.com/index3.htm?lhote.htm? ,

Ainsi que l’architecte André Bloc et le galeriste Aimé Maeght, l’encouragent.

La même année il se marie et s’installe en Vendée où son épouse a un poste d’institutrice. Très isolé, confronté aux sarcasmes des villageois,  il dessine et peint à l’huile. Son extrême pauvreté l’oblige à utiliser de multiples supports, souvent de récupération, des bassines, des bidons cabossés, des troncs d’arbres, des épluchures de courges. Il dit réaliser une « peinture rustique  moderne ».

Il expose au Salon des Indépendants où Raymond Queneau, Jean Paulhan et Jean Dubuffet le remarquent.

http://www.dubuffetfondation.com/

Il entame avec eux une relation épistolaire suivie. Jean Dubuffet réuni en 1951, ses lettres et poèmes dans « l’hippobosque au bocage » publié chez Gallimard. Entre 1958 et 1960 il publie régulièrement à la « nouvelle NRF ».

L’intégration de ses œuvres dans les collections « d’art brut » de Jean Dubuffet, parmi celles des fous et des marginaux, l’a longtemps desservi. Il passe alors pour un artiste naïf et primitif alors que l’on préfère aujourd’hui le considérer comme autodidacte.

Il réalise des compositions abstraites, des réseaux d’écailles, de cellules  et de spirales de plus en plus cernées de noir à l’image de l’art du vitrail. Il utilise des  rouges plutôt agressifs qui alternent avec des roses et des oranges « sucrés » posés en aplat Il montre des bêtes monstrueuses, des visages, des personnages, plus rarement un bouquet ou un  paysage. Les dessins d’enfants, la préhistoire, l’art africain l’inspirent. Il tire partie du hasard et de l’accident. Tout éveille sa création. Des déchirures, des cassures, des nœuds de planches, des dessins d’enfants. « Nulle forme prévue d’avance, au fur et à mesure de l’exécution je sais où il faut aller » Il réalise des compositions abstraites, des réseaux d’écailles, de cellules  et de spirales de plus en plus cernées de noir à l’image de l’art du vitrail. Il utilise des  rouges plutôt agressifs qui alternent avec des roses et des oranges « sucrés » posés en aplat Il montre des bêtes monstrueuses, des visages, des personnages, plus rarement un bouquet ou un  paysage. Les dessins d’enfants, la préhistoire, l’art africain l’inspirent.

L’œuvre de ce formidable « bricoleur », culmine quelques années avant sa mort avec d’incroyables totems de bois peints qui se dressent vers le ciel.

En 1961, trois ans avant sa mort, la galerie Iris Clert protectrice des « Nouveaux réalistes » lui consacre une exposition.

http://fr.wikipedia.org/wiki/Iris_Clert

C’est à cette époque qu’il réalise des  collages de papier de tapisseries découpés en de vastes compositions avec ou sans personnages.

Ce n’est qu’en 1973 que le Musée National d’Art Moderne de Paris, organise une première exposition de ses œuvres. Il est enfin reconnu comme un artiste à part entière. Ensuite les expositions se succèdent dans les principaux musées Cependant, il reste ignoré sur les bases de données artistiques « Artcyclopedia » et « Olga-AbcGallery »

En 2007, à l’étude de commissaires priseurs Acturial , « le locataire du premier » une huile et assemblage sur bois, de 1956 a atteint la côte de 299.300 €.

Des artistes reconnus comme l’allemand Georg Baselitz et le français Robert Combas revendiquent l’influence de Chaissac dans leur œuvre.

On trouvera d’autres éléments biographiques sur ces sites

http://fr.wikipedia.org/wiki/Gaston_Chaissac

http://www.chaissac.sainteflorence.com/ http://archives.arte.tv/societe/artbrut/ftext/grands2.htm

Et voici quelques exemples de son œuvre :

Gaston Chaissac

Composition à deux personnages sur fond moucheté- Aquarelle- 1942

Gaston Chaissac – sans titre – Huile sur papier – 1944

Gaston Chaissac -Sans titre – Huile sur isorel – 1954

Gaston Chaissac – Sans titre – Gouache – 1961

 

Gaston Chaissac – Le locataire du premier – Huile et assemblage sur bois – 1956

 

Gaston Chaissac – Totem – 1961

Voici d’autres artistes, auxquels on ne s’attend pas forcément, qui ont capté l’environnement industriel de leur temps.

