Le XVIIe siècle est marqué par le mouvement baroque, qui se déploie dans toute l’Europe et touche aussi bien l’architecture que la peinture et la sculpture. En France, l’art du portrait prend une importance particulière, reflétant le pouvoir, le statut social et la personnalité des modèles. Sous le règne de Louis XIII et surtout de Louis XIV, le portrait devient un instrument de propagande et d’affirmation de la monarchie absolue.

Les artistes cherchent à représenter fidèlement les traits physiques et le caractère du modèle. Inspirés par le ténébrisme de Caravage, certains peintres utilisent des contrastes marqués pour donner du relief aux figures. Les portraits baroques montrent des poses plus vivantes et des expressions marquées. Les vêtements luxueux, les décors raffinés et les attributs symboliques (couronnes, sceptres, armures) soulignent le rang et l’importance des modèles.

Sous le règne de Louis XIV, le portrait devient un outil politique et propagandiste. Hyacinthe Rigaud, par exemple, met en scène le roi avec faste et majesté, soulignant son autorité absolue. L’utilisation des portraits comme instruments de communication renforce l’image de la monarchie et sa présence à travers le royaume.

Plusieurs artistes se sont illustrés dans l’art du portrait au XVIIe siècle en France Simon Vouet =Hyacinthe Rigaud =Nicolas de Largillierre = Jean Nocret = Claude Lefèbvre =Pierre Mignard = Charles Le Brun = Robert Nanteuil et aussi Louise Moillon et d’autres

La période baroque, qui s’étend du début du XVIIe siècle jusqu’au début du XVIIIe siècle, marque un tournant dans l’histoire de l’art. Le portrait, en particulier, devient un moyen d’expression puissant, illustrant la grandeur, l’émotion et le dynamisme propres à cette époque. L’Italie, berceau du baroque, voit l’émergence de grands artistes qui révolutionnent l’art du portrait.

Contrairement aux portraits rigides de la Renaissance, les portraits baroques cherchent à capter le mouvement et l’expressivité des modèles.Le portrait témoigne d’une époque marquée par l’exubérance, la puissance et l’intensité émotionnelle.

Influencés par Caravage, les artistes baroques utilisent de forts contrastes entre lumière et ombre pour accentuer le drame et la profondeur psychologique des personnages. Les personnages sont souvent représentés dans des poses spectaculaires, entourés d’éléments décoratifs fastueux qui soulignent leur statut. Les peintres accordent une grande attention aux textures des vêtements, à la brillance des bijoux et à la finesse des draperies pour magnifier leurs sujets.

Les peintres réputés sont Le Caravage = Annibale Carracci = Pietro da Cortona = Guido Reni = Domenico Fetti = Giovanni Batista Gaulli =Carlo Maratta et ses élèves d= Giovanni Batista Moroni = Lucas Giordano = Ottavio Leoni = Domenico Parodi . Un certain nombre appartiennent au mouvement maniériste

et aussi des femmes comme Artemisia Gentileschi et d’autres qui justement étaient généralement cantonnées aux natures mortes et aux portraits : Sofonisba Anguissola = Lavinia Fontana = Fede Galizia = Orsola Maddalena Caccia = Giovanna Garzoni = Virginia da Vezzo = Elisabetta Sirani

Pendant la Renaissance, le Portugal est un empire florissant grâce aux Grandes Découvertes. Cette prospérité permit aux élites, notamment la noblesse et le clergé, de financer des œuvres d’art, y compris des portraits.

L’art du portrait pendant la Renaissance portugaise est un sujet fascinant qui s’inscrit dans le contexte plus large de l’essor des arts en Europe entre le XVe et le XVIe siècle. Influencée par les courants artistiques italiens et flamands, la peinture portugaise a développé une approche unique du portrait, mêlant tradition gothique tardive et innovations de la Renaissance italienne en matière de perspective et de proportions. Les rois Manuel I (1495-1521) et João III (1521-1557) ont été des mécènes importants

Les artistes mettaient l’accent sur les textures (vêtements, bijoux, ornements), souvent avec une grande finesse. Les portraits de rois, de nobles et de dignitaires religieux reflétaient leur pouvoir et leur piété. Contrairement aux paysages élaborés de la Renaissance italienne, de nombreux portraits portugais privilégiaient un fond sombre ou neutre pour mettre en valeur le sujet.

Les œuvres de l’âge d’or de la Renaissance portugaise étaient mal connues en France. Le Louvre lui a heureusement consacré une exposition en 2022

Parmi les peintres de cette époque il y a eu Nuno Gonçalves =Cristóvão de Figueiredo = Gregório Lopes =Cristóvão Lopes=Jorge Alfonso =Cristóvão de Figueiredo=Francisco Henriques = Grão Vasco = https://fr.wikipedia.org/wiki/Cristavo_de_Morais. Malheureuement beaucoup d’œuvres ont été perdue lors du séisme de Lisbonne en 1755 et le grand incendie du 25 Août 1988.

L’Espagne est également influencée par la Renaissance dans les domaines de la peinture et de l’architecture. Cette période coïncide avec l’expansion du pouvoir des Rois Catholiques et la montée en puissance de la monarchie des Habsbourg avec Charles Quint et Philippe II. L’art est influencé par les échanges culturels avec l’Italie et les Flandres, notamment à travers des artistes espagnols formés en Italie et des peintres étrangers travaillant en Espagne.

Contrairement aux portraits idéalisés de la Renaissance italienne, les artistes espagnols privilégient une représentation fidèle et sobre des traits physiques et de la personnalité du modèle. L’usage du détail minutieux et des jeux de lumière rappelle les œuvres des maîtres flamands.Les portraits espagnols intègrent souvent des éléments religieux ou symboliques, reflétant la forte spiritualité de l’époque. La noblesse et la cour d’Espagne commanditent de nombreux portraits pour affirmer leur pouvoir et leur statut.

Les peintres portraitistes les plus connus sont Fernando Yáñez de la Almedina = Juan de Juanes = Alonso Sánchez Coello: =Le Greco. Il y a eu aussi Pedro Berruguete = Juan Pantoja de la Cruz

La Renaissance allemande se déroule dans un contexte de profondes mutations culturelles et religieuses, avec la Réforme protestante. L’influence des primitifs flamands, avec le souci du détail et le rendu des textures et la perspective et la monumentalité inspirée des portraits italiens.L’art est emprunt d’un réalisme minutieux, son symbolisme subtil et son influence humaniste.

Les artistes cherchent à capturer fidèlement les traits physiques et la personnalité des sujets. Les détails comme les rides, la pilosité et les imperfections sont souvent accentués. Les portraits incluent des éléments allégoriques ou des objets qui reflètent le statut, la profession ou les croyances du modèle avec une une gravité marquée. Outre les portraits individuels, on trouve des diptyques, des portraits en pied et des représentations de mécènes dans des retables religieux.

Les artistes majeurs dominés par Albrecht Dürer sont notamment Hans Holbein le Jeune = Lucas Cranach le jeune = Heinrich Dürer Aldegrever =Hans Baldung Grien = Leonhard Beck = Georg Pencz =Barthel Beham = Sebald Beham =Hans_Burgkmair

La Renaissance hollandaise et flamande s’étend des maniéristes anversois , peintres anonymes du début du 16ème siècle jusqu’aux maniéristes du Nord au début du 17ème siècle. . Le portrait, genre déjà florissant à l’époque de Jan Van Eyck et Rogier van der Weyden, évolue alors sous l’impulsion d’artistes comme Quentin Metsys=Joos van Cleve = Pieter Pourbus et Anthonis Mor, mais aussi Jan van Hemessen, Catharina van Hemessen, Frans Pourbus l’Ancien

Le réalisme est toujours présent mais les artistes flamands adoptent des innovations italiennes, comme le clair-obscur et la perspective atmosphérique. Les portraits de cette époque cherchent à mieux capturer la psychologie du modèle. On passe d’une représentation hiératique et symbolique à une mise en scène plus naturelle.L’influence italienne popularise le portrait de trois-quarts, plus dynamique que le portrait de profil hérité des traditions médiévales. L’arrière-plan est parfois neutre ou paysager, créant une atmosphère plus intime.

Avec la montée des Habsbourg et le rôle croissant des élites bourgeoises, les portraits deviennent des symboles de statut social.Les vêtements luxueux, les bijoux et les attributs de pouvoir sont soigneusement détaillés.

La Renaissance anglaise influencée par l’Italie s’étend de la fin du XV^e siècle au début du XVII° siècle. Elle fait suite à la Réforme anglaise qui a entrainé une vague iconoclaste (1530-1540) La quasi-totalité de l’art religieux médiéval. va être détruit. Ce sera le sort de la tombe et les reliques de Thomas Becket.

A cette période peu favorable aux arts visuels va débuter la Dynastie des Tudor fondée par Henr iVII qui règne de 1485 à 1509.Et alors promut la nouvelle peinture anglaise. Celle-ci va alors être dominée par le portrait et notamment le portrait miniature et plus tard par le paysage. La Cour va attirer des artistes venus notamment de Flandres. Parmi eux, il y avait Hans Holbein le Jeune = Levina Teerlinc = John Bettes =Hans Eworth, Marcus Gheeraerts le Jeune = Nicholas Hilliard = John de Critz =John Peake = Isaac Oliver.

Les artistes anglais, bien que formés à l’extérieur du pays, sont profondément influencés par la nécessité de représenter la noblesse dans un cadre spécifiquement anglais. Les portraits de la période Tudor sont souvent réalisés à l’huile, une technique importée d’Italie, qui permet une grande finesse de détails et une palette de couleurs plus riche.

Les portraits étaient souvent réalisés pour être accrochés dans les salles d’apparat, servant de référence visuelle et de marqueur de statut social. Il était également courant qu’un même portrait soit reproduit à plusieurs exemplaires, permettant à un individu de diffuser son image dans des contextes variés, notamment dans les maisons de famille ou les ambassades. Ils se concentrent sur des éléments spécifiques : l’habillement, les bijoux et la posture. Ces détails sont chargés de significations sociales et symboliques, et chaque portrait était une sorte de narration visuelle de la vie et du statut du sujet.Au-delà des portraits royaux, l’art du portrait de la Renaissance anglaise s’étend également aux membres de la noblesse et aux personnes de statut élevé.

La Renaissance française (XVe et XVIe siècle) est influencée par l’art italien, notamment grâce aux guerres d’Italie menées par Charles VIII et de François 1er. C’est à ce dernier que l’on doit la création de l’ École de Fontainebleau.On distingue la 1ère et la 2ème école. Il invite à la Cour des artistes italiens comme Rosso Fiorentino , le Primatice , Niccolò dell’Abate , Luca Penni, mais aussi Léonard de Vinci qu’il installe au Clos Lucé.

.Le portrait, qui gagne en popularité, devient un outil puissant d’affirmation du statut social, politique et intellectuel. Il répond à une nouvelle perception de l’individu et à un intérêt pour le réalisme et la représentation fidèle des traits. Les artistes cherchent à capter les expressions et les détails physiques avec précision.

L’usage de la perspective et du clair-obscur confère un volume plus réaliste aux visages.Ils peignent à l’huile sur bois ou sur toile avec des dégradés subtils et une grande richesse chromatique. Les portraits ne sont pas de simples représentations physiques : ils mettent en avant la richesse, la noblesse et le pouvoir des sujets à travers des détails vestimentaires, des armoiries et des accessoires symboliques.

Parmi les peintres de la Renaissance française il y avait notamment Antoine Caron= François Clouet =Jean Clouet =Jean Cousin l’Ancien =Jean Cousin le Jeune =Nicolas Dipre ==Ambroise_Dubois =Benjamin Foulon = Jean de Gourmont

La Haute renaissance se situe en Italie pendant le Cinquecento, dans la continuité de la Première Renaissance. Cette période est marquée par une effervescence artistique en Italie, particulièrement à Florence, Rome et Venise. Les artistes cherchent à atteindre une combinaison idéale de beauté, de naturalisme et d’humanisme, influencés par les idées de l’Antiquité classique.

Comme leurs prédécesseurs du Quattrocento, les artistes de la Haute Renaissance cherchent à représenter les sujets de manière réaliste, en capturant les traits individuels et l’expression psychologique des personnages. Cependant ils ont tendance à idéaliser leurs sujets pour exprimer des valeurs esthétiques et morales. Les portraits cherchent souvent à montrer les individus sous leur meilleur jour, reflétant leur statut social et leur vertu.

Les principaux artistes sont notamment Donato Bramante = Léonard de Vinci = Michel-Ange = Raphaël = Le Titien = Giovanni Savoldo = Lorenzo Lotto = Dosso Dossi . Beaucoup d’autres peintres appartiennent à cette période

L’art du Quattrocento, ou XVe siècle italien, marque une période de transition et d’innovation dans l’histoire de l’art. Ce siècle est souvent considéré comme le début de la Renaissance italienne, et plus spécifiquement la Première renaissance. C’est une époque où les artistes ont redécouvert et réinterprété les idéaux de l’art classique de la Grèce et de la Rome antiques.

Les artistes du Quattrocento ont cherché à représenter le monde de manière plus réaliste. Ils ont étudié l’anatomie humaine, la perspective et la lumière pour créer des œuvres plus fidèles à la réalité. L’invention de la perspective linéaire a permis aux artistes de créer un espace tridimensionnel sur une surface plane.

Les portraits du Quattrocento ne se contentent pas de représenter l’apparence physique des modèles, mais cherchent également à révéler leur personnalité et leur caractère intérieur. Les regards, les postures et les expressions faciales jouent un rôle crucial dans cette dimension psychologique. Ils incluent souvent des éléments symboliques qui reflètent le statut social, la profession ou les valeurs du modèle.
Les artistes se sont inspirés des modèles classiques pour leurs compositions, leurs proportions et leurs thèmes. Ils ont redécouvert les œuvres de l’Antiquité et les ont intégrées dans leur propre travail.

Parmi les peintres notable de cette période il y a eu notamment Filippo Brunelleschi = Leon Battista Alberti. Masaccio = =Piero della Francesca= Sandro Botticelli =Leonardo da Vinci et bien d’autres, mais pas tous portraitistes.

Les Primitifs flamands sont un groupe de peintres actifs entre le XIVe et le XVIe siècle dans les régions correspondant aujourd’hui à la Belgique, aux Pays-Bas et au nord de la France. Ils ont révolutionné l’art du portrait en introduisant des techniques novatrices et en accordant une importance particulière au naturalisme et au détail. Les historiens parlent aussi de Renaissance flamande.

L’une des principales innovations des Primitifs flamands dans l’art du portrait réside dans leur souci du réalisme. Contrairement aux portraits médiévaux, souvent stylisés les peintres flamands cherchent à représenter fidèlement les traits de leur modèle, Ils utilisent la peinture à l’huile pour obtenir des dégradés subtils de couleurs et une illusion de volume et de profondeur.

Ces artistes sont renommés pour leur minutie dans le rendu des tissus, des bijoux et des reflets lumineux. De plus ils introduisent dans leurs portraits une nouvelle dimension psychologique souvent marquée par une expression sobre et une pose naturelle.

Les fonds des portraits flamands sont généralement sombres ou neutres, mettant ainsi en valeur le sujet et accentuant l’effet de tridimensionnalité. La lumière joue également un rôle essentiel : elle modèle le visage avec douceur, en créant des jeux d’ombres et de lumière qui renforcent l’effet de naturalisme.

Parmi les artistes les plus célèbres de cette école figurent notamment Jan van Eyck = Rogier van der Weyden =Hans Memling.= Robert Campin =Jérôme Bosch = Petrus Christus = Gerard Horenbout = Jacob Jordaens = Barthélemy d’Eyck

L’art du portrait au Moyen Âge reflète l’évolution des mentalités, des techniques artistiques et des fonctions de la représentation individuelle. Contrairement à l’époque moderne, où le portrait met en avant l’individualité et l’expression personnelle, le portrait médiéval répondait principalement à des objectifs religieux, politiques et symboliques.

Durant le Moyen Âge, ou Middle ages chez les britanniques, l’art est majoritairement tourné vers la religion. Les portraits sont souvent intégrés dans des œuvres religieuses, comme les retables ou les enluminures de manuscrits. Les donateurs (rois, nobles, ecclésiastiques) sont représentés en position de prière, généralement à côté de figures saintes ou du Christ, afin de montrer leur dévotion et leur lien avec le divin.

Les portraits servent aussi à affirmer le pouvoir et la légitimité des souverains et des grands seigneurs. On retrouve ainsi des représentations de rois et d’empereurs dans des fresques, des sculptures ou des vitraux. Ces images ne cherchent pas tant à être fidèles aux traits du modèle qu’à incarner son autorité et son rôle institutionnel.

Enfin, les portraits funéraires sculptés permettent de perpétuer le souvenir des défunts. Ces effigies, sculptées sur les gisants des tombeaux, montrent souvent le personnage dans une posture de recueillement, soulignant sa piété et son statut social.

Les portraits médiévaux sont souvent stylisés et idéalisés. L’accent est mis sur les attributs religieux et les signes distinctifs du rang social plutôt que sur l’individualité du modèle. L’art du portrait au Moyen Âge se développe d’abord dans l’enluminure et la mosaïque. Ces œuvres privilégient une représentation frontale et hiératique, souvent inspirée de l’iconographie byzantine.

À partir du XIIIe siècle, notamment avec l’essor du gothique, on observe une évolution vers un plus grand réalisme dans les portraits, notamment grâce aux progrès techniques de la peinture et de la sculpture. Les artistes commencent à accorder plus d’attention aux détails des visages et des expressions.

Les principaux peintres du moyen age et de la pré-Renaissance. sont notamment, Giotto di Bondone = André Beauveveu = Taddeo Gaddi = Piettro Cavallini = Cimadue = Jean Pucelle = Pietro Lorenzetti = Colart de Laon =Jan van Eyck = Duccio di Buoninsegna = Giovanni Baronzio = Ambrogio Lorrenzetti