Mathurin Méheut en 1950

Mathurin Méheut (1882-1958) est un peintre, dessinateur, graveur, fresquiste, céramiste et  . . . aquarelliste français, né en Bretagne à Lamballe. Il est réputé pour ses  représentations des scènes bretonnes, des vieux métiers, de la mer et la nature.

Contre l’avis de ses parents qui l’avaient mis en apprentissage chez un peintre en bâtiment il entre à 16 ans à l’Ecole des Beaux-Arts de Rennes. Un fois diplômé,  il suit, à Paris,  les cours de l’ Ecole des Arts décoratifs. A sa sortie, il  collabore avec la Station de biologie marine de Roscoff.

Il entreprend grâce à une bourse de la fondation Albert Kahn, un voyage au Japon, qui sera interrompu par la première guerre mondiale. Il part au front et exécute de nombreux croquis et dessins sur la vie des tranchées. Cf.« Mathurin-Méheut 1914-1918 Des ennemis si proches »

A la fin de la guerre il enseigne à l’Ecole des Beaux-Arts de Rennes. Il y formera de nombreux artistes et notamment  Joseph Archepel vitrailliste, Frédéric Back cinéaste, Jeanne Baglin aquarelliste, Geoffroy Dauvergne fresquiste, Roland Guillaumel sculpteur, Roger Marage peintre et graveur.

Il a participé à la décoration de paquebots comme le  Normandie. Il a été directeur artistique de la faïencerie Henriot. Il réalise aussi des décors pour Villeroy & Boch et la Manufacture de Sèvres. Il a été nommé  Peintre officiel de la Marine en 1921. Il a illustré des livres  d’écrivains célèbres  ou personnels comme La plante exotique. Il peint, assisté par Yvonne Jean Haffen 25 fresques qui décoreront, à partir de 1948, l’Institut de géologie de Rennes

Un musée lui est consacré à Lamballe, sa ville natale.

 

A noter qu’à l’issue d’un long procès, il a du se séparer en 2008 de  la moitié des 10.000 oeuvres au profit de ses héritiers. Coïncidence, les Editions Ouest-France ont publié en 2010 «Regards sur Mathurin Méheut en 100 oeuvres» par Patrick Jude, son petit fils.

Ses œuvres lors d’une vente en 2008 et d’ enchères à  Brest en 2010 ont bénéficié d’une cote notable. La rétrospective prévue en 2013 au Musée de la Marine à Paris devrait à mon avis le faire sortir de son statut de peintre régional.

Voir aussi les expositions de cet été

A consulter, une biographie par Damien Jullemier, des œuvres sur les site de la galerie vue sur mer , de l’étude Thierry Lannon et d’un collectionneur privé et à voir plusieurs vidéos n°1  n°2  n°3 n° 4 Voici une sélection de quelques œuvres

Mathurin Méheut – L’heure du thé

Mathurin Méheut  – Temple shintoiste

Mathurin Méheut – Trois fillettes

Mathurin Méheut – Oie en vol -Etude

Mathurin Méheut – Poilu au repos

Mathurin Méheut – Exécution capitale – 1915

Mathurin Méheut – La lettre

Mathurin Méheut – Procession aux Saintes-Marie de la Mer

Mathurin Méheut -Labours

Mathurin Méheut – Départ vers le large

Mathurin Méheut – Les charpentiers de marine

Mathurin Méheut – Cotriade et filets bleus – Huile sur toile

Mathurin Méheut -Danseuse et biches sacrées Nara – Fresque sur bois – Caséine

Mathurin Méheut – Pintade et pintadeaux

Mathurin Méheut – Poisson se faisant manger par des crabes

Dessin au crayon graphite

Mathurin Méheut – L’arrestation de Raboliot –  Illustration du roman de Maurice Genevoix

Mathurin Méheut – Procession à Locronan – Les tambours

Roman Opalka

Roman Opalka au Jeu de Pomme

Le peintre franco-polonais Roman Opalka (1931-2011) qui allait avoir 80 ans est décédé en ce début du mois d’Août, en Italie où il était en vacances.

Le peintre est né en France, à Hocquincourt dans le département de la Somme. En 1935 ses parents décident de rentrer en Pologne. Il suit l’enseignement de l’ Académie des Beaux-Arts de Varsovie. Puis il est enseigne l’art à la Maison de la Culture de Varsovie. Il est aussi professeur invité à Kunst Akademie de Dusseldorf et à Summer Academy de Salzbourg.  Il s’installe en 1975 dans le Lot et Garonne.

C’est en 1965, qu’il trouve son « projet de vie : 1965/1 à l’infini » Il entend matérialiser par la peinture le passage du temps. Sur ces toiles au format 196 cm x 135 cm en blanc sur fonds noir, il peint sans relâche en partant du haut à gauche les nombres dans l’ordre croissant, à raison de 380  nombres par jour.

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Lorsqu’il a atteint le nombre 1.000.000 il a décidé d’introduire 1 % de blanc de zinc dans le noir de ses fonds. Les chiffres sont quant à eux, peints en blanc de titane. Puis il se fait photographier, de face, dos à la toile qu’il vient de peindre, en tenue blanche, avec au fil du temps sa chevelure qui blanchit. Il a ainsi réalisé des centaines d’ autoportraits

Il exposait régulièrement partout dans le monde et ses œuvres figuraient dans de nombreuses collections et musées. Il avait reçu plusieurs prix et était commandeur dans l’Ordre des Arts & Lettres

Actuellement et jusqu’au 2 octobre,  on peut voir  l’exposition le vertige de l’infini à Thonon-les-Bains à la Thonon les Bains à la Chapelle de la Visitation.

Voici deux spécimens de son « histoire de chiffres ». Il fallait y penser mais . . . .on en pense ce que l’on veut. De mon point de vue, ce qui est intéressant c’est le concept, l’approche que l’on peut qualifier de réflexion philosophique, sur le temps qui s’écoule inéluctablement

Pour le reste, les critiques ne tarissent pas d’éloge . . . alors!

Romain Opalka

Roman Opalka

Cy Twombly par Sankei Shimbum C° Ltd

Cedwin Parker (Cy) Twombly Jr. Peintre, dessinateur, sculpteur et photographe américain né à Lexington en Virginie en 1928 vient de mourir en Italie où il résidait depuis cinquante ans.

Il est initié au dessin et à la peinture par le peintre espagnol Pierre Daura. Il s’inscrit à la  Darlington School puis au Museum of Fine Arts Boston et enfin Art Students League of New York et au Black Mountain College où il côtoie  les peintres Franz Kline, Robert Motherwell, Ben Shahn, le musicien et peintre John Cage et   Merce Cunningham le chorégraphe

Il voyage en Europe puis après son service militaire il travaille à New York et devient l’ami de Jasper Johns. En 1959, il s’installe en Italie.

Il participe en 1964 à la Biennale de Venise. A partir des années 1980 il expose un peu partout dans le monde, au Kunsthaus Zürick, au , Musée national d’art moderne de Paris, au Moma, à la Menil Collection ou encore à la Neue Pinakothek de Munich

Dans les années 2000 il expose la  série Lepanto à la Gagosian Gallery qui sera ensuite installée de façon définitive au Museum Brandhorst (vidéo)

En 2004, le Centre Pompidou a présenté Cinquante années de dessins. Voici un extrait du dossier de presse qui situe l’œuvre sur papier de Cy Twombly

« Les dessins des années 60 comportent un éclatement de la matière, qui se manifeste par l’usage intensif des crayons de couleur ainsi que du pastel, et par une surface saturée de graffitis et de chiffres. Entre écriture spontanée et contrôle absolu des moyens, le langage pictural de cette décennie trouve son ultime expression dans le cycle de Bolsena, qui comprend des dessins de grands formats, où les graffitis cèdent la place à une prolifération de formes géométriques. Ces oeuvres annoncent les dessins très dépouillés de la décennie suivante.

Au courant des années 70, Twombly accorde une place privilégiée à la technique du collage, où se succèdent des séries qui déclinent, jusqu’à épuisement, un même motif. Un ensemble de collages est consacré aux artistes et aux écrivains, qu’il admire, dont Malevitch et Tatline. Un autre groupe de collages explore la feuille de ficus.Twombly produit, ensuite, des collages et des dessins de très grands formats, dédiés à la mythologie gréco-latine, dont se nourrit son oeuvre depuis la fin des années 50. On y retrouve, parmi d’autres divinités, Pan, Vénus, Apollon, Mars ou Orphée.

Les oeuvres sur papier des années 80 se distinguent par un retour violent à la couleur. Le recours à la peinture au même titre que le crayon ou le pastel, s’intensifie au début des années 90, et connaît son apogée dans une série de dessins datés de 2001. Ces derniers, aux dimensions monumentales, sont des œuvres à part entière, qui dans une explosion de couleur, réunissent écriture, dessin et peinture. Ces œuvres, par lesquelles l’artiste brise le traditionnel cloisonnement entre peinture et dessin, constituent un sommet inédit de l’art de Twombly. »

La Tate Modern a présenté « Cycles & Seasons » et encore au Guggenheim Bilbao. Le musée du Louvre lui a confié la décoration du plafond de la Salle des  bronzes (The ceiling). Enfin cet été la  Collection Lambert présente une exposition de photographes « Le temps retrouvé » dont il était l’invité d’honneur.

Ses œuvres bénéficient d’une Cote très importante. Il faut encore évoquer l’affaire du baiser lors de l’exposition Blooming en 2007.

Il est difficile pour l’honnête homme d’analyser et de commenter l’œuvre de ce grand artiste, qui semble se rattacher ni à une école, ni à un mouvement. Elle est faite de pictogrammes, de traces, de chiffres, de mots, de couleurs, de griffonnages, est , sous l’apparente impulsivité, complexe. L’artiste multiplie, signe de sa grande culture les références mythologiques, symboliques et historiques. Richard Leeman donne des clés pour déchiffrer l’œuvre dans Cy Twombly . Peindre, dessiner, écrire. Eric Mézin, le responsable de la collection Lambert, a dit « qu’il  était au niveau de matisse. Le Moderna Museet de Stockholm présente à l’automne prochain en collaboration avec la Staatsgalerie Stuttgart et la Tate Liverpool une exposition intitulée « JMW Turner, Claude Monet et Cy Twombly »  En introduction il est affirmé que « ce sont trois des plus grands peintres de ces 150 dernières années »

On trouve des informations intéressantes sur le blog de l’écrivain Philippe Sollers ainsi que sur le site qui lui est consacré.  Voici une courte sélection d’images de ses œuvres sur papier

Cy Twombly – Untitled -graphite,  crayon à la cire, crayon de couleur papier

Cy Trombly – Souvenir de l’ile des Saintes – Aquarelles

Cy Twombly – Sans titre

Cy Twombly – Sans titre

Cy Twombly – Blooming –

Cy Twombly – Exquise pour Ceiling -Acrylique sur papier

Cy Twombly – Sans titre – 1986 – crayon gras, huile et aquarelle sur papier

L’œuvre de l’aquarelliste vendéen Maurice Fillonneau (1930-2000) n’était totalement inconnue. Cet artiste avait été dessinateur de mode avant de reprendre l’entreprise familiale. En 1976, il décide de se consacrer entièrement à son activité artistique. Aquarelliste autodidacte il travaillait en technique mouillée. Une exposition lui a été consacrée l’an dernier à Saint-Jean-de-Monts. Il peignait la vie, la musique, la femme, les voyages, la vitesse. Il avait exposé aux Etats-Unis et au Japon

En dehors du reportage de l’exposition ci-dessus, l’on trouve peu d’images des ses aquarelles sur Internet.

Maurice Fillonneau – Pluie Place Saint-Marc – Aquarelle

Maurice Fillonneau – Gondolier – Aquarelle

Maurice Fillonneau – Swing – Lithographie

 

 

Edouard Manet – Portrait photographique

Edouard Manet (1832-1883) est un peintre français né à Paris. Son père, haut magistrat, le destine à une carrière juridique. Mais il fait de piètres études, crayonnant déjà des caricatures,  comme le révèlera Antonin_Proust son ami d’enfance.

 A 16 ans passe concours de l’Ecole Navale qu’il rate Il s’embarque comme «pilotin » sur le « Havre et Guadeloupe », un navire école en partance pour Rio de Janeiro. Il réalisera de nombreux dessins.

Quelques mois plus tard,  rentré à Paris, il entre dans l’atelier du peintre académique Thomas Couture  où il restera pendant six ans. La façon de peintre de l’élève ne plait pas au maître qui pense qu’il ne sera qu’un « Daumier de son temps » Il le quitte et partage l’atelier du peintre animalier Albert de Balleroy.

 Il voyage en Hollande où il admire Frans Hals, puis en Autriche, en Italie et plus tard en Espagne où il découvre les œuvres de Diego Vélasquez et de Francisco de Goya. Il peint d’abord des portraits et des scènes de genre d’inspiration espagnole.

En 1863,  « Le déjeuner sur l’herbe » qu’il présente au Salon des refusés suscite de violentes critiques comme celle d’Ernest_Chesneau. Le peintre s’exprime dans des formes brutales et des couleurs chatoyantes qui rompent avec la technique traditionnelle. Un autre critique dit que « Manet aura du talent le jour où il saura le dessin et la perspective » Il est au centre d’une polémique entre les tenants de l’art académique et les jeunes peintres de l’avant-garde. Par la suite le Salon officiel acceptera ses œuvres qui encore contestées, comme en 1865, sa célèbre Olympia qui est considérée comme l’œuvre de la rupture avec le classicisme. Son ami Charles Baudelaire, avec qui il participe à la vie mondaine, le soutien, face aux critiques. Plus tard dans sa vie, il sera aussi l’ami de Stéphane Mallarmé.

Un jeune journaliste l’éreinte dans le Figaro. C’est Emile Zola qui deviendra son ami et son ardent défenseur. Les peintres impressionnistes, dont il ne fait pas partie sont aussi ces proches. En premier Claude Monet, mais aussi Edgar Degas Auguste Renoir, Alfred Sisley –Camille Pissarro et Paul Cézanne qui subissent son influence. A leur contact il sort « peindre sur le motif » en plein air. Il n’exposera jamais avec ses amis, mais restera fidèle au Salon où sa notoriété s’affirmera d’année en année. L’année avant sa mort, en 1882, il présenter « Un bar aux Folies Bergères »

Il fut le mentor de Berthe Morisot peintre impressionniste qui épousa son frère Eugène en 1874. Lui-même  grand amateur de femmes, comme Ellen_Andrée ou Henriette Hauser et  « très proche » de son modèle fétiche Victorine_Meurent s’était marié en 1863 avec sa maîtresse Suzanne_Leenhoff une hollandaise dont il eut un Léon qu’il éleva comme son fils mais n’a pas reconnu.

Manet a laissé plus de quatre cents peintures à l’huile, des pastels et de nombreuses aquarelles.

Quelques expositions récentes ont été consacrées à Manet, comme en 2003 au Metropolitan museum of art « Manet/Velázquez: The French Taste for Spanish Painting » et en 2010 à Tokyo au Mitsubishi Ichogokan Museum « Manet et le Paris moderne »

L’autoportrait d’ Edouard Manet peint en 1878-1879 a atteint chez Sotheby’s London en juin 2010, une  enchère record.Il a été adjugé pour 33,1 millions de dollars, soit environ 27 millions d’euros.

On trouvera d’autres informations ou des images des œuvres de Manet sur un certain nombre de sites comme impressionniste.net –Edouard Manet.com – Eternels éclairs  Et aussi une série de vidéos 1/3 – 2/3 – 3/3

Voici une sélection de quelques œuvres de Manet

Edouard Manet – Le buveur d’absinthe – 1858

Edouard Manet – Monsieur et Madame Auguste Manet -1860

Edouard Manet – Jeune homme en costume de Majo – 1861

Edouard Manet- La musique aux Tuileries 1862

Edouard Manet – Le déjeuner sur l’herbe – 1863

Edouard Manet – Olympia – 1863

Edouard Manet – L’homme mort – 1865

Edouard Manet – Le joueur de fifre – 1866

Edouard Manet – Course à Lonchamp – 1867

Edouard Manet – Portrait dans l’atelier – 1868

Edouard Manet – Le  balcon – 1869

Edouard Manet – Berthe Morisot – 1873 – Aquarelle

Edouard Manet – Argenteuil – 1874

Edouard Manet  – La Rue Mosnier aux drapeaux – 1878

Edouard Manet – Autoportrait à la palette – 1879

Edouard Manet – Jeune fille dans le jardin – 1880

Edouard Manet – Portrait de M. Pertuiset, le chasseur de lions – 1880

Edouard Manet – Bar aux Folies Bergères – 1882

 

Odilon Redon

  Odilon Redon né Bertrand-Jean (1840-1916) est un peintre et graveur français né à Bordeaux. Il montre très jeune des dispositions pour le dessin. Il reçoit des leçons de dessin et d’aquarelle de Stanislas Gorin .Il entre dans l’atelier de  Jean-Léon Gérôme avec qui il s’entend mal. Il se forme à la gravure auprès de Rodolphe Bresdin. Au sortir de la guerre de 1870 il s’installe à Montparnasse. Il côtoie les peintres Henri Fantin-Latour et Paul Chenavard et le compositeur Ernest Chausson. Il étudie la forêt à Barbizon. C’est Joris-Karl Huysman (1848-1907)  qui l’a révélé au public en le présentant dans l’un des ses ouvrages. Redon a d’abord utilisé le fusain et la gravure puis dans les années 1890. Il adopte l’huile et le pastel. Il expose avec les Nabis à la galerie Durand Ruel, participe à Bruxelles à la Libre esthétique . Le Salon d’Automne lui consacre une salle où une soixantaine d’œuvres sont présentées. En 1913 Armory Show présente 40 œuvres de Redon.  Il a réalisé des cartons pour les Gobelins.

Son art explore les méandres de la pensée, l’aspect sombre et ésotérique de l’âme humaine, empreint des mécanismes du rêve.Redon lui-même décrit son travail comme ambigu et indéfinissable: «Mes dessins inspirent et ne doivent pas être définis. Ils nous place, tout comme la musique, dans le domaine ambigu de l’indéterminé».

Le MoMa en 2005 et le Schirn Kunsthalle en 2007 lui ont consacré une rétrospective et actuellement au Grand Palais

On trouve deux sites consacré à Odilon Redon l’un en net et l’autre en org.

Voici quelques oeuvres d’Odilon Redon

Odilon Redon –  Arabe au fusil – Gravure

Odilon Redon – L’homme au milieu des arbres – Gravure

Odilon Redon – Hallucination – Fusain

Odilon Redon – L’areignée – 1887

Odilon Redon – Petit coquillage dans l’ombre – Pastel

Odilon Redon – La fuite en Egypte

Odilon Redon – Portrait de Violette Heymann

Odilon Redon – Deux jeunes filles en fleurs

Odilon Redon – Domecy Grand panneau à décor végétal – 1901

Odilon Redon – Jeanne d’Arc -Pastel

Odilon Redon – Le vitrail

Kees Van Dongen et Brigitte Bardot en 1958 – Photo Paris Match

Cornelis Théodorus Marie Van Dongen (1877-1968) connu sous le nom de Kees Van Dongen est né aux Pays-Bas, dans la banlieue de Rotterdam. Il obtiendra la nationalité française en 1929.

 Il  fréquente l’Académie Royale de Peinture de Rotterdam. Il dessine à l’encre de Chine rehaussée d’aquarelle, des scènes de la vie quotidienne, des paysages typiques avec des canaux, des moulins, des fermes. Ses premières œuvres sont influencées par Frans Hals – Rembrandt van Rijn et Vincent Van Gogh

Il arrive à Paris en 1897 avec une expérience d’illustrateur et de dessinateur. Il fait d’abord des « petits boulots » Il est proche de la mouvance anarchiste où il est remarqué par le critique d’art Félix Fénéo » qui l’introduit à la «  Revue blanche » Il collabore à « L’assiette au beurre » «L’insdiscret » «Frou Frou « Le rire  » et «Gil Blas »

Il peint d’abord  des scènes de la vie parisienne dans un style post-impressionniste puis tachiste

Au Salon d’Automne de 1905, il ses œuvres sont dans une salle voisine de celle  d’Henri Matisse et des autres fauves. Il réalise  des  nus et des portraits aux traits lourds, aux contours cernés  avec des couleurs intenses et fortement contrastées. Il s’installe avec Picasso au Bateau-Lavoir. Il peint les prostituées et le monde du cirque. Il expose avec les expressionnistes allemands du Brücke.

Il est bientôt sous contrat avec le marchand de tableaux Daniel – Henry Kahnweiler.  Ses portraits de femmes de la haute société, et du « Tout Paris », aux larges yeux et lèvres éclatantes ont alors beaucoup de succès. Il réalise aussi des dessins et des lithographies de la vie de Paris. Il côtoie souvent le scandale mais il est alors très fortuné. Puis  sa production se banalise, il perd l’inspiration.

Très vite il sera boudé par les critiques d’art et les conservateurs des musées qui le trouvent vulgaire. Et puis sa participation en 1941 à la visite des hauts lieux de la culture allemande organisée par Otto Abetz et Arno Brecker n’a pas amélioré leur point de vue. Il n’est pourtant pas le seul puisque  sont également du voyage Paul Belmondo – Henri Bouchard – André Derain – Charles Despiau – André Dunoyer de Segonzac – Othon Friesz – Raymond Legueult – Paul Landowski – Louis Lejeune –Roland Oudot et Maurice de Vlamick

Le  Musée d’art moderne de la Ville de Paris présentera des oeuvres des années 1905-1910 en 1966 lors de l’expostion « Le Fauvisme français et les débuts de l’Expressionnisme allemand . Il organisera une rétrospective en 1993. Ce sera ensuite la Fondation Gianadda en 2002, puis le musée de Monaco en 2008 et en 2009 au Musée de Montréal  « un fauve en ville » avant celles de Rotterdam et Paris cette saison. On  des représentation de ces œuvres sur plusieurs sites Juffermans Alanek – Peintures et poésies –  Pas perdus

Et voici une sélection d’ images de ses oeuvres, au fil des années

Kees Van Dongen – Nature morte au faisan – 1890

Kees Van Dongen –  Etude de cheval – 1893

Kees Van Dongen – Stilleven met jeneverkruik, glaasje en pijp – 1894

Kees Van Dongen – Zeelui passagieren in de Zandstraat – 1895

Kees Van Dongen – Le kiosque à musique – 1900

Kees Van Dongen – Portrait d’une femme – 1903

Kees Van Dongen – Torse – 1905

Kees Van Dongen -Portrait de Khanweiler – 1907

Kees Van Dongen – Le printemps – 1908

Kees Van Dongen – La dame au chapeau noir – 1908

Kees Van Dongen – La femme lippue – 1909

Kees Van Dongen – Portrait de Guss Preitinger – 1910

Kees Van Dongen – Le doigt sur la joue – 1910

Kees Van Dongen – En la plaza, femmes à la ballustrade – 1913

Kees Van Dongen – Le chale espagnol ou Le tableau – 1913

Kees Van Dongen – Le coquelicot ou graine de pavot – 1919

Kees Van Dongen – Le café Florian à Venise – 1921

Kees Van Dongen – Les cheveux courts – 1924 – Lithographie

Kees Van Dongen – Suzy Solidor – 1927

Kees Van Dongen –Roadside cafe – 1950

Kees Van Dongen – Portrait de Madame Agnelli – 1955 – Aquarelle et rehauts à l’huile

Jean-Louis Forain par Nadar

Jean-Louis Forain (1852-1931) né Louis Henri, est un peintre, dessinateur, caricaturiste et graveur né à Reims. Il reçoit ses premières leçons de Louis Jacquesson de la Chevreuse puis est l’élève de Jean-Léon Gérôme à l’Ecole des Beaux-Arts et plus tard du caricaturiste André Gill. André Gill. Il sera quelques  temps l’assistant de Jean-Baptiste Carpeaux . Il se lie d’amitié avec Rimbaud , Verlaine et Joris Karl Huysmans dont il réalise le portrait au pastel. Il fréquente Degas et Manet et est proche des impressionnistes. Il fonde la revue « Le Fifre » et plus tard « Psst ! » avec Caran d’Ache tout en collaborant au Figaro où il succède à Honoré Daumier et dans de nombreux journaux. Au moment du scandale de Panama et de l’affaire Dreyfus, il abandonne un moment la satire sociale pour la satire politique.  En 1913 une rétrospective de ses gravures est organisée à Paris. Après la guerre il fonde la République de Montmartre avec des dessinateurs comme Poulbot Il a été membre de l’Institut et de la Royal Academy et président de la Société Nationale des Beaux-Arts. On trouve des gravures sur le site National Gallery of Arts. Pour le centenaire de sa naissance, la Bnf avait organisé une rétrospective à son œuvre.

Voici la représentation de quelques unes de ses œuvres. Elles ne figurent pas nécessairement dans l’exposition.

Jean-Louis Forain – Au café

Jean-Louis Forain – Le veuf

Jean-Louis Forain – Le souper

Jean-Louis Forain – Le buffet

Jean-Louis Forain – Le jardin public

Jean-Louis Forain – Danseuse

Jean-Louis Forain – Le foyer de l’Opéra

Jean-Louis Forain -Le bar des Folies Bergères

Jean-Louis Forain – Femme d’artiste

Jean-Louis Forain – Scène de tribunal

Jean-Forain – Anna de Noaïlles

Jean-Forain – Le pécheur

 

 L’artiste conceptuel américain Dennis Allan  Oppenheim (1938-2011) qui était né à Electric City dans l’Etat de Washington vient de mourir d’un cancer à l’âge de 73 ans.

ll s’est formé au California_College_of_the_Arts puis à la Stanford University

Il est un des précurseurs du Body Art  initié en France par Yves Klein et du Land Art avec ses Earthworks et ses performances  comme « Rocked Circle-Fear » et plus tard  Wishing the Montains Madness.

Dans les années 1980 et 1990 il réalise des sculptures monumentales, des Performances et installations. Il a aussi réalisé de très jolis dessins préparatoires.

Il a été exposé  en Europe ,à la Tate  Modern, à la  Kunsthalle Base, au Musée d’Art Moderne de Paris, au Musée d’art contemporain  de Genève et au  Stedelijk Museum d’Amsterdam .Le LaM de Villeneuve d’Ascq possède l’une de ses oeuvres.

On trouve des photos et notices de ses réalisations, une interview partie 1 et partie 2 accordé à Douglas Kelley et les musées qui ont des œuvres de l’artiste sur Art Cyclopedia, et quelques oeuvres et dessins

Dennis Oppenheim – Electric kiss – 2010

Denis Oppenheim – Device to root out evil -Eglise inversée à Vancouver

Dennis Oppenheim -Objet with a memory – 1983

Pencil, colored pencil, oil wash and oil pastel on paper

Denis Oppenheim – Two objects – 1998

Pencil, colored pencil, oil wash and oil pastel on paper

Dennis Oppenheim -Tar roses – Mixed media on paper – 1997

Graham Sutherland – Autoportrait – 1977

 Graham Vivian Sutherland est né à Londres. Il a d’abord fait des études d’ingénieur et a travaillé à la Midland Railway où il se rend compte que ce n’est pas sa voie. Il étudie  alors pendant cinq ans la gravure au Goldmiths College Il se marie avec Kathleen Barry son amie d’enfance. Il enseigne et pratique la gravure à l’eau-forte et l’illustration. Il est influencé par William Blake et le paysagiste et aquafortiste Samuel Palmer (1805-1881) Avec la crise de 1929 le marché de la gravure s’effondre. L’artiste qui a 35 ans se mets sérieusement à peindre. Il découvre les sites sauvages du Pembrokeshire Bien qu’il n’est jamais appartenu à aucun mouvement, il est alors considéré comme un tenant du « Neo-romanticism » anglais.Il est un moment proche de l’esprit de l’ Euston road school Ses paysages sont ensuite influencés par le peintre surréaliste anglais Paul Nash En 1936 il est artiste invité à la London International Surrealist Exhibition. Il enseigne et travaille le verre, produit des affiches et conçoit des dessins de tissus.

Pendant la seconde guerre mondiale il travaille sur le front comme « official war artist  » où il rencontre Henry_Moore. Il est pendant longtemps l’ami de Francis Bacon dont les influences sont réciproques.

Juste après la guerre,iI rencontre Picasso et Matisse, lors de séjours dans le Midi de la France. C’est à cette époque qu’il réalise ses  « Horned Forms » A partir des années 1950, ce catholique converti réalise de nombreuses œuvres religieuses. Les plus connues sont, une crucifixion de l’église Saint-Matthieu de Northampton et une immense tapisserie dans la cathédrale de Coventry « Christ in Glory in the Tetramorph » A la même époque et jusqu’au années 1960 il est l’un des artistes de l’ Ecole de Londres avec Lucian Freud, Ronald B. Kitaj , Michael Andrews , Frank Auerbach , Leon Kossoff et Francis Bacon. Ses œuvres s’inspire du Sud de la France. Il y avait acquis la « villa blanche à Menton. Il a aussi réalisé deux suites de lithographies, Bees  et le Bestiaire ou cortège d’Orphée d’Apollinaire  

Graham Sutherland est également connu pour ses portraits de commande de personnages célèbres comme Winston Chruchill , Somerset Maughan, Konrad Adenauer, Helena Rubinstein , Edward_Sackville-West, Lord Beaverbrook, Paul Sacher

Son  art a un énorme impact sur la génération des artistes anglais des années 1960

Il a participé  à la 26ème Biennale de Venise en 1952 ou à celle de Sao Paulo en 1955 et à la Documenta de Kassel en 1955,1959 et 1964.  Des rétrospectives ont été organisées à la Tate Gallery en 1982 et en 1998 au Musée Picasso d’Antibes et plus récemment à la Dulwich Picture Gallery. Il était membre de l’American Academy of Arts and Letters

Artcyclopedia dresse la liste de musées qui possèdent certaines de ses œuvres. En France seul le Louvre possède une œuvre,« singe assis sur un trépied » et il est évoqué au Musée Carnoles de Menton. Il faut espérer qu’un jour ou l’autre un conservateur ou un galériste le fera sortir du purgatoire dans lequel ce grand peintre et grand coloriste du 20 ème siècle est relégué.

On peut trouver des représentations sur les sites de la Tate,  du Museum of Wales, de Spaight Wood galleries et puis deux vidéos  un entretien avec Umberto Rossi lors d’une Monstra en Italie en 1991 et une autre lors d’une exposition à la Galleria d’Arte Maggiore On trouve quelques  éléments de cotation sur artfacts – Cornette de Saint-Cyr et Christies

Voici ma petite sélection chronologique d’ œuvres de Graham Sutherland

 

Graham Sutherland- Adam et Eve – Gravure – 1924

Graham Sutherland – Stone in estuary – 1935

Graham Sutherland – Welsh Landscape with Roads – 1936

Graham Sutherland -Briham rock – 1937

Graham Sutherland – Red monolith – 1938

Graham Sutherland – Entrance to a lane – 1939

Graham Sutherland – Green tree forms : Internior of woods – 1940

Graham Sutherland – Devastation : An East End Street – 1941

Graham Sutherland -Pembrokeshire landscape – 1942

Graham Sutherland – Thorn tree  – 1945

Graham Sutherland – Crucifixion – 1946

Graham Sutherland – Palm palisade -aquar elle – 1947

Graham Sutherland – Fugure and maize – 1948

Graham Sutherland –  Somerset Maugham – 1949

Graham Sutherland -The Origins of the Land, Study No.3 – 1950

Graham Sutherland  – Christ the King, Coventry Cathedral Tapestry – 1952

Graham Sutherland – Bamboo forest –  1962

Graham Sutherland – Path in a wood – 1968

Grahma Sutherland -Rocky Landscape with Gateway

encre et aquarelle – 1970

Graham Sutherland –  Flames rockform – Lithographie – 1975

Graham Sutherland -Three balancing forms – Lithographie – 1978

 

Giuseppe De Nittis – Portrait photographique

Le musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris, présente au Petit Palais

 Giuseppe De Nittis (1846-1884) La modernité élégante

 Jusqu’au 26 janvier 2011

 Giuseppe_De Nittis est un peintre italien, né à Barletta en 1846 et mort à Saint-Germain-en-Laye d’une embolie cérébrale en 1884. Il a 38 ans.

Il a commencé sa formation auprès de Giovanni Basttista Calo un artiste de sa ville natale. Il est  l’élève de Luigi Calamatta ,  à l’Institut des Beaux-Arts de Naples. Il y fonde la Scuola di Resina qui prône la peinture de plein air.  Lorsqu’il arrive à Paris, en 1867, il suit l’enseignement de Jean-Léon Gérôme et de Jean-Louis Ernest Meissonier. Il débute au Salon de 1869. 

Il partage sa vie entre Paris, Naples et Londres. Il est l’ami de Gustave Caillebotte, d’Edouard Manet, d’ Edgard Degas et du célèbre graveur Marcellin Desboutin. Il est aussi proche d’ Edmond de Goncourt  et du critique d’art Philippe Burty et s’inscrit dans le courant du Japonisme.

 C’est avant tout un peintre de la vie urbaine, avec les boulevards, les chantiers de l’époque, les courses d’Auteuil et de Lonchamps avec les élégantes  Mais il peint aussi les paysages de son pays, du Midi, d’Ile de France ou de la région de Londres.

 L’exposition  présente plus de 110 tableaux et pastels de grand format, En issus des collections publiques et privées d’Italie, de France et des Etats Unis. Le monde de l’Art l’a superbement ignoré tout au long du 20^ème siècle. La dernière rétrospective parisienne date de 1888.

Voici une série de trois vidéos en italien consacrée à l’artiste  n°1/3 – n°2/3 et  n° 3/3 et  une vidéo de cette exposition

Et voici des images de quelques unes de ses oeuvres

Giusepee De Nittis -Place des Pyramides – 1875

Guisepee De Nittis -Route de Brindisi à Barletta

Giusepee De Nittis – Déjeuner au jardin – 1883

Giuseppe De Nittis –  Au champ de courses

Giuseppe De Nittis – Sarah Bernhardt en Pierrot

Giuseppe De Nittis – Le train qui passe

Gissepee De Nittis – Dans les champs près de Londres

Eugène Leroy

Eugène Leroy 1910-2000 est un peintre, dessinateur et graveur français né à Tourcoing. Il commence des études artistiques à l’école des Beaux-Arts de Lille qu’il complète par des cours de dessins à Paris, à l’Académie de la Grande Chaumière.

Après une courte installation dans les Ardennes, à  partir de 1935,  il poursuit en parallèle sa carrière de peintre et l’enseignement du Latin et du Grec au collège N.D. des Victoires à Roubaix.

Il réalise dans les années 1945-1950, une grande peinture murale « Crucifixion » dans la chapelle du collège où il professe. En 1958, il réalise les vitraux de l’église N.D. des Flots de Dunkerque. C’est cette année là qu’il s’installe à Wasquehal dans la « maison atelier » qu’il ne quittera plus.

Au début des années 1960, débute son œuvre sur papier avec la gravure, le dessin au fusain, la peinture à l’acrylique, à la gouache, généralement sur du format « raisin »

C’est en 1951 que le galeriste Pierre Loeb lui achète quelques toiles. Puis  en 1954 il expose à la Galerie « Art Vivant » avec Sam Francis et Serge Poliakoff et Marcel Pouget.  Deux ans plus tard le musée de Tourcoing organise une première exposition En 1961 il expose à la galerie Claude Bernard et Georg Baselitz qui découvre le peinture d’Eugène Leroy devient l’un de ses collectionneurs.

C’est dans les années 1970 qu’il est reconnu internationalement. Il expose à Bruxelles à la Galerie Veranneman, puis à l’Ecole des Beaux-Arts de Lille.. Dans les années 1980 il expose à la Galerie K à Washington,  au Museum Van Hedendaagse Kunst de Gand , à la Galerie Michael Werner de Cologne , à la galerie Edward Thorp de New York, aux Musées d’Art moderne de Villeneuve d’Ascq et de la Ville de Paris.

Dans les années 1990 il participe à la  XXIe Biennale de Sao Paulo,  à la Documenta IX de Cassel, à  « Copier Créer » au Louvre, expose à la Kunsthalle de Bâle , à la Power Plant Contemporary Art Gallery de Toronto , à la Albright-Knox Art Gallery de Buffalo.

Ces toiles aux vastes empattements sont très caractéristiques de son œuvre très personnelle qui s’est construit à l’écart des courants de l’art contemporain. Il faut chercher ses influences dans la peinture de Rembrandt, chez Giorgione , Van Gogh. Le travail de Mark Rothko l’a aussi impressionné lors d’un  de ses voyages aux Etats-Unis.

Le portrait, le nu et le paysage, traités à la marge de l’abstraction, sont ses thèmes de prédilection. Il y traite les oppositions du jour et de la nuit, du clair et de l’obscur Il utilise une palette généreuse et lumineuse avec une technique d’accumulation, de sédimentation des pigments très particulière, avec ses touches successives, ses grattages. Il revient sans cesse à ses toiles parfois qui sont toujours en devenir.

De nombreux musées détiennent des œuvres de l’artiste, en Allemagne, en Hollande, en Belgique, au Portugal, aux Etats-Unis, au Canada et bien entendu en France.  Il est regrettable que certains écrivassiers de l’art s’obtinent  à le  qualifier de « peintre régional » La  Galerie Mory en Bourgogne a présenté tout cet été et jusqu’au 16 octobre une exposition de ses oeuvres sur papier de l’artiste.

Voici une sélection de quelques oeuvres.

Eugène Leroy – Jeune homme – Crayon gras – 1940

Eugène Leroy – Papa Thirant – 1950

Eugène Leroy Silhouettes de femmes – 1950

Eugène Leroy – Etreinte – 1956

Eugène Leroy – Valentine – 1965

Eugène Leroy – L’homme bleu – 1965

Eugène Leroy – Grand nu assis – 1975-1980

Eugène Leroy – Nouvelle peinture – 1999

Eugène Leroy – Crucifixion

Eugène Leroy – Autoportrait – Fusain et crayon

Eugène Leroy – encre bleue et lavis

Eugène Leroy – Marine -Technique mixte gouache

Eugène Leroy – Marine – Aquarelle

Eugène Leroy – Nu –  Fusain

Eugène Leroy – Paysage  – 1966

 

Eugène Leroy – Sans titre – Gouache et aquarelle

 

 

Ce n’est bien entendu pas le dramaturge Pierre Corneille ni le chanteur que j’évoque ici. Il s’agit  de Guillaume Corneille Van Beverloo (1922-2010)  peintre, graveur, lithographe et sculpteur, né à Liège où elysée Arts a exposé ses œuvres

Après un bref passage à l’Académie des Beaux-Arts d’Amsterdam, il avait été dans les années 1950, l’un des membres du groupe Groupe Cobra. Il signait des œuvres tout simplement : Corneille

Il est décédé le 5 septembre 2010 à Auvers-sur-Oise où en 2008 le Musée Daubigny lui avait consacré une exposition.Ilva être enterré demain près de la tombe de son compatriote Vincent Van Gogh

Son œuvre est présentée en permanence à la Schana B. Gallery dans  le quartier du Sablon à Bruxelles. On trouve des lithographies sur Amorosart sur la collection Lacan  et certaines de ses oeuvres sur Webs 

Edward Hopper (1882-1967) est le peintre américain né à Nyack, dans l’Etat de New York.Il fréquente d’abord la New York School of Illustrating. En 1900,Il s’inscrit à la New York Scholl of Art dirigée par  William Merritt Chase où il est l’élève d’ Henri Robert. Il s’intéresse à l’œuvre de Manet, Daumier, Courbet, Degas, Gauguin, Van Gogh. Il est marqué par le mouvement  Impressionniste avec notamment Pissarro, Renoir, Sisley.

Entre 1906 et 1910 il fera plusieurs séjours à Paris. Contrairement à la plupart des étudiants américains de passage dans la capitale française, Hopper ne s’inscrit pas à l’Ecole des beaux-arts ou dans un quelconque atelier. Il part flâner dans les rues et peint et dessine ce qu’il voit, comme il le fera toute sa vie, des ponts, des monuments, des scènes de la vie quotidienne des parisiens. Il découvre dans une galerie l’œuvre d’Albert Marquet Cependant, il ne fréquente guère l’avant-garde. Toutefois, son ami et compatriote, le peintre cubiste Patrick Henry Bruce l’introduit dans le cercle artistique de Gertrude Stein. Il dit cependant n’avoir jamais rencontré Pablo Picasso et d’autres cubistes. Est-il un cubiste déguisé   comme l’a écrit Donald Kuspit .Il visite également l’Espagne.

De retour à New York, pour  « pour assurer la matérielle » il devient illustrateur pour des revues économiques et commerciales new-yorkaises.Il peint ses souvenirs de France, New York et la campagne américaine.

En 1924 il épouse Josephine Nivison  modèle et artiste peintre, qui a aussi été l’élève d’Henri Robert. Leur vie de couple ne sera pas un long fleuve tranquille  Jo sera son unique modèle

C’est à cette époque qu’il rompt avec la nostalgie de la France. Il commence à peindre de façon réaliste, le mode de-vie américain la vie américaine de tous les jours, l’american way of life. Les œuvres peintes en extérieur deviennent rares. Son inspiration est simple. Depuis son appartement de Greenwich,  sans confort,  qu’il habitera toute sa vie, il peint les toits de New York, les façades des immeubles, des stations d’essence, des chambres d’hôtels. Il s’inspire des attitudes des personnages et des angles de vue propres au cinéma et réciproquement . Ses œuvres sont énigmatiques et traduisent  l’angoisse des femmes et des hommes des son temps Avec des couleurs froides, des jeux de lumière, ces toiles sont peuplées de personnages solitaires, silencieux, absents, dans l’attente, le désir, le temps, la mort .l s’intéresse aussi à l’architecture des maisons, de la ville, aux grands espaces.

Si on l’a parfois rattaché au Précisionnisme bien qu’il n’ait jamais appartenu à aucune école. Le couple menait une vie assez recluse et il ne fréquentgait pas le milieu artistique new-yorkais. Edward Hopper a réalisé de nombreux dessins, des huiles sur toiles et beaucoup d’aquarelles. Au décès de Jo Hopper en 1968, plus de 3000 oeuvres ont été léguées au Whitney Museum.

Dès 1930, les Hopper passent leurs étés à Cape Cod  dans le  Massachusetts. Le couple y fera construire une maison où ils iront chaque été jusqu’à la fin de leur vie.

La première rétrospective qui lui est consacrée a lieu en 1933 au MoMa. Il faudra ensuite attendre les années 1950 au  Museum of Fine Arts de Boston et au Detroit Institute of Arts puis en 1964 au Whitney Museum of American Art de New-York. En 1989 le Musée Cantini  de Marseille avait organisé une exposition puis en 2004 le Musée américain de Giverny  en 2007 au MFA en 2009-2010 au Kunsthal de  Rotterdam et actuellement à la Fondation de l’Hermitage à Lausanne après Rome et Milan.

On trouve des biographies illustrées sur les sites de  Net Madame  et du Cinéclub de Caen et de Artliste. Artcyclopedia renvoie vers les sites des musées qui possèdent certaines œuvres de l’artiste. Le site de la N G A-National Gallery of art de Washington propose un dossier complet et aussi sur Museum syndicate .Une analyse sur Jadislherbe et sur  . Lumineux regrets et l’article de Philippe Dagen dans le journal le Monde.Il y a aussi cette vidéo et cette autre

Chair Car une œuvre de 1965 a été vendu en 2005 chez Christie’s  pour 14 millions de dollars ou encore Hotel window

ici ma sélection d’œuvres d’Edward Hopper, au fil des années

Edward Hopper – Le pont des arts – 1907- Aquarelle

 

Edward Hopper – The wine shop – Le Bistro – 1909

 Edward Hopper – Intérieur l’été – 1909

Edward Hopper – Soir bleu 1914

 Cette oeuvre me fait penser à James Ensor

Edward Hopper – Road in Maine – 1914

Edward Hopper – New York restaurant – 1922

Edward Hopper – Mansard roofs –  1923 – Aquarelle

Edward Hopper -Reclining Nude – 1924/1927 – Aquarelle

Edward Hopper – Sunday – 1926

Edward Hopper -The balcony – 1928 – Drypoint (Pointe sèche)

Edward Hopper -Chop Suey – 1929

Edward Hopper – Cape Cod Sunset – 1934

Edward Hopper – Compartment C – Car 293 – 1938

Edward Hopper – Gas station -1940

Edward Hopper Nighthawks –  1942

Edward Hopper – Hotel lobby -1943

Edward Hopper – Jo in Wyoming – 1946  Aquarelle

Edward Hopper – Cape Cod morning – 1950

Edward Hopper – Morning Sun – 1952

Edward Hopper – Sunlight in a cafeteria – 1958

Edward Hopper -Second story sunlight – 1960

Edward Hopper – A woman in the sun – 1961

Edward Hopper – Chair car – 1965

Alberto Giacometti

Alberto Giacometti 1901-1966 est sculpteur, peintre et dessinateur suisse né dans le canton des Grisons.. Son père Giovanni Giacometti est peintre post-impressionniste. Il suit l’enseignement de l’ école des Beaux-Arts de Genève puis à Paris, l’atelier d’Antoine Bourdelle à l’Académie de la Grande chaumière. Il expose ses premières œuvres en 1927 au Salon des Tuileries puis avec les surréalistes à la galerie Pierre avec Joan Miro et Hans Arp. Il y côtoie André Breton – Salvador  Dali – André Masson. Il sera exclu du groupe surréaliste en 1935. Il dessine des objets de décoration pour l’architecte d’intérieur Jean-Michel Frank et des bijoux pour Elsa Schiaparelli. Fréquente les artistes Balthus – Jacques Gruber – Pierre Tal-Coat

Pendant la guerre il quitte Paris pour la Suisse. C’est dans l’après-guerre que son style s’affirme avec les hautes figures filiformes que l’on connait. Il expose à New York chez le galeriste Pierre Matisse notamment «  l’homme qui marche » En 1951 il expose à la Galerie Maeght à Paris. Il réalise les décors de « En attendant Godot » de son ami Samuel Beckett.

En 1956, il représente à France à la Biennale de Venise et expose à la Kunsthalle de Berne

Outre ses sculptures, Alberto Giacometti a peint de nombreux portraits, caractérisés par l’absence de décor, de son  frère Diego et de sa femme Annette ou d’ Isaku Yanaihara.  Il a aussi produit quelques paysages, des natures mortes. Il a aussi dans les années 1920-1930 réalisé des œuvres abstraites.

De nombreuses  rétrospectives lui ont été consacrées à Londres, New-York et Copenhague dès 1965, puis en 1969 à Paris à l’Orangerie. Ensuite, le Musée d’art moderne de la Ville de Paris en 1991 puis plus récemment, en 2007-2008 au Centre Pompidou, l’atelier d’Alberto Giacometti

L’an passé c’était à la fondation Beyeller et cette année c’est la fondation Maeght qui lui consacre son exposition de l’été

En février 2010, sa sculpture l’homme qui marche a été adjugée  74,2 millions d’euros chez Sotheby’s à Londres

On trouve les musées qui possèdent certaines de ses œuvres sur artcyclopedia et aussi cette vidéo , le site de la fondation Alberto et Annette Giocometti et encore cettte interview à la TSR

Alberto Giacometti – Nell Osteria – 1915

Alberto  Giacometti – Montagne et lac du Val de  Bregaglia – 1920

Alberto Giacometti – Nature morte à la pomme – 1937

Alberto Giacometti – Intérieur – 1949

Alberto Giacometti – La rue – 1952

Alberto Giacometti – Nature morte aux flerus – 1952

Alberto Giacometti – Diego – 1953

Alberto Giacometti -Annette en blouse rouge – 1954

Alberto Giacometti – Jean Genet – 1955

Alberto Giacometti –  IsakuYanahira – 1956

 

Alberto Giacometti – Tête noire – 1960

Alberto Gaicometti – Caroline – 1965

 

Nicolas de Stael

 Nicolas de Staël, à l’état civil, Baron Nicolaï Vladimirovitch Staël von Holstein, est un  peintre français d’origine russe est né à Saint-Pétersbourg en 1914. Au décès de ses parents en 1922, il est recueilli par un couple de russes installés à Bruxelles. Il suivra dans cette ville les cours de l’Académie de Bruxelles et de Saint Gilles. Il s’installe à Paris, dans les années 1930 et voyage en Europe et au Maroc. Il y rencontre la peintre   Jeannine Guillou (Janine Teslar), sa compagne jusqu’à sa mort en 1946, dont il ne remettra jamais. Il rejoint, au début de la guerre la Légion Etrangère. Il est démobilisé en 1941 et vit à Nice. Il se lie à Alberto Magnelli – Jean Arp – Sonia Delaunay et Robert Delaunay qui lui inspirent ses premières œuvres abstraites. Par la suite, il rencontre Georges Braque .Il faut chercher ses influences chez Paul Cézanne –Henri Matisse – Pablo Picasso – Fernand Léger – Chaim Soutine mais aussi Rembrandt Van Rijn – Jan Vermeer – Hercules Seghers.  

Nicolas de Staël a produit environ un millier d’œuvres, qui peu à peu glissèrent de la figuration (paysages, natures mortes, portraits) à l’abstraction, qu’il développa seul, en parallèle à la démarche des peintres de l’abstraction lyrique européenne et de l’expressionnisme abstrait américain.Pour lui la matière devient primordiale. Il la travaille par blocs de couleurs, en couches épaisses, au couteau, à la truelle, au racloir, à la manière d’un sculpteur. Il préfigure les plasticiens des années 1970.

Par la suite il revient au figuratif et recherche les effets de lumière. Il peint alord des footballeurs, des musiciens de jazz, des marines Sa démarche n’était pas de repenser l’art, de le révolutionner, juste de s’exprimer. Personnelle, intime, sa peinture s’adresse à notre coeur et à notre âme en priorité.

Il expose en 1944 avec Magnelli et Wassily Kandinsky.Il illustre des poèmes de René Char en gravant sur bois. Les galeristes Jeanne Bucher et Jacques Dubourg  feront beaucoup pour la diffusion de son oeuvre en France

Dans les années 1950 il rencontre un grand succès aux Etats-Unis. Il expose dans la galerie de Thedore Schempp. Il vend des œuvres au collectionneur  Duncan Phillips et Paul Rosenberg, le collectionneur et marchand de Picasso.En 2003, une rétrospective lui a été consacrée au Centre Pompidou

On verra encore une analyse de sa cote en 2003 et la liste des liens vers les musées qui possèdent des œuvres de l’artiste sur artcyclopedia, quelques illustrations et informations  Un avis sur le Catalogue raisonné de l’œuvre peinte et une vidéo sur Youtube

Et voici une sélection de quelques oeuvres des diffèrentes périodes

 

Nicolas de Stael – Portrait de Jeannine – 1941

 

Nicolas de Staël – Composition – 1942

Nicolas de Stael – La vie dure – 1946

 Nicolas de Staël

Nicolas de Staël – Jour de fête – 1949

Composition en gris vert et bleu – 1950

Nicolas de Staël -Les musiciens en hommage à Syndey Bechet – 1952

Nicolas de Staël – Parc des Princes – 1952

Nicolas de Staël – Portrait d’Anne – 1953

Nicolas de Stael – Agrigente – 1953

Nicolas de Staël – Agrigente – 1954

Nicolas de Staël – Ménerbes – 1954

Nicolas de Staël – Bouteilles dans l’atelier – 1954

Nicolas de Staël – Nu bleu couché – 1955

Nicolas de Staël – Le concert – œuvre inachevée – 1955

Mise à jour du 6 décembre 2011

Nicolas de Staël – Nu couché 1954 – Huile sur toile

Cette toile vient d’être adjugée, sous le marteau de Maitre Briest de l’étude Artcurial pour un montant de 7.033.400 euros

Jean-Michel Basquiat

Jean-Michel Basquiat (1960-1988) peintre figuratif américain est né à  Brooklyn de mère portoricaine et de père d’ascendance  haïtienne.. . ce qui explique son nom de consonnance française.

Très jeune il visite très souvent le  MoMa. en compagnie de sa mère.

Artiste autodidacte, à 18 ans il abandonne le lycée et commence à couvrir les  murs de Soho, ou de Manhattan, de graffitis qu’il signe SAMO   pour « same old shit » (pas besoin de traduire). Il est souvent considéré comme le pionnier de la mouvance  Underground newyorkaise née dans la rue et dans le métro. Il s’inspire d’abord de ce qu’il voit dans les rues, les enfants, les automobiles, les policiers, les graffitis et aussi les réminiscences d’un livre d’anatomie d’Henry Gray.

Dans toute son œuvre, marquée par la colère et la violence, il mêle l’art brut, la BD, les codes de la « Pub », les signes du jazz ou du rap, les collages. Il entend aussi, avec son art, lutter contre la ségrégation et la discrimination raciale. Son œuvre peinte d’abord sur toile, puis sur de grands panneaux avec ses squelettes et ses masques est hantée par la mort. Il rappelle aussi souvent la culture espagnole et  africaine de ses origines

Il participe en 1980 au  “Times Square Show” . L’année suivante le critique d’art René Ricard  lance sa carrière internationale en publiant ”Radiant Child” – « L’enfant Radieux » dans le magazine Art forum . Il expose aux côtés de Keith Haring ou de Barbara-Kruger. Il fréquente Julian Schnabel – David Salle – Francisco Clemente –Enzo Cucchi Robert Mapplethorpe

En 1983 il rencontre la star du Pop art  Andy Warhol avec lequel il collabore et se lie d’amitié. Il devient vite l’un des artistes les plus en vue. Deux ans plus tard, il fait la une du « New York Times Magazine » dans un numéro qui titre  « New Art, New Money: The Marketing of an American Artist ». (« Art nouveau, argent nouveau, le marketing d’un artiste américain »)

On relie son œuvre à la figuration libre,  la Bad Painting. Son œuvre a une proximité avec la Trans-avant-garde italienne  et les nouveaux fauves du Néo-expressionnisme allemand. Les œuvres de l’artiste sont reconnues dans le monde entier et sa cote  est à l’avenant. Une toile « untitled (boxer) » a été adjugée pour 13,5 millions de dollars lors d’une vente aux enchères chez Christie’s en fin 2008.

Un certain nombre d’ouvrages lui ont été consacré , notamment ceux de Marc Mayer, de Jean-Luc-Chalumeau , de Leonhard Emmerling

Pour le cinquantenaire de sa naissance, une grande rétrospective-  consacrée cette année,  à Bale puis à Paris, à cet artiste artiste mort d’une overdose à 28 ans.

On trouvera en complément une vidéo, une notice et si l’on a égaré ses lunettes  une petite biographie en anglais. Et puis les oeuvres dans les musées sur artcyclopedia

Voici quelques unes de ces oeuvres :

 

Jean-Michel Basquiat – Untitled (boxer)

Jean-Michel Basquiat -Tobasso versus red chief – 1981

Jean-Michel Basquiat – All clored cast I – 1982

Jean-Michel Basquizat -Ernok – 1982

Jean-Michel – Blue – 1982

Jean-MIchel Basquiat – In italian – 1983

Jean-Michel Basquiat – Mona Lisa – 1983

Jean-Michel Basquiat – Brown spots – 1984

Jean-Michel Basquiat – Toxic – 1984

Jean-Michel Basquiat – Tenor – 1985

Photo de Sigmar Polke

Sigmar Polke 1941-2010 est un peintre allemand né à Oels en Silésie. En 1953 ses parents quittent la RDA pour s’installer en RFA à Wittich en Rhénanie-Palatinat.

 Il est d’abord, en 1959 et 1960 apprenti dans une fabrique de vitraux de Düsseldorf. Il entre à 20 ans à  la Düsseldorf Kunstakademie dont il suivra l’enseignement jusqu’en 1967.

Cependant, dès 1963, avec ses amis Gerhard Richter et Konrad Lueg Fischer  il participe à la mouvance du German Pop artists et du réalisme capitaliste en réaction au réalisme socialiste du blog de soviétique.  Il est souvent considéré comme la réponse allemande au Popart américain d’Andy Warhol et Robert Rauschenberg.

Influencé par Francis Picabia, Polke n’ambitionne pas de créer la beauté.

.Il aborde de manière subversive et ironique les travers de la société de consommation et le contexte politique des deux Allemagnes.

Il expérimente toutes sortes de techniques ,le dessin, l’aquarelle, la gouache, la sérigraphie.  Il effectue des recherches chimiques, notamment sur les pigments métalliques, les laques. Il travaille sur toile, sur papier, sur métal, sur du tissus d’ameublement. Il peint sur de la toile rendue  translucide par l’apport de résine. Il peint parfois « derrière la toile » pour montrer l’œuvre par transparence. Il utilise la photographie, la trame par points de l’imprimerie. Il travaille souvent dans de très grands formats.

Dans les années 1970 il a voyagé et photographie le Pakistan, l’Afghanistan, le Brésil, Paris, New York. Entre 1970 et 1978 il a enseigné en Allemagne.

Prince du mauvais goût assumé, de la «bad painting», Polke a été bien accueilli par les intellectuels.

Il est beaucoup moins connu en France que ces compatriotes Richter ou Basselitz. Cependant il a illustré un ouvrage au moment de la commémoration de la Révolution française 

C’était un solitaire qui n’ouvrait que rarement son atelier de Cologne aux critiques d’art et aux journalistes. Il lui arrivait de ne pas assister aux inaugurations de ses expositions. 

L’artiste avait obtenu le Lion d’Or de la Biennale de Venise en 1986. 

Son œuvre adans le dernière décennie   montrée au MoMA de New York en 1999, à la Tate Modern de Londres en 2003, la rétrospective de son œuvre en 2007 au Museum Frieder Burda de Baden-Baden. A  ma connaissance, en France seuls la FRAC de Bourgogne et le Carré de Nîmes ,se sont vraiment à cet artiste

. 

Suite à son décès à Cologne le 11 juin 2010 les conservateurs et les galéristes vont peut-être s’aviser qu’il s’agit d’un artiste notable du 20 ème siècle.

Voici quelques représentations de ses oeuvres

Sigmar Polke –  Liebespaar II – 1965

Sigmar Polke – Strand -1966 – Dispersion sur toile

 

Sigmar Polke – Freundinnen – 1966

Sigmar Polke – Don Quichotte -1968 – Peinture au latex sur toile

Sigmar Polke – Sans titre – 1973

Sigmar Polke – Supermarkets – 1976

Sigmar Polke – Giornico – 1976

Sigmar Polke – MIrador – 1984 – Polymères sur toile

Sigmar Polke – Jeuc d’enfants – 1988 – acrylique et encre d’imprimerie

Sigmar Polke Three new commandments found – 1988

Sigmar Polke The miracle of Siegen – 2007

Sigmar Polke – L’illusioniste – 2007

Sigmar Polke – Sans titre – 2007

 Sigmar Polke – Sans titre – 2008

 Sigmar Polke – Sans titre – 2008

 

Paul Ranson par Maurice Denis

Paul Ranson 1861-1909 est né à Limoges. C’est son grand-père maternel qui l’initie au  dessin. Il entre en 1877 à l’école des Beaux-arts Appliqués à l’Industrie de sa ville natale.

En 1884 il se marie et le couple s’installe à Paris. Il fréquente un moment l’Ecole des Arts décoratifs puis entre à l’Académie Julian. Il participe autour de Paul Sérurier, Henri-Gabriel Ibels, Maurice Denis, puis Edouard Vuillard, Ker Xavier Roussel et Jan Verkade au groupe des nabis.  Son intérêt pour la théosophie, le spiritisme, la magie, l’occultisme le distingue des autres nabis.

En 1890 il quitte l’Académie Julian. Il adopte les règles néo-traditionnistes énoncées par Maurice Denis et Paul Sérusier.  Pendant toute cette période il expose avec les Nabis, ou à la galerie d’avant-garde « Le Barc de Boutteville », au Salon des Indépendant ou encore le Salon de la libre esthétique à Bruxelles.

Comme Maurice Denis il s’intéresse aux maîtres du Moyen-âge et aussi à Gauguin comme Paul SérusierSon appartenance aux nabis est ambiguë. Bonnard le  traitait de «nabi  japonard ».

Il créé de nombreuses œuvres influencées par l’art japonais. Il a créé une œuvre sur toile. Il réalise  des panneaux décoratifs, des papiers peints, des tapisseries, des vitraux. Il dessine avec Paul Sérurier,  les décors pour le théâtre pour « le Bateau ivre » Il  participe à la décoration de la galerie de  l’Art nouveau ouverte par Sigfried Bing en 1895. Il dessine, aussi sous l’influence d’Aristide Maillol des cartons pour la broderie

 Aussi il acquiert une réputation d’artiste décorateur. Il est souvent considéré comme un précurseur de cet art nouveau.En 1898-1899, sa santé se dégrade et il se rapproche un moment de Georges Lacombe dont il contribue à décorer l’Ermitage près d’Alençon.

À la fin de sa vie il associe des sujets mythologiques, bibliques, anticléricaux et de sorcellerie. Il meurt de la fièvre typhoïde au début de 1909.

L’Académie Ranson  qui avait vu le jour l’année précédente est perpétuée par sa veuve. Paul Sérusier, Maurice Denis, Félix Vallotton, notamment y assureront l’enseignement.

On peut trouver certaines de ses œuvres art in the picture.Les musées qui possèdent certaines de ses œuvres sur artcyclopedia  Voici quelques unes de ses oeuvres

 

Paul Ranson – Hippogrife 1891- Huile sur toile

Paul Ranson – Les sorcières autour du feu – 1891 – Huile

Paul Ranson – Nu à l’éventail – 1891 -encaustique sur toile

Paul Ranson – La sorcière et le chat – 1893 – Huile

Paul Ranson – Le réveil – 1899 – Peinture à l’oeuf sur toile

Paul Ranson – Pommier aux fruits rouges – 1902- Huile sur toile

 

    Paul Ranson – Digitales – 1899

Paul Ranson – Les baigneuses – 1906 – Huile sur toile