Claude Monet (1840-1926)

http://fr.wikipedia.org/wiki/Claude_Monet

http://www.artcyclopedia.com/artists/monet_claude.html

Gare Saint-Lazare 1877

  Le pont du chemin de fer à Argenteuil  

Constantin Meunier (1831-1905)

 

http://fr.wikipedia.org/wiki/Constantin_Meunier

 

Au pays noir – 1890

Fernand-Anne Piestre, dit Fernand Cormon (1845-1924)http://fr.wikipedia.org/wiki/Fernand_Cormon

 

http://www.artcyclopedia.com/artists/cormon_fernand.html

 La forge – 1893

Lionel Walden (1861-1933) – peintre américain –

 

http://en.wikipedia.org/wiki/Lionel_Walden

Les docks de Cardiff- 1894 

Jacob Abraham Camille Pissarro (1830-1903)http://www.impressionniste.net/pissarro.htmhttp://fr.wikipedia.org/wiki/Camille_Pissarro

 

http://www.artcyclopedia.com/artists/pissarro_camille.html

 Dieppe, bassin Duquesne, marée basse, soleil, matin, 1902 

Maximilien Luce (1858-1941)

 

http://fr.wikipedia.org/wiki/Maximilien_Luce

http://www.artcyclopedia.com/artists/luce_maximilien.html

Les batteurs de pieux 1902

Ce tour d’horizon n’est aucunement exhaustif, on citera Caillebotte et son pont de l’Europe, et bien d’autres artistes.

Il n’a pas fallu attendre le 20 ème siècle pour que les artistes s’intéressent au monde  qui les entoure. Dès le début du 19^ème siècle des artistes sont concernés par la révolution industrielle et au monde industriel qui se développait.  Ils ont peint des forges, des ateliers, des usines, des quais.

 http://fr.wikipedia.org/wiki/R%C3%A9volution_industrielle

Ce sont des grands peintres  reconnus ou d’autres plus modestes. Il s’agit souvent, sauf pour Bonhommé, d’incursions dans ce monde industriel, comme pour Sisley, Renoir et d’autres que l’on connaît plus dans leur approche impressionniste.Pour ne pas allonger démesurément mes billets, je livre le fruit de mes recherches dans 2 articles.  Voici la première partie de ce petit invenrtaire non exhaustif 

Etienne Bouhot (1780-1862)

Vue intérieure d’une forge près de Châtillon-sur-Seine 1823 

 Théodore Chasseriau (1819-1856)

http://fr.wikipedia.org/wiki/Th%C3%A9odore_Chass%C3%A9riau

 Une forge au Creusot 1836 

 François Ignace BONHOMMÉ (1809-1893)

http://www.archivesdefrance.culture.gouv.fr/action-culturelle/celebrations-nationales/2009/arts/ignace-francois-bonhomme

http://www.histoire-image.org/site/etude_comp/etude_comp_detail.php?i=81&d=601

 Abainville (Meuse) -Tôlerie des forges d’Abainville 1838  Auguste Renoir (1841-1919) 

http://fr.wikipedia.org/wiki/Auguste_Renoir

http://www.artcyclopedia.com/artists/renoir_pierre-auguste.html

Chalands sur la Seine 1869 

Alfred Sisley (1839-1899)

http://fr.wikipedia.org/wiki/Alfred_Sisley

http://www.artcyclopedia.com/artists/sisley_alfred.html

  La Forge à Marly le Roi 1875 

Adolph Von Menzel – peintre allemand (1815-1905)

http://fr.wikipedia.org/wiki/Adolph_von_Menzel

Travail en usine 1875

La suite de l’article sera en ligne jeudi 1er octobre