Pendant la Renaissance, le Portugal est un empire florissant grâce aux Grandes Découvertes. Cette prospérité permit aux élites, notamment la noblesse et le clergé, de financer des œuvres d’art, y compris des portraits.

L’art du portrait pendant la Renaissance portugaise est un sujet fascinant qui s’inscrit dans le contexte plus large de l’essor des arts en Europe entre le XVe et le XVIe siècle. Influencée par les courants artistiques italiens et flamands, la peinture portugaise a développé une approche unique du portrait, mêlant tradition gothique tardive et innovations de la Renaissance italienne en matière de perspective et de proportions. Les rois Manuel I (1495-1521) et João III (1521-1557) ont été des mécènes importants

Les artistes mettaient l’accent sur les textures (vêtements, bijoux, ornements), souvent avec une grande finesse. Les portraits de rois, de nobles et de dignitaires religieux reflétaient leur pouvoir et leur piété. Contrairement aux paysages élaborés de la Renaissance italienne, de nombreux portraits portugais privilégiaient un fond sombre ou neutre pour mettre en valeur le sujet.

Les œuvres de l’âge d’or de la Renaissance portugaise étaient mal connues en France. Le Louvre lui a heureusement consacré une exposition en 2022

Parmi les peintres de cette époque il y a eu Nuno Gonçalves =Cristóvão de Figueiredo = Gregório Lopes =Cristóvão Lopes=Jorge Alfonso =Cristóvão de Figueiredo=Francisco Henriques = Grão Vasco = https://fr.wikipedia.org/wiki/Cristavo_de_Morais. Malheureuement beaucoup d’œuvres ont été perdue lors du séisme de Lisbonne en 1755 et le grand incendie du 25 Août 1988.

L’Espagne est également influencée par la Renaissance dans les domaines de la peinture et de l’architecture. Cette période coïncide avec l’expansion du pouvoir des Rois Catholiques et la montée en puissance de la monarchie des Habsbourg avec Charles Quint et Philippe II. L’art est influencé par les échanges culturels avec l’Italie et les Flandres, notamment à travers des artistes espagnols formés en Italie et des peintres étrangers travaillant en Espagne.

Contrairement aux portraits idéalisés de la Renaissance italienne, les artistes espagnols privilégient une représentation fidèle et sobre des traits physiques et de la personnalité du modèle. L’usage du détail minutieux et des jeux de lumière rappelle les œuvres des maîtres flamands.Les portraits espagnols intègrent souvent des éléments religieux ou symboliques, reflétant la forte spiritualité de l’époque. La noblesse et la cour d’Espagne commanditent de nombreux portraits pour affirmer leur pouvoir et leur statut.

Les peintres portraitistes les plus connus sont Fernando Yáñez de la Almedina = Juan de Juanes = Alonso Sánchez Coello: =Le Greco. Il y a eu aussi Pedro Berruguete = Juan Pantoja de la Cruz

La Renaissance allemande se déroule dans un contexte de profondes mutations culturelles et religieuses, avec la Réforme protestante. L’influence des primitifs flamands, avec le souci du détail et le rendu des textures et la perspective et la monumentalité inspirée des portraits italiens.L’art est emprunt d’un réalisme minutieux, son symbolisme subtil et son influence humaniste.

Les artistes cherchent à capturer fidèlement les traits physiques et la personnalité des sujets. Les détails comme les rides, la pilosité et les imperfections sont souvent accentués. Les portraits incluent des éléments allégoriques ou des objets qui reflètent le statut, la profession ou les croyances du modèle avec une une gravité marquée. Outre les portraits individuels, on trouve des diptyques, des portraits en pied et des représentations de mécènes dans des retables religieux.

Les artistes majeurs dominés par Albrecht Dürer sont notamment Hans Holbein le Jeune = Lucas Cranach le jeune = Heinrich Dürer Aldegrever =Hans Baldung Grien = Leonhard Beck = Georg Pencz =Barthel Beham = Sebald Beham =Hans_Burgkmair

La Renaissance hollandaise et flamande s’étend des maniéristes anversois , peintres anonymes du début du 16ème siècle jusqu’aux maniéristes du Nord au début du 17ème siècle. . Le portrait, genre déjà florissant à l’époque de Jan Van Eyck et Rogier van der Weyden, évolue alors sous l’impulsion d’artistes comme Quentin Metsys=Joos van Cleve = Pieter Pourbus et Anthonis Mor, mais aussi Jan van Hemessen, Catharina van Hemessen, Frans Pourbus l’Ancien

Le réalisme est toujours présent mais les artistes flamands adoptent des innovations italiennes, comme le clair-obscur et la perspective atmosphérique. Les portraits de cette époque cherchent à mieux capturer la psychologie du modèle. On passe d’une représentation hiératique et symbolique à une mise en scène plus naturelle.L’influence italienne popularise le portrait de trois-quarts, plus dynamique que le portrait de profil hérité des traditions médiévales. L’arrière-plan est parfois neutre ou paysager, créant une atmosphère plus intime.

Avec la montée des Habsbourg et le rôle croissant des élites bourgeoises, les portraits deviennent des symboles de statut social.Les vêtements luxueux, les bijoux et les attributs de pouvoir sont soigneusement détaillés.

La Renaissance anglaise influencée par l’Italie s’étend de la fin du XV^e siècle au début du XVII° siècle. Elle fait suite à la Réforme anglaise qui a entrainé une vague iconoclaste (1530-1540) La quasi-totalité de l’art religieux médiéval. va être détruit. Ce sera le sort de la tombe et les reliques de Thomas Becket.

A cette période peu favorable aux arts visuels va débuter la Dynastie des Tudor fondée par Henr iVII qui règne de 1485 à 1509.Et alors promut la nouvelle peinture anglaise. Celle-ci va alors être dominée par le portrait et notamment le portrait miniature et plus tard par le paysage. La Cour va attirer des artistes venus notamment de Flandres. Parmi eux, il y avait Hans Holbein le Jeune = Levina Teerlinc = John Bettes =Hans Eworth, Marcus Gheeraerts le Jeune = Nicholas Hilliard = John de Critz =John Peake = Isaac Oliver.

Les artistes anglais, bien que formés à l’extérieur du pays, sont profondément influencés par la nécessité de représenter la noblesse dans un cadre spécifiquement anglais. Les portraits de la période Tudor sont souvent réalisés à l’huile, une technique importée d’Italie, qui permet une grande finesse de détails et une palette de couleurs plus riche.

Les portraits étaient souvent réalisés pour être accrochés dans les salles d’apparat, servant de référence visuelle et de marqueur de statut social. Il était également courant qu’un même portrait soit reproduit à plusieurs exemplaires, permettant à un individu de diffuser son image dans des contextes variés, notamment dans les maisons de famille ou les ambassades. Ils se concentrent sur des éléments spécifiques : l’habillement, les bijoux et la posture. Ces détails sont chargés de significations sociales et symboliques, et chaque portrait était une sorte de narration visuelle de la vie et du statut du sujet.Au-delà des portraits royaux, l’art du portrait de la Renaissance anglaise s’étend également aux membres de la noblesse et aux personnes de statut élevé.

La Renaissance française (XVe et XVIe siècle) est influencée par l’art italien, notamment grâce aux guerres d’Italie menées par Charles VIII et de François 1er. C’est à ce dernier que l’on doit la création de l’ École de Fontainebleau.On distingue la 1ère et la 2ème école. Il invite à la Cour des artistes italiens comme Rosso Fiorentino , le Primatice , Niccolò dell’Abate , Luca Penni, mais aussi Léonard de Vinci qu’il installe au Clos Lucé.

.Le portrait, qui gagne en popularité, devient un outil puissant d’affirmation du statut social, politique et intellectuel. Il répond à une nouvelle perception de l’individu et à un intérêt pour le réalisme et la représentation fidèle des traits. Les artistes cherchent à capter les expressions et les détails physiques avec précision.

L’usage de la perspective et du clair-obscur confère un volume plus réaliste aux visages.Ils peignent à l’huile sur bois ou sur toile avec des dégradés subtils et une grande richesse chromatique. Les portraits ne sont pas de simples représentations physiques : ils mettent en avant la richesse, la noblesse et le pouvoir des sujets à travers des détails vestimentaires, des armoiries et des accessoires symboliques.

Parmi les peintres de la Renaissance française il y avait notamment Antoine Caron= François Clouet =Jean Clouet =Jean Cousin l’Ancien =Jean Cousin le Jeune =Nicolas Dipre ==Ambroise_Dubois =Benjamin Foulon = Jean de Gourmont

La Haute renaissance se situe en Italie pendant le Cinquecento, dans la continuité de la Première Renaissance. Cette période est marquée par une effervescence artistique en Italie, particulièrement à Florence, Rome et Venise. Les artistes cherchent à atteindre une combinaison idéale de beauté, de naturalisme et d’humanisme, influencés par les idées de l’Antiquité classique.

Comme leurs prédécesseurs du Quattrocento, les artistes de la Haute Renaissance cherchent à représenter les sujets de manière réaliste, en capturant les traits individuels et l’expression psychologique des personnages. Cependant ils ont tendance à idéaliser leurs sujets pour exprimer des valeurs esthétiques et morales. Les portraits cherchent souvent à montrer les individus sous leur meilleur jour, reflétant leur statut social et leur vertu.

Les principaux artistes sont notamment Donato Bramante = Léonard de Vinci = Michel-Ange = Raphaël = Le Titien = Giovanni Savoldo = Lorenzo Lotto = Dosso Dossi . Beaucoup d’autres peintres appartiennent à cette période

L’art du Quattrocento, ou XVe siècle italien, marque une période de transition et d’innovation dans l’histoire de l’art. Ce siècle est souvent considéré comme le début de la Renaissance italienne, et plus spécifiquement la Première renaissance. C’est une époque où les artistes ont redécouvert et réinterprété les idéaux de l’art classique de la Grèce et de la Rome antiques.

Les artistes du Quattrocento ont cherché à représenter le monde de manière plus réaliste. Ils ont étudié l’anatomie humaine, la perspective et la lumière pour créer des œuvres plus fidèles à la réalité. L’invention de la perspective linéaire a permis aux artistes de créer un espace tridimensionnel sur une surface plane.

Les portraits du Quattrocento ne se contentent pas de représenter l’apparence physique des modèles, mais cherchent également à révéler leur personnalité et leur caractère intérieur. Les regards, les postures et les expressions faciales jouent un rôle crucial dans cette dimension psychologique. Ils incluent souvent des éléments symboliques qui reflètent le statut social, la profession ou les valeurs du modèle.
Les artistes se sont inspirés des modèles classiques pour leurs compositions, leurs proportions et leurs thèmes. Ils ont redécouvert les œuvres de l’Antiquité et les ont intégrées dans leur propre travail.

Parmi les peintres notable de cette période il y a eu notamment Filippo Brunelleschi = Leon Battista Alberti. Masaccio = =Piero della Francesca= Sandro Botticelli =Leonardo da Vinci et bien d’autres, mais pas tous portraitistes.

Les Primitifs flamands sont un groupe de peintres actifs entre le XIVe et le XVIe siècle dans les régions correspondant aujourd’hui à la Belgique, aux Pays-Bas et au nord de la France. Ils ont révolutionné l’art du portrait en introduisant des techniques novatrices et en accordant une importance particulière au naturalisme et au détail. Les historiens parlent aussi de Renaissance flamande.

L’une des principales innovations des Primitifs flamands dans l’art du portrait réside dans leur souci du réalisme. Contrairement aux portraits médiévaux, souvent stylisés les peintres flamands cherchent à représenter fidèlement les traits de leur modèle, Ils utilisent la peinture à l’huile pour obtenir des dégradés subtils de couleurs et une illusion de volume et de profondeur.

Ces artistes sont renommés pour leur minutie dans le rendu des tissus, des bijoux et des reflets lumineux. De plus ils introduisent dans leurs portraits une nouvelle dimension psychologique souvent marquée par une expression sobre et une pose naturelle.

Les fonds des portraits flamands sont généralement sombres ou neutres, mettant ainsi en valeur le sujet et accentuant l’effet de tridimensionnalité. La lumière joue également un rôle essentiel : elle modèle le visage avec douceur, en créant des jeux d’ombres et de lumière qui renforcent l’effet de naturalisme.

Parmi les artistes les plus célèbres de cette école figurent notamment Jan van Eyck = Rogier van der Weyden =Hans Memling.= Robert Campin =Jérôme Bosch = Petrus Christus = Gerard Horenbout = Jacob Jordaens = Barthélemy d’Eyck

L’art du portrait au Moyen Âge reflète l’évolution des mentalités, des techniques artistiques et des fonctions de la représentation individuelle. Contrairement à l’époque moderne, où le portrait met en avant l’individualité et l’expression personnelle, le portrait médiéval répondait principalement à des objectifs religieux, politiques et symboliques.

Durant le Moyen Âge, ou Middle ages chez les britanniques, l’art est majoritairement tourné vers la religion. Les portraits sont souvent intégrés dans des œuvres religieuses, comme les retables ou les enluminures de manuscrits. Les donateurs (rois, nobles, ecclésiastiques) sont représentés en position de prière, généralement à côté de figures saintes ou du Christ, afin de montrer leur dévotion et leur lien avec le divin.

Les portraits servent aussi à affirmer le pouvoir et la légitimité des souverains et des grands seigneurs. On retrouve ainsi des représentations de rois et d’empereurs dans des fresques, des sculptures ou des vitraux. Ces images ne cherchent pas tant à être fidèles aux traits du modèle qu’à incarner son autorité et son rôle institutionnel.

Enfin, les portraits funéraires sculptés permettent de perpétuer le souvenir des défunts. Ces effigies, sculptées sur les gisants des tombeaux, montrent souvent le personnage dans une posture de recueillement, soulignant sa piété et son statut social.

Les portraits médiévaux sont souvent stylisés et idéalisés. L’accent est mis sur les attributs religieux et les signes distinctifs du rang social plutôt que sur l’individualité du modèle. L’art du portrait au Moyen Âge se développe d’abord dans l’enluminure et la mosaïque. Ces œuvres privilégient une représentation frontale et hiératique, souvent inspirée de l’iconographie byzantine.

À partir du XIIIe siècle, notamment avec l’essor du gothique, on observe une évolution vers un plus grand réalisme dans les portraits, notamment grâce aux progrès techniques de la peinture et de la sculpture. Les artistes commencent à accorder plus d’attention aux détails des visages et des expressions.

Les principaux peintres du moyen age et de la pré-Renaissance. sont notamment, Giotto di Bondone = André Beauveveu = Taddeo Gaddi = Piettro Cavallini = Cimadue = Jean Pucelle = Pietro Lorenzetti = Colart de Laon =Jan van Eyck = Duccio di Buoninsegna = Giovanni Baronzio = Ambrogio Lorrenzetti

L’art du portrait en Chine impériale (-221 av. JC à 1912) est un domaine riche et complexe, reflétant à la fois les valeurs culturelles, les croyances spirituelles et les structures sociales des différentes époques.

Contrairement à la tradition occidentale, où le portrait vise souvent à capturer la ressemblance physique et la personnalité individuelle, le portrait chinois ancien était davantage axé sur la représentation du statut social, de la vertu morale et de l’harmonie avec l’univers. Ils mettaient l’accent sur des attributs symboliques, comme les vêtements, les postures, les objets. Ils sont fréquemment accompagnés de textes calligraphiés de poèmes, de maximes, de commentaires sur le sujet. Les artistes utilisaient principalement l’encre et le pinceau sur soie ou papier., dans des nuances subtiles.

Pendant la Dynastie Han (206 av. J.-C. – 220 ap. J.-C.), les premiers portraits chinois apparaissent sous la forme de peintures murales dans les tombes, représentant des figures importantes comme des empereurs, des fonctionnaires ou des divinités. Ces œuvres avaient une fonction funéraire et spirituelle, accompagnant les défunts dans l’au-delà. Les portraits au fil des période vont s’intégrer dans des paysages ou des décors naturels, reflétant la philosophie taoïste et confucéenne de l’harmonie entre l’homme et l’univers.

Sous la Dynastie Tang (618–907) l’art du portrait se développe considérablement. Les peintures deviennent plus réalistes et détaillées, reflétant l’influence des échanges culturels avec l’Asie centrale et l’Inde. Les portraits impériaux et ceux des nobles gagnent en sophistication.

La période de la Dynastie Song (960–1279) marque l’apogée de la peinture chinoise. Les portraits deviennent plus expressifs et psychologiques, tout en conservant une dimension symbolique. Les artistes cherchent à capturer l’essence spirituelle du sujet plutôt que sa simple apparence physique.

Sous les Dynasties Ming (1368–1644) et Qing (1644–1912) Le portrait devient plus accessible, représentant non seulement l’élite mais aussi des figures religieuses, des lettrés et des membres de la bourgeoisie. Les techniques s’affinent, avec une attention accrue aux détails et aux textures.

Les empereurs étaient souvent représentés dans des poses majestueuses, symbolisant leur autorité divine et leur rôle de médiateur entre le ciel et la terre.Les figures bouddhistes et taoïstes étaient peintes pour inspirer la dévotion et transmettre des enseignements spirituels. Les portraits des lettrés et des artistes étaient souvent représentés dans des scènes de contemplation ou de création, reflétant leur quête de sagesse et d’harmonie. Enfin, les portraits funéraires servent le défunt dans l’au-delà, en préservant son image et son essence spirituelle.

Parmi les portraitistes anciens l’on peut citer Gu Kaizhi (344–406) = Yan Liben (600–673)= Zhou Fang (730–800) = , Yun Shouping

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Les portraits du Fayoum appartiennent à la période dit de Égypte romaine (30 av. JC à 641 ap.JC) alors de le royaume lagide est annexé par Rome. Le nom de Fayoum correspond à une région de l’Égypte. Les portraits du Fayoum sont des peintures funéraires réalisés du vivant de leurs modèles pour les accompagner dans l’au-delà, Les portraits du Fayoum perpétuent la tradition des rites funéraires égyptiens tout en s’inscrivant dans l’héritage pictural grec de l’école d’Alexandrie.
Ce sont plus de mille portraits qui ont été découvert dans l’Oasis du Fayoum à la fin du 19ème siècle. On doit au Docteur Daniel-Marie Fouquet, collectionneur d’avoir fait connaitre des portraits. (+)

Ces portraits étaient placés sur les momies, recouvrant le visage du défunt. Ils avaient pour but de préserver l’apparence du défunt dans l’au-delà, selon les croyances égyptiennes. Les portraits étaient peints sur des panneaux de bois ou directement sur des toiles. La peinture à base de pigments mélangés à de la cire chaude, permettant une grande vivacité des couleurs. Et aussi utilisé la technique de la détrempe.

Il s’agit de portraits réalistes avec des détails minutieux dans les traits du visage, les vêtements et les bijoux. Les compositions sont idéalisées et les couleurs symboliques montrent l’héritage égyptien mais aussi les traditions grecques. Les visages sont souvent sérieux et expressifs, avec des regards intenses et pénétrants.

Grâce au climat aride de l’Égypte, de nombreux portraits ont été bien préservés, offrant une rare fenêtre sur l’art du portrait antique. Ils sont considérés comme des précurseurs de l’art du portrait dans l’histoire de l’art occidental.

Les Étrusques et l’art du portrait

Les Étrusques, peuple de l’Italie antique, ont prospéré entre le VIIIᵉ et le IIIᵉ siècle avant J.-C., principalement dans la région de l’actuelle Toscane. Leur civilisation, influencée par les Grecs et les peuples italiques, a laissé un riche héritage artistique et culturel, notamment dans le domaine du portrait.

Les Étrusques accordaient une grande importance aux rituels funéraires, ce qui se reflète dans leurs œuvres artistiques. Les tombes étrusques étaient ornées de fresques, de sculptures et d’objets destinés à accompagner les défunts dans l’au-delà. L’art servait non seulement à honorer les morts, mais aussi à immortaliser leur image et leur statut social.

Contrairement aux Grecs, qui privilégiaient des représentations idéalisées, les Étrusques optaient pour un style plus réaliste dans leurs portraits. Cette tendance est particulièrement visible dans les sarcophages et les urnes funéraires, où les visages des défunts sont souvent sculptés avec soin. Les traits individuels, comme les rides, les expressions et la morphologie, étaient reproduits pour refléter la personnalité et l’apparence du défunt.

Un exemple emblématique est le Sarcophage des Époux, une sculpture en terre cuite datant du VIᵉ siècle avant J.-C. Ce sarcophage représente un couple allongé sur un lit de banquet, leurs visages exprimant une sérénité et une humanité touchantes. Ces portraits témoignent de l’importance des liens familiaux et de la convivialité dans la culture étrusque.

Le portrait dans la Rome antique

Le portrait dans la Rome antique est une forme d’art particulièrement importante, révélant des aspects sociaux, politiques et culturels de cette civilisation. Héritier des traditions étrusques et influencé par l’art grec, le portrait romain se distingue par son réalisme et sa fonction sociale.

Pendant la période dite royale (753-509 av JC)mal connue, l’on ne trouve pas de portraits. Il faut attendre la République (509-27 av. J.-C.) où les portraits sont marqués par un souci de réalisme, appelé vérisme, à ne pas confondre avec le mouvement italien de la fin du 19ème siècle. Les traits du visage, tels que les rides, les cicatrices ou les asymétries, sont minutieusement reproduits pour refléter la personnalité, l’âge et l’expérience de la personne représentée. Cela souligne la vertu romaine de la gravitas (dignité et sérieux).

Les portraits servaient à glorifier les individus, en particulier les magistrats, sénateurs et empereurs. Ils étaient souvent utilisés pour exprimer l’autorité, la légitimité politique et la continuité dynastique. Les statues ou bustes étaient placés dans des lieux publics comme les forums ou dans des demeures privées pour rappeler les accomplissements de leurs propriétaires.

Sous la République il y une prédominance du vérisme, avec des portraits de citoyens ordinaires et de dirigeants valorisant l’austérité et l’expérience.

Sous Auguste, l’idéalisation s’intensifie, influencée par l’art grec. Les portraits impériaux combinent réalisme et idéalisation pour renforcer le caractère divin ou héroïque de l’empereur. Puis less portraits deviennent plus stylisés, avec une accentuation des symboles religieux et abstraits, annonçant l’art paléochrétien. A l »époque impériale.Les portraits étaient réalisés en divers matériaux : marbre, bronze, ivoire ou fresques. Les bustes étaient particulièrement populaires, mais on trouve aussi des statues en pied ou équestres.

Dans l’Antiquité grecque, le portrait occupe une place particulière, reflétant les valeurs sociales, politiques et esthétiques de la société. Contrairement à l’idée moderne d’un portrait visant à représenter fidèlement l’apparence individuelle d’une personne, les portraits grecs anciens avaient souvent une dimension idéalisée et symbolique.

Les premiers exemples de portraits grecs apparaissent à l‘époque archaïque (VIIe – VIe siècles av. J.-C.), où les statues dites kouroi et korai représentaient des figures idéalisées, souvent destinées à honorer des dieux ou des défunts. Ces sculptures ne cherchaient pas à capturer les traits spécifiques d’une personne, mais à incarner des idéaux de beauté et de jeunesse.

À l’époque classique (Ve – IVe siècles av. J.-C.), sous l’influence de sculpteurs tels que Phidias et Polyclète, les portraits commencent à intégrer des caractéristiques plus individualisées, bien que l’idéalisation reste dominante. Les héros, philosophes et dirigeants étaient souvent représentés dans des poses majestueuses, mettant en avant leur excellence morale et intellectuelle plutôt que leur apparence physique exacte.

C’est à l’époque hellénistique. (IVe – Ier siècles av. J.-C.) que le portrait réaliste prend son essor. Influencés par les bouleversements politiques et sociaux, les artistes commencent à s’intéresser davantage aux traits individuels et à l’expression des émotions. Les portraits de cette période, tels que ceux des rois comme Alexandre le Grand, mêlent réalisme et idéalisation, montrant à la fois la grandeur et la vulnérabilité humaine.

Le portrait et le visage occupaient une place essentielle dans l’art de l’Égypte ancienne, où ils servaient à immortaliser l’identité et le statut des individus. Les Égyptiens ne cherchaient pas à représenter un visage réaliste, mais plutôt une image idéalisée qui reflétait l’éternité et la perfection. Les traits du visage étaient souvent stylisés et symboliques, mettant en avant la jeunesse, la sérénité et la dignité. Les pharaons et les nobles étaient représentés avec des expressions calmes et intemporelles, souvent accompagnées d’insignes de pouvoir.

Ces portraits, sculptés ou peints, étaient destinés à garantir l’immortalité de l’âme dans l’au-delà, en servant de support à l’esprit du défunt (le « ka »). Ainsi, le visage dans l’art égyptien transcende la simple représentation physique pour devenir un symbole de vie éternelle. . En voici quelques exemples. Bien entendu, le plus souvent l’on ne connait pas le nom de l’artiste